Prime tracce di Arte Moderna - Simbolismo da Rosangela Vig

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Quando Ismalia pazza,
Ha messo sulla torre di sognare…
Abbiamo visto una luna nel cielo,
Abbiamo visto un'altra luna nel mare.

Nel sogno che è stato perso,
Tutti illuminata dalla luna…
Ho voluto ascendere al cielo,
Volevo andare verso il mare…

E, nella sua follia,
La torre ha cominciato a cantare…
Era vicino al cielo,
E 'stato lontano dal mare…

E come un angelo appeso
Ali per volare…
Volevo la luna dal cielo,
Volevo che il mare luna…

Le ali che Dio gli ha dato
coppia di Ruflaram nella coppia…
La sua anima ascese al cielo,
Il suo corpo è caduto fuori bordo…
(Alfonso de Guimaraens con MOSES, 2000, pp.331-332)

Ismalia è una delle più belle poesie di Alfonso de Guimaraens (1870-1921), il grande poeta del simbolismo brasiliano. Il testo coinvolge le emozioni e si avvicina i sensi. Le immagini sono da sogno, la morte è il soggetto e la lingua, molto vicino alla musica, è fluido, piena di allitterazioni. Na Literatura, Il simbolismo è emerso alla fine del XIX secolo, Francia, ideale ispirato Romanticismo; al contrario di Realismo e il Naturalismo e cresciuti gli stati d'animo. Tra i nomi più rilevanti, sono i poeti francesi Stéphane Mallarmé (1841-1898); e anche Charles Baudelaire (1821-1867) della quale, anche se non era più in vita quando Simbolismo è stata consolidata in Francia, E 'stato impostato come un pre-simbolista e, soprattutto, il movimento.

Così è stato per la letteratura, così è stato in Arte. Lo stile ha permeato le manifestazioni artistiche, fra 1880 e 1910, portando più fascino e storie per Art. In questo campo, la fantasia dell'architetto correva oltre il visibile, Ha sondato il subconscio e il mondo dei sogni, il tema lavoro di interpretazione dei sogni, di Sigmund Freud (1856-1939), il creatore della psicoanalisi. Il libro, pubblicato nel 1899, Egli ha suscitato interesse in tutta Europa e ha fatto eco nelle arti.

La Art Nouveau, che ha portato più bellezza di Architettura e Design, in qualche modo anche servito come ispirazione per i simbolisti, anche se sono stati contrari alla prosperità e abbondanza che il nuovo stile proposto.

Architettura e Design

Art Nouveau

Vogliamo viaggiare senza vapore e senza vela!
Fare per sedare la noia di carcere
Per il nostro passaggio dell'anima, rigido come uno schermo,
orizzonti d'amore, i nostri ricordi.
(BAUDELAIRE, p.151, 2006)

La correttezza delle parole di cui sopra può essere giustamente svelare un artista del cuore. E 'del tutto possibile che il genio creativo navigare acque agitate, distaccato, sciolto, attraversando direzioni sconosciute. E l'anima sovrano del lavoratore imbarcato su queste rotte disagio, portando più fascino all'architettura finale del XIX secolo. E 'stato visto, al momento, una rottura con il passato e un risveglio per il nuovo. La tendenza che ha portato aria fresca avvicinava al mondo di sogni e magia. France ha visto la nascita Art Nouveau, stile che alla fine ha seguito per gli altri paesi europei, in vigore dal 1880 e 1920. O esotismo Nouveau Ha modernizzato il design e promosso un fiorire di arti decorative e l'architettura. La modernità di stile accompagnato, l'industrializzazione e la crescita della borghesia, facendo uso di materiali quali ferro, vetro e cemento. Quanto a come, servito come fonti di ispirazione, la natura, fiori e animali.

A differenza di qualsiasi cosa fino ad ora stato visto, il nuovo stile, in gran parte, Aveva le sue origini nelle arti grafiche. Ma dobbiamo anche ricordare l'influenza di arte e oggetti giapponesi; e le linee del movimento inglese Arti e mestieri de William Morris ¹ (1834-1896).

Una pietra miliare per la Art Nouveau L'apertura è stata, il 1895, negozio House of Art Nouveau (House of Art Nouveau), il concessionario collettore e l'arte, Siegfried Bing (1838-1905). Il progetto di casa Bing è stato presentato all'Esposizione Universale 1889. Il negozio aveva il suo interno progettato dall'architetto Henry van de Velde (1863-1957). Tra gli ambienti raffinati, designer di fama, ci sono stati dipinti e manifesti di artisti importanti come Toulouse-Lautrec (1864-1901), Paul Signac (1863-1935) e Edvard Munch (1863-1944); tessuto progettato da William Morris; Oltre agli oggetti Louis Comfort Tiffany (1848-1933), artista e designer noto per il suo lavoro con vetrate. Hanno ricevuto lo stile Nouveau voci per le stazioni Place de la Bastille e Place de L'Etoile, disegnato in 1899, il grande architetto del tempo, Hector Guimard (1867-1942).

Il modello Liberty è le lampade da tavolo di Louis Comfort Tiffany (Cifre 1 e 2). Rappresentando un impianto, l'originalità della lampada (Fico. 1) Tiffany usato il bronzo per la radice e lo stelo. I petali dei fiori e le foglie sono cristalli colorati appesi. Più di un semplice decorativo, l'oggetto è una delicatezza di Art, ricordando i colori e lo stile di disegni Morris, un arte giapponese. La pianta è ninfea acquatica, presenti nei giardini e sugli schermi del pittore impressionista Claude Monet (1840-1926).

Il grande contributo Nouveau Rimase per conto mobili. Na figura 3, lo stile delle linee sembrano indicare la natura in mezzo l'ambiente, gli oggetti di uso di giorno in giorno. Le linee curve nella decorazione di mobili sono ramoscelli e foglie germinazione, o fiori che sbocciano. La natura integra l'ambiente, o per l'ambiente si integra con la natura, attraverso forme irregolari e sinuose dei mobili, gli ambienti Museo Hector Guimard. L'impressione finale è che tutto si muove lentamente.

Sulla parte esterna del museo (Fico. 4), dettagli del soffitto, ringhiera del balcone o scala sta portando alla arrotondata, irregolare, tortuoso, come lo sono gli elementi della natura stessa crescenti. E 'come se la foresta a versare i suoi rami. La facciata del museo (Fico. 5), balconi e finestre sembrano essere estensioni dell'ambiente interno. Le linee curve intuizione rattristavano sul marciapiede freddo.

Lo stile Nouveau ancora vagato per Barcellona, Spagna, lasciando marche surreali e indimenticabili a notevoli opere di Antoni Gaudí (1852-1926). Tra le varie fasi di maturazione del lavoro dell'architetto catalano, Era chiaramente l'influenza del Gothic Revival, ispirato da Eugène Viollet-le-Duc (1814-1879). L'architetto ha anche la protezione della fase dell'imprenditore Eusebi Güell (1846-1918). Gaudí è stato tra gli artisti che l'imprenditore ricco e colto accolto e che divenne mecenate e amico intimo. Gaudí anche ricevuto diversi ordini Guell e, questa fase, contattato la Art Nouveau, che hanno influenzato il suo lavoro, anche se la sua carriera ha acquisito caratteristica unica.

Tra le opere più note di Gaudí sono la chiesa cattolica della Sacra Famiglia ², in stile gotico, iniziato nel 1882 Non ancora finito; park Guell ³, Inaugurato nel 1922, la cui idea principale era di essere un residenziale di lusso, ma alla fine è diventato un parco; casa milah, conosciuta come La Pedrera, costruito tra il 1905 e 1907; e la casa Batlló ⁴ (Cifre 6 e 7) costruito tra il 1904 e 1906.

Considerato un opera di Gaudí sottile, forme organiche e sinuose di finestre e porte della casa Batlló molto assomigliano al Castello Ra-Tim-Bum, serie per bambini brasiliani. Più rapidamente rispetto alla facciata del Museo Guimard, linee di Gaudí sembrano prendere vita e muoversi lentamente, come allungare il calore del sole. In un certo senso, nella tua forza, le pareti sono teneri e non possono essere fermati. Le vetrate e mosaici colorati coerente con una foresta incantata, coperto da un tetto pieno di scale, non meno colorato rispetto alle pareti. L'edificio surreale e magico sembra grande rottura dall'interno di un albero, apertura si incrina, via i suoi rami e la vita nascente e colore.

Scultura

Nulla in arte è fatta solo attraverso la volontà,
tutto è fatto da docile sottomissione al subconscio.
(Odilon Redon con TROMBETTIERE, 2014, p.299)

le linee Art Nouveau Sono diventati una fonte di ispirazione per scultori. In questo campo, le linee ondulate acquisiti certa sensualità e movimento. La decorazione organica venire ambienti che porta luce e un senso decorativo.

Émile Antoine Bourdelle ⁵ (1861-1929) Egli si è distinto come il più notevole di Belle Epoque e il precursore della scultura del XX secolo. Nelle sue linee caratteristiche sono riconoscibili del Romanticismo e le forme e movimenti acqua.

Emmanuel Villanis (1858-1914), scultore francese, Egli era il più noto per i suoi oggetti di piccole dimensioni, bronzo che mescolava una specie di neoclassicismo alle linee eleganti del Art Nouveau. Nei suoi temi erano frequenti Mitologia (Cifre 8 e 9) e gli elementi floreali. Erano busti comuni, figure femminili, il nudo, e una tendenza alla sensualità ed erotismo. Le sculture Thailandesi e Lucrezia corrispondono a due donne dell'antichità romana. in entrambi i, la bellezza riconoscibile delle donne si completa con sguardo seducente. Villanis è stato tra gli scultori più produttivi del suo tempo e le sue opere sono stati esportati in molti paesi.

Disegno

L'arte è in sostanza idealistico: i più sogni
profonda hanno l'interpretazione più personale.
(Fernand Khnopff con TROMBETTIERE, 2014, p.309)

Le parole sono l'artista Fernand Khnopff (1858-1921) e riassumere l'attributo principale Simbolismo. Le nuove forme astratte erano più vicini alla realtà spirituale, contrariamente Art rappresentante di realistico o. I temi vagavano attraverso i mondi di sogni e visioni. Opporsi all'impressionismo, simbolisti preferivano il suggerimento di idee, attraverso le icone. Nella pittura, E 'stato dato rilevanza per il modo in cui, i colori, le righe e, in particolare soggettività. Khnopff guidato il movimento in Belgio e fu ammirato da molti artisti, tra cui Edvard Munch (1863-1944) e Gustav Klimt (1862-1918).

La malinconia è presente nel paesaggio desolato del lavoro di Pierre Puvis de Chavannes (1824-1898), nella figura 12. Il vacillante e l'uomo mi dispiace dall'aspetto è solitaria, come se riflettendo su qualcosa. I colori della natura sono miscelati e discreto, Contrastano con il protagonista della scena. Intorno al figlio, ogni giorno, consisteva insolente, Feed Pigs, ricordando la nota parabola simboleggia rimborso. Proprio come i grandi artisti del suo tempo, Chavannes non rientrava in un unico movimento, Passò Impressionismo, dal Post-Impressionismo e il simbolismo. L'uso di colori moderati, non puro, E 'anche caratteristica di due sue opere 1863 (Cifre 10 e 11). Si può vedere un riferimento al periodo classico, in forma, in prospettiva e ombre.

Il contatto con il simbolismo francese, nella Sala della Rosa-Croce, il 1892, Ha preso l'artista svizzero Ferdinand Hodler (1853-1918) per tornare il loro stile a un senso metafisico. Gli stati d'animo sono presenti nel vostro lavoro notturno ⁶, che scandalizzati la società del tempo. Suo, la rappresentazione del sonno si avvicina l'idea della morte. Alcune persone apparentemente addormentato, nudo, profondamente addormentato, solitario, Abbracciato suggerendo certo erotismo. Uno è improvvisamente risvegliato dalla morte. Tra le persone, due erano sue mogli, e lo stesso artista è ritratto nella scena.

Erotismo stato anche in diverse opere di Gustav Klimt (1862-1918) che è venuto per essere accusato di pornografia. Il suo stile varia, Tuttavia elementi di simbolismo assemblati, Impressionismo e Art Nouveau. Una coppia unita in abbraccio dolce e intenso è il più noto tema Klimt lavoro, il bacio, di 1907. Nel tessuto circostante la coppia, È possibile riconoscere le influenze Nouveau e Bizantina, le linee geometriche e motivi motivo floreale. Sotto i due c'è arbusti colorati, fiori e rametti e nastri d'oro che cadono sulle gambe di donna, sul lato destro del lavoro. Le forme arrotondate di esso contrastano con angolare e Whittle dritto. Sotto il mantello d'oro, i due sembrano essere nudo e completamente impegnati tra loro. Lo sfondo della scena è quasi impercettibile per l'occhio, poiché non v'è un punto culminante per i protagonisti. Il dipinto faceva parte del periodo d'oro della vita di Klimt che è venuto a usare foglia d'oro in molti dei suoi dipinti di questo periodo.

L'artista norvegese, Edvard Munch, uno dei precursori dell'espressionismo così come altri pittori del suo tempo, anche transitato il Simbolismo. In 1896, quando era a Parigi, C'è venuto ad avere tra la tua cerchia di amici, poeta francese Stéphane Mallarmé. Gran parte della vita di Munch, pieno di tragedie, si è rivelata nelle sue opere che erano comuni alla malinconia e tristezza. Tra le litografie prodotte dopo 1896, il vampiro lavoro (Fico. 13) E 'venuto per essere chiamato Amore e dolore per artista. Nell'immagine triste, un uomo è avvolto tra le braccia di una donna che bacia il suo collo. afflitto, egli sembra avere portato via dall'abbraccio e, probabilmente, la morte.

in Separazione (Fico. 14), il protagonista è anche un uomo addolorato per il dolore di terminare una relazione. Questa e altre opere di Munch, come Il bacio della propria e The Grudge, Facevano parte di una serie intitolata Il Fregio della Vita, in inglese, La Freize della Vita, i cui argomenti variava da amore, ansia, gelosia, l'infedeltà e la morte. Come Klimt e molti del tempo, Munch era ossessionato con la sessualità femminile. A quel figure dei prezzi 14 sono presenti gli elementi di sessualità, di lussuria e tradimento. solitario, l'uomo non riesce a muoversi, questo è il suo scoramento. Il colore rosso nella mano destra, sul petto, Essa simboleggia il sangue versando dal cuore. In contrasto con la sua immagine, la donna si distingue a immagine e presenta bella. Come se non notando, si allontana e fredda, con i capelli lunghi al vento. Il design dei loro capelli segue la linea sinuosa del vento sembra soffiare. È possibile riconoscere, nella foto, tracce di Art Nouveau, linee sinuose, i contorni semplificate e l'uso dei colori.

Tra gli artisti che hanno superato anche il valore corrente simbolista anche citare i nomi di Paul Gauguin (1848-1903), Gustave Moureau (1826-1898), Arnold Böcklin (1827-1901), Ferdinand Hodler (1853-1918), Odilon Redon (1940-1916) e Fernand Khnopff (1858-1921).

Considerazioni Finali

L'arte è in sé perfezione. non
Si dovrebbe giudicarlo da un modello esterno. E 'più
un velo che uno specchio. Ha fiori e uccelli
sconosciuto in qualsiasi foresta. inventa e
e distrugge i mondi, con un filo scarlatto, Si può prendere
luna del cielo. (…) Per la sua natura non ha leggi.
(SELVAGGIO, 1992, p. 45)

Oscar Wilde (1854-1900) E 'stato parte del movimento europeo ha estetismo, con caratteristiche molto simili alla simbologia. Per lo scrittore inglese, la Fiera sarebbe un antidoto alla freddezza di industrializzazione. Si oppone al realismo e creduto in arte per l'arte. Le sue parole ei suoi pensieri eco oggi. E può essere che l'arte di strade mitigare la freddezza e la durezza del mondo reale.

L'ingegnere di forme e colori in grado di generare un nuovo mondo, sogni architetto, sollevare universi e intravedere scene che solo la fantasia e l'arte sono in grado. Una è possibile concepire mondi surreali, bella come la Gaudi; suscitare nello spettatore le stupori più intense, dipinti nas Munch; o favorire sensazioni ineffabili, dipinti nas Klimt.

Questa diversità di cui si parla negli ultimi decenni del XIX secolo ha portato prove sufficienti per che l'arte sia permesso di parlare per se stessa, le mani libere dalla realtà, senza le distorsioni di vita. E l'arte dei percorsi sono molto vicine a quelle dove il sentiero Poesia. La parte posteriore è profonda, ricavato l'anima in estasi. E l'arte è il balsamo dell'anima.

Lo scopo della vita è l'autosviluppo.
Perfettamente rispettare la natura stessa –
questo è il motivo per cui siamo qui.
(SELVAGGIO, 1986, p.13)

¹ oficial Site de William Morris Society:
www.morrissociety.org

^² Il video da Sagrada Família:
www.youtube.com / watch?v = UrKSk4xFVLw

³ di Video Parco Guell di Gaudì:
www.youtube.com / watch?v = HP_bOvoUr90&t = 35s

⁴ Sito ufficiale, Casa Batlló:
www.casabatllo.es

Video con il commento:
www.youtube.com / watch?v = j31eZTrW0Ss

⁵ Emile Antoine Bourdelle - Sito do Museu Bourdelle:
www.bourdelle.paris.fr

⁶ video recensione del Lavoro Notte Ferdinand Hodler:
www.kunstmuseumbern.ch/en/see/collection/videos-higlights-collection/ferdinand-hodler-the-night-271.html

Riferimenti:

1. BAUDELAIRE, Charles. Sulla modernità. Sao Paulo: Editore Pace e la Terra, 2007.
2. BAUDELAIRE, Charles. I fiori del male. Sao Paulo: Martin Claret, 2006.
3. BAYER, Raymond. Storia di Estetica. Lisbona: Stamp Editoriale, 1993. Traduzione di José Saramago.
4. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; TROMBETTIERE, Caroline; MACK, Lorrie. Historia Ilustrada da Arte. Sao Paulo: Publifolha, 2014.
5. FARTHING, Stephen. All About Art. Rio de Janeiro: Sestante, 2011.
6. Gombrich, E.H. The Story of Art. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
7. HAUSER, Arnold. Storia sociale di Arte e Letteratura. Sao Paulo: Martins Fontes, 2003.
8. MOSES, Massaud. La letteratura brasiliana attraverso Testi. Sao Paulo Ed.Cultrix, 2000.
9. PROENÇA, Gratis. Alla scoperta della storia dell'arte. Sao Paulo: Routledge, 2005.
10. VERLAINE, Paolo. Cento poesie di Paul Verlaine. Chicago: La University of Chicago Press, 1999. Tradotto da r. Norman Shapiro.
11. VIG, Rosangela Araujo Pires. ARTE COME COMUNICAZIONE ALLA COMUNICAZIONE COME ARTE. Comunicazione, Cultura e Media, Uniso, Sorocaba: 2010. Disponibile in:
    comunicacaoecultura.uniso.br/prod_discente/2010/pdf/Rosangela_Vig.pdf
12. SELVAGGIO, Oscar. Il decadimento della menzogna e altri saggi. Rio de Janeiro: imago Editora, 1992.
13. SELVAGGIO, Oscar. Il ritratto di Dorian Gray. Sao Paulo: Editora Scipione, 1986.

Come figuras:

Fico. 1 - lampada da tavolo giglio d'acqua, Louis Comfort Tiffany, 1904, cristallo e ottone, 67,31 x 48,26 cm. Virginia Museum of Fine Arts, Richmond. Presente de Sydney e Frances Lewis. Foto: Katherine Wetzel. © Virginia Museum of Fine Arts.

Fico. 2 - lampada da tavolo Begonia, Louis Comfort Tiffany, 1900, cristallo e ottone, 41,9 x 33 cm. Virginia Museum of Fine Arts, Richmond. Presente de Sydney e Frances Lewis. Foto: Katherine Wetzel. © Virginia Museum of Fine Arts.

Fico. 3 - museo interno Hector Guimard, Parigi. Foto: Le Cercle Guimard.

Fico. 4 - Interni e il soffitto del museo Hector Guimard, Parigi. Foto: Le Cercle Guimard.

Fico. 5 - Facciata Museo Hector Guimard, Parigi. Foto: Le Cercle Guimard.

Fico. 6 - Facciata della Casa Batlló, Francesco Benavides.

Fico. 7 - Facciata della Casa Batlló, Francesco Benavides.

Fico. 8 - Thais, Emmanuel Villanis, 1890, Bronzo, 55 cm. HICKMET Fine Arts ©.

Fico. 9 - Lucrezia, Emmanuel Villanis, 1890, Bronzo, 53 cm. HICKMET Fine Arts ©.

Fico. 10 - riposo, Pierre Puvis, 1863, olio su tela, 108,5 x 148 cm. Galleria Nazionale d'Arte, Washington. Collezione Widener.

Fico. 11 - Lavoro, Pierre Puvis, 1863, olio su tela, 108,5 x 148 cm. Galleria Nazionale d'Arte, Washington. Collezione Widener.

Fico. 12 - Il figliol prodigo, Pierre Puvis, probabilmente da 1879, Olio di lino su, 106,5 x 146,7 cm. Galleria Nazionale d'Arte, Washington. Collezione Chester Dale.

Fico. 13 - Edvard Munch: vampiro II, 1895-1902, Litografia, 380-387 x 550-560 mm. Museo Munch, Oslo. Foto © Munch Museum.

Fico. 14 - Edvard Munch: separazione, 1896, olio su tela, 96,5 x 127 cm. Museo Munch, Oslo. Foto © Munch Museum.

Fico. 15 - Pandora, Odilon Redon, 1910-1912, olio su tela, 143,5 x 62,9 cm. Galleria Nazionale d'Arte, Washington. Collezione Chester Dale.

Fico. 16 - San Sebastian, Odilon Redon, 1910-1912, olio su tela, 144 x 62,5 cm. Galleria Nazionale d'Arte, Washington. Collezione Chester Dale.

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