Prime tracce di arte-post-impressionismo moderno di Rosangela Vig

È anche possibile ascoltare questo articolo nella sua voce artista Rosangela Vig:

Per il perfetto flâneur, per l'osservatore appassionato, È una gioia immensa risiedono in numerose, in ondulato, in movimento, nell'inafferrabile e all'infinito. Essere lontano da casa e, Tuttavia sento a casa ovunque si sta vedendo il mondo, essere al centro del mondo e rimangono nascosti al mondo, Ecco alcuni dei piccoli piaceri di questi spiriti indipendenti, Innamorato, imparziale, tale lingua non può definire altrimenti crudamente. L'osservatore è un principe che usare ovunque il fatto essere in incognito. (BAUDELAIRE, 2007, p.21)

Charles Baudelaire (1821-1867) era critica dell'arte francese del XIX secolo, precursore del simbolismo e il fondatore della moderna tradizione nella poesia. Il teorico era poeta boemo e la sua poesia era il risultato di uno spirito sensibile su metropoli. La sua poesia è piena di elementi della vita quotidiana senza soggettività esagerata, per il quale il produttore ha avuto un'avversione. Per ele, l'artista è come un flâneur, un osservatore dal mondo. È colui che cammina attraverso la folla, il brusio delle strade e il trascinamento dei passaggi. Acuta percezione, Si sente la vita pulsare nella tua frenesia. Tra la folla, l'artista è solo uno straniero solitario, ma il tuo look è intenso, Vita da strega. Come un incognito Walker, ha l'energia di un bambino abbagliato, immagini di degustazione, Godetevi i momenti del cluster.

E niente avrebbe potuto essere più attraente di questo Explorer che lo scenario elegante della capitale francese, tra la fine del XIX secolo e l'inizio del XX secolo. Questo contesto, ha preso parte all'esposizione universale di 1889, Parigi, un omaggio al centenario della rivoluzione francese. L'evento è stata l'inaugurazione della Torre Eiffel, al 31 Marzo dello stesso anno. Sono stati anche parte della Mostra Mostra l'estremo Oriente, in Medio Oriente, Nord Africa, Africa centrale e Polinesia. Templi sono state presentate, moschee, Case di danze cinesi e giavanese. Progettato da Gustave Eiffel (1832-1923), la Torre Eiffel, al centro dell'evento, Faceva parte del settore dedicato a Parigi.

Durante l'esposizione universale, fra 6 può il 31 Ottobre, erano presenti nei dintorni 50 milione di visitatori, Compreso, varie celebrità del tempo come scrittori; gli inventori di Nikola Tesla (1856-1943) e Thomas Edison (1847-1931); il Principe di Galles con tua moglie; e artisti come Edvard Munch (1863-1944), Paul Gauguin (1848-1903), Vincent Van Gogh (1853-1890), Rosa Bonheur (1822-1899) e James McNeill Whistler (1834-1903).

Gli ultimi anni del XIX secolo sono stati contrassegnati da una cultura cosmopolita. La Belle Époque, come il periodo è stato chiamato, è stato caratterizzato dal fiorire della bellezza Art, musica e Teatro. Nella capitale francese, i ricchi goduto la vita cultura, i ristoranti, Viaggi e moda, Anche se questi non erano accessibili a tutti i piaceri e lusso, tante volte, È stato visto come decadente.

La vivace capitale del tardo 19 ° secolo in Francia ha aperto il famoso cabaret Moulin Rouge il 1889, anno in cui è stato rilasciato anche la rivista La Revue Blanche, circa Art, Letteratura e politica, che ha stimolato l'arte d'avanguardia. E Francia ancora è diventato un pioniere nella produzione di automobili, produzione 30 mille auto, più della metà della produzione mondiale, il 1903.

Nel tuo effervescenza, la Parigi del tempo era pura ispirazione per Explorer solitario e appassionato che ci dice Baudelaire. Il talento sarebbe difficile da trasformare in arte, tante immagini di vita in ebollizione. Ma contrariamente a quanto si è verificato in altri periodi, gli artisti dei Post Impressionismo non hanno seguito un modello estetico unico. Avendo l'eredità degli impressionisti come punto di partenza, al Art Ora, se si è ramificato dicotomicamente. Scene di vita quotidiana sono state esplorate; sono stati studiati nuove tecniche; il colore è venuto per essere utilizzato con più enfasi; C'era un'emancipazione del modulo; ma gli artisti esplorato, specialmente, libertà. Il risultato è stato un movimento d'avanguardia che ha iniziato nel 1885 e lo sarebbe rimasta fino al 1907, con la nascita del cubismo.

Architettura

È più un'arte astratta e ideale, meglio rivela il carattere del vostro tempo. Se vogliamo capire una nazione per la sua arte, studiare l'architettura e la musica. (SELVAGGIO, 1994, p. 55)

Gli ultimi decenni del XIX secolo lasciarono alle spalle la rinascita e l'eclettismo, i grandi marchi dell'estetica romantica, in architettura. Anche se non ha evidenziato il postimpressionismo come uno stile architettonico, Si è capito un riscatto alla praticità, la funzionalità e la semplicità.

L'uso del ferro nelle strutture degli edifici è stata una caratteristica del tempo, a seguito di industrializzazione che si è verificato in Europa. Molte famiglie migrarono per i grandi centri industriali, la caccia di lavoro, prendendo questi luoghi una grande crescita. Come c'era un bisogno di riparo queste persone, la soluzione rapida sarebbe quella di costruire edifici. Con questa, il giardino è stato assegnato un valore alto, Ciò che in un modo, alla fine di incoraggiare l'integrazione verticale della Villa. L'impiego del ferro nella struttura reso possibile la costruzione di edifici più alti, più robusto e grassetto, con si estende su più ampia e più veloce l'esecuzione. Aggiungete a ciò il fatto che il ferro sia più resistente al fuoco. E il materiale è stato utilizzato nella costruzione di ponti, Ferrovie, industrie e stazioni. Ma il ferro potrebbe essere modellato, consentendo l'utilizzo di questo materiale come elemento decorativo, in architettura, dando origine alla Art Nouveau, Che merita un capitolo.

Costruito tra il 1838 e 1850, Parigi, la libreria Sainte Geneviève, l'architetto francese e l'ingegnere Henri Labrouste (1801-1875), E ' stato il primo edificio ad uso del ferro nella struttura e come elemento decorativo. A Londra, il Palazzo di cristallo, di Joseph Paxton (1803-1865), costruito tra il 1850 e 1851, ricevuti in ferro e cristallo nella vostra struttura.

La Torre Eiffel (Cifre 1, 2 e 3), più alta costruzione della città francese, Fu eretto tra 1887 e 1889, in stile Nouveau ed è diventato non solo il simbolo della Francia, ma anche un'icona dell'architettura moderna, con la struttura della capriata, ornata con apparente ferro. Per molti anni è stato considerato il più alto edificio del mondo. Nel tuo interno ristoranti, negozi, cinema ed è ancora possibile per il visitatore, Godetevi le viste panoramiche della città di Parigi, o incontrare l'appartamento privato di Gustave Eiffel, Situato nella parte superiore dell'edificio.

Scultura

Nessun grande artista vede le cose come sono veramente. E se ciò dovesse accadere a lui, Non sarebbe un artista. (SELVAGGIO, 1994, p. 55)

Oscar Wilde (1854-1900), Poeta e scrittore irlandese, l'arte è un'interpretazione della vita, non è la vita stessa; è il frutto del look raffinato dell'artista e delle sue impressioni. Forse è il più grande attributo della Belo di ogni stagione. E l'elevata probabilità di estetica del periodo in questione è stato a causa di questa lettura dell'artefice, vivere in frenesia. La libertà estetica espanso che guardare e ha permesso la scultura di fluire un patchata equilibrio con l'ambiente, la grande tendenza del periodo.

Aristide Maillol¹ (1861-1944) era il momento clou in questo campo. Il risultato di ammirazione per la sua preoccupazione con il modo era Scultura greca. Influenzato il principio, da Rodin di impressionistico (1840-1917), l'artista quindi, seguite il vostro percorso. È anche l'ispirazione dello scultore luce, nel suo contemporaneo Paul Gauguin (1848-1903) e Maurice Denis (1870-1943). Maillol è venuto da utilizzare per la pittura, Arazzo incrociata e incisione su legno, mas persone 40 anni che si dedicò completamente alla scultura. Ambroise Vollard (1866-1939), noto Marchand della stagione, è stato responsabile per la prima mostra dello scultore, il 1902.

Senza la carica emotiva dell'Impressionismo, le figure femminili nude di Maillol sono arrotondate, stabile, Basato su modelli dal vivo; ora sono sola, ora in gruppi, interagire, il modo naturale. La preoccupazione dello scultore con la forma e la simmetria è evidente nel lavoro notte, in mostra al Metropolitan Museum, em Nova York. Nell'immagine, realizzato in bronzo, Si può dire la ricerca accentuata dal figurativo, residuo dell'antichità classica. La scultura può ricordare una femmina quadri di Gauguin, dato la spontaneità della vostra posizione. Seduta, con la faccia nascosta tra le braccia, sulle gambe piegate, la donna è presentata in modo naturale, senza pretese. C'è equilibrio nelle vostre emozioni, Una volta che lo scultore ha reso un punto di un allontanamento psicologico. Moglie di Maillol è stato il modello per questo e per molte delle sue opere.

Disegno

Tutta la creazione artistica è assolutamente soggettiva. (…) Credo che anche se, più crediamo creazione obiettiva, è davvero più, soggettivo. (SELVAGGIO, 1994, p. 147)

Questa soggettività che ci dice Wilde, è relativo a come l'artista vede le cose che lo circondano, il vostro entusiasmo e le tue emozioni. Scorre per il lavoro la particolare interpretazione del mondo e il tuo incantesimo dalla natura. Per Wilde, Dal momento che è soggettivo, l'arte è verità senza compromessi, le distanze, a causa della sua, Una volta che l'artista assimila le cose e li assegna i valori e le loro impressioni.

Tale ragionamento ha un collegamento con il pensiero di Platone², sul mondo delle idee. Per il filosofo dell'antichità, C'è una realtà permanente, per ogni persona; C'è un modo diverso per capire le cose, per ogni. Nel campo dell'arte, anche se un lavoro è relativo ai codici della realtà, Lei sarà una semplice imitazione dell'idea originale dell'artefice o realtà stessa. In esso sono stampati la comprensione e la lingua di quella che l'ha creata.

Tali considerazioni riflettono lo spirito della pittura del periodo. Il rifiuto del figurativo, inaugurato con Impressionismo, esteso da ed era esteso alle forme che cominciarono ad allontanarsi dalla realtà. Il compito del pittore avrebbe interpretato il mondo, Lasciate che le vostre emozioni fluiscono liberamente e senza compromessi. E il creatore di genio ha avuto vasta gamma di stimoli, portato dall'effervescenza parigino e la diversità delle culture dell'esposizione universale. Gli impressionisti sono diventati più ampia, ampliato nel forma, in colore e in luce. L'arte stava attraversando una grande trasformazione, che culminerà nell'estetica condotto durante il ventesimo secolo.

Quello che hai visto nel periodo era un gruppo eterogeneo, di diversi stili. A artisti, Era comune per la rilevanza del lato emotivo; l'indifferenza con il modulo; l'applicazione di luce a scene di vita quotidiana; l'uso della tecnica del fauvismo, in altre parole, l'intensificazione del colore.

E che era l'elemento di colore che spiccava di Paul Gauguin (1848-1903). L'artista è nato in Francia, ma trascorso la tua infanzia in Perù, paese d'origine di tua madre. È venuto a vivere in Danimarca, ma tornò in Francia, dove ha incontrato l'impressionista Camille Pissarro, che notevolmente ha influenzato la tua arte. Arrivati per partecipare a mostre in 1876, ma solo in 1885, ha continuato a dedicarsi interamente alla pittura. Dal 1891, fino alla tua morte, Gauguin ha vissuto in Polinesia francese (Tahiti e le Isole Marchesi).

Nel tuo lavoro c'è un misto di esotismo, di poesia e colori, dalla vita quotidiana dei luoghi dove ha trascorso gli ultimi anni della tua vita. Questo gusto per l'insolito è chiaro nella figura 4. Nell'immagine, due donne tahitiane sono tornati, salto al mare. Nella parte inferiore dell'immagine sono i vestiti di uno di loro; l'altro è rimuovendo il tuo pareô. Con gesti lenti e sensuali, Essi non sembrano cura circa il pescatore avanti. Le particolarità dello stile dell'artista è la semplificazione della forma e l'uso di superfici piane di colori, con linee delimitati in nero, caratteristiche di stampe giapponesi. L'uso di colore intenso e forte accentua esuberanza luce e tropicale del luogo dove è successo Gauguin. Il suo lavoro rende evidente rottura con lo stile realistico e si gira verso la vostra immaginazione e la tua emozione.

L'uso di colori puri è stato anche una tendenza nell'opera di Paul Cézanne (1839-1906). L'artista ha avuto contatti con gli impressionisti, Chi è venuto per esporre, ma era infelice con il proprio stile e capito che deve interpretare ciò che vedeva e non semplicemente il registro scene. Dal 1880, Cézanne ha cominciato a dipingere paesaggi sulla montagna della Provenza Sainte-Victoire. Na figura 8, Si può vedere che Cezanne mantenuti gli effetti della luce naturale, già utilizzato da impressionisti e l'uso di colori puri. Quanto a come, gli elementi naturali della scena, Casa, le rocce e la vegetazione sono rappresentati da coni e cilindri, aspetto principale della tua pittura, caratteristica che è diventato il precursore dell'arte moderna e un ponte verso il cubismo.

Georges-Pierre Seurat (1859-1891) aveva una predilezione per la pittura la periferia di Parigi. La sua personalità era un contrappunto tra l'estrema sensibilità e precisione matematica. Dai suoi studi di teoria del colore e dell'ottica, il 1880, proceduto a fare un uso scientifico di colore, creando così il divisivo o stile divisionista. Seurat è venuto a frequentare l'ultima Mostra degli impressionisti in 1886 e nel frastuono causato con il vostro lavoro una domenica pomeriggio sull'isola della Grande Jatte. La sua tecnica è stata seguita più tardi da Paul Signac (1863-1935) e Théo van Rysselberghe (1862-1926). Il Faro a Honfleur (Fico. 9), è la luce naturale che illumina le case, la barca e il faro. I colori non si mescolano; Essi sono piccoli punti di sfumature diverse che si sovrappongono, causando un effetto ottico di miscela dei colori, alla fine.

Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) ³ ha vissuto a Parigi, Ha frequentato i bordelli, i caffè, il cabaret, tra Ls, gli Moulin Rouge. Suo aspetto strano, a causa delle gambe molto corte e bassa statura, fatto il tuo animo sensibile e forse, per questo motivo, è riuscito a conquistare la fragilità degli artisti e prostitute come nessun altro pittore. Le sue opere erano un ritratto della vita bohemien e l'artista è venuto a rendere manifesti per il cabaret e le sale che hanno partecipato. La Virginia Reel in Moulin Rouge (Fico. 11) è pieno di elementi con cui Lautrec vissuto. Ci sono persone a ballare e divertirsi in una grande sala illuminata. I colori forti accentuano la dinamica e l'effervescenza del momento. I contorni semplificati e la mancanza di ombra lasciato chiara l'intenzione dell'artista di dare risalto all'espressività dei personaggi, la pace della mente con l'anatomia e la realtà.

Vincent van Gogh (1853-1890) tra gli artisti più importanti del periodo e l'ultima volta. Nato nei Paesi Bassi, il pittore si trasferì a Parigi, dove il fratello Theo era un Marchand. Ci è stato presentato il Paul Signac, Èmile Bernard, Paul Gauguin e Lautrec, Oltre ai principali artisti impressionisti. Come molti del vostro tempo, era innamorato di stampe giapponesi. Sostanzialmente autodidatta ha iniziato a dipingere in stile divisionista, ma modificato il cruscotto, nel corso del tempo. Suo riconoscimento ha avuto luogo solo dopo la tua morte. Nella vita, appena aveva venduto una foto. La sua vita è molto ben documentata nelle lettere scambiate con il fratello Theo, che hanno ricevuto un sacco di aiuto. Il pittore ha sofferto di attacchi di follia e depressione e, Dopo un litigio con Gauguin, è venuto a tagliare il tuo orecchio. Ha ripreso la pittura dopo se stesso e il controllo della depressione. Il cruscotto poi evoluta e i brevi tratti divennero lunga e tortuosa. In 27 luglio 1890, afflitto da più di una crisi di depressione, Van Gogh ha sparato contro il proprio petto. Morì il giorno dopo, con la sola 37 anni, tra le braccia di tuo fratello.

Il suo stile è inconfondibile, con colori forti, avvolgimento ed espressive che le linee, per molti, Ordina l'artista come pré-expressionista o espressionista. Che la natura è il tratto più suggestivo di uno dei suoi 40 Autoritratti (Fico. 15). Le estremità di pennellate che scorre attorno alla figura dell'artista, tra i capelli e i vestiti suggeriscono l'impressione movimento e l'intensità. Il blu e lo sfondo dei contrasti scena con il colore chiaro del volto dell'artista. È evidente il pallore e il profilo rattristato a causa dei suoi problemi emotivi. Per l'artista,

È possibile che ci sia un grande fuoco nella nostra anima, Anche se chiunque può riscaldarsi con lui e guardare i passanti solo un po ' di fumo. (Vincent Van Gogh in WATTS, 2002, p.41)

L'indifferenza con il modulo, con il prospettiva e l'uso di colori forti sono anche presenti nelle opere di Henri Rousseau (1844-1910). Il suo stile incantato molti artisti del tempo, tra cui Pablo Picasso e divenne uno dei più grandi rappresentanti della Arte Naif ⁴. Nella foresta di pioggia di Rousseau (Fico. 17) Ci sono contorni in bianchi e nero; le varie tonalità di verde sono forti e non mescolare. La semplicità della forma riflette l'idea di innocenza e di gioia. Probabilmente Rousseau mai uscito di Francia, ma molti dei suoi dipinti sono delle foreste.

La diversità della stagione, ancora aggiungere i nomi di Bertrand-Jean Redon, noto come Odilon Redon (1840-1916); Henri-Edmond Cross (1856-1910); e Theo van Rysselberghe (1862-1926). Molti artisti, rappresentato dal bene commercianti, Essi potrebbero diventare ricchi con arte. Altro ha progredito molto nel tuo stile, Essi non avevano rappresentanza e dovrebbe appartenere ad una classe più povera di si è sforzato di far valere.

L'esploratore delle masse che Baudelaire ci dice, Niente potrebbe essere più affascinante che le immagini di una città in frenesia. La Parigi della fine del XIX secolo avrebbe abbastanza elementi per l'artista, affascinante, Immaginate di arte, Secondo il tuo spirito fecondo. Oscar Wilde (1994, p. 54),

L'arte è sviluppato puramente nelle proprie righe, non simboleggiano il qualsiasi momento, ma, A differenza di, ha nei suoi simboli.

L'arte poi ha intrapreso dai nuovi modi, preso verso la propria, svincolata dalla precisione di forma ed è diventato ancora più affascinante e variegato.

Considerazioni Finali

L'arte inizia con decorazione astratta, con un lavoro puramente fantasioso e divertente, non si applica se non irreale, l'inesistente. (SELVAGGIO, 1994, p. 39)

Il desiderio di liberarsi della borsa di studio iniziata da impressionisti sembra aver prodotto buoni frutti. Gli artisti cominciarono a esplorare nuovi modi di espressione, Esplorate che la creatività e per sempre ha cambiato l'arte pannello. Il post-impressionismo continuò fino ai primi decenni del XX secolo, Quando le avanguardie hanno ripreso lo scenario.

Di fondamentale importanza a questo quadro è stato il contatto con l'esotismo di regioni lontane, durante l'Expo di sei mesi che ha ispirato artisti a sviluppare il tuo stile come Gauguin, incantato di arte orientale. Torre di Gustave Eiffel e l'emozione dei molti ispirato pittori parigini del tempo. Molti artisti erano alla ricerca di luoghi più ulteriormente lontano da Francia a vivere, come Provenza, Gran Bretagna e il Languedoc; o ancora, come era il caso con Gauguin, Vivevo in Polinesia francese.

L'emozione è prevalso sopra il modo, è diventato sovrano e, lì per lì si stabilì, prendendo di nuovo ares estetica. L'osservatore entusiasta, gli flâneur, all'inizio di questo testo, bastava il cuore pulsante, rapiti da immagini che offerto caldo. E arte può anche essere un modo folle e delirante di guardare le cose. Per lo scrittore irlandese, Savage, charms di arte da sé, È bello da guardare e ha anche imparato ad ammirare la bellezza della natura.

“Si dice che l'arte ci fa amare ancora di più la natura, rivela i suoi segreti (…)” (SELVAGGIO, 1994, p. 25)

Sopra la periferia in quanto, il tetto a mansarda,
I ciechi sono alle bastardi sontuoso velo,
Quando il sole scende, che impone, suoi pugnali
Informazioni sulla città e la campagna, i soffitti e i campi di mais,
Ho messo il treno nella mia strana scherma,
Annusare in giro per tutte le possibilità di rima,
In una frase la punta, Che ne dite i marciapiedi,
O il check-out le immagini hanno a lungo sognato.
(BAUDELAIRE, 2006, p. 96)

Note:

¹ Video circa il lavoro dello scultore Aristide Maillol:

• www.youtube.com / watch?v = LxR0j4b1TNE
• www.youtube.com / watch?v = WZ-8GAqpsTY
• www.youtube.com / watch?v = SHt17_Gyqeg

² Un po' di più circa la teoria del mondo di Platone di idee può essere visto nell'articolo il journeyman Art link:
www.obrasdarte.com/a-arte-incompreendida-por-Rosangela-Vig

³ Henri de Toulouse-Lautrec:
www.obrasdarte.com/Exposicao-Toulouse-Lautrec-em-Vermelho-por-Rosangela-Vig

⁴ Arte Naif:
www.obrasdarte.com/a-arte-naif-Arte-ingenua-por-Rosangela-Vig

Riferimenti:

1. BROOME, Peter; CHESTERS, Graham. Un'antologia della poesia francese moderna. Toronto: Pressa dell'Università di Cambridge, 2003.
2. BAUDELAIRE, Charles. Sulla modernità. Sao Paulo: Editore Pace e la Terra, 2007.
3. BAUDELAIRE, Charles. I fiori del male. Sao Paulo: Martin Claret, 2006.
4. BAYER, Raimondo.Storia di Estetica. Lisbona: Stamp Editoriale, 1993. Traduzione di José Saramago.
5. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; TROMBETTIERE, Caroline; MACK, Lorrie. Historia Ilustrada da Arte. Sao Paulo: Publifolha, 2014.
6. FARTHING, Stefano.All About Art. Rio de Janeiro: Sestante, 2011.
7. Gombrich, EHThe Story of Art. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
8. HAUSER, Arnaldo.Storia sociale di Arte e Letteratura. Sao Paulo: Martins Fontes, 2003.
9. PLATO. Cratilo. 2ª. Edizione. Lisbona: Livraria Sá Costa, 1994, Translate Pe. Palm giorni.
10. POE, Edgar Allan. La filosofia della composizione. Rio de Janeiro: 7 Lettere, 2008. Traduzione: Léa Viveiros de Castro.
11. PROENÇA, Gratis. Alla scoperta della storia dell'arte. Sao Paulo: Routledge, 2005.
12. VANNUCCHI, Juliana. La rilevanza della menzogna come componente artistica in Oscar Wilde. Sorocaba: Collezione filosofica, 2016. Disponibile in: www.acervofilosofico.com/a-relevancia-da-mentira-Como-componente-artistico-no-pensamento-de-Oscar-WildeUltimo raggiunto il novembre, 2017.
13. VERLAINE, Paolo. Cento poesie di Paul Verlaine. Chicago: La University of Chicago Press, 1999. Tradotto da r. Norman Shapiro.
14. VIG, Rosangela Araujo Pires. ARTE COME COMUNICAZIONE ALLA COMUNICAZIONE COME ARTE. Comunicazione, Cultura e Media, Uniso, Sorocaba: 2010. Disponibile in: comunicacaoecultura.uniso.br/prod_discente/2010/pdf/Rosangela_Vig.pdf Ultimo raggiunto il novembre, 2017.
15. WATTS, Franklin. Vincent van Gogh. Sao Paulo: Routledge, 2002.
16. SELVAGGIO, Oscar. Il decadimento della menzogna e altri saggi. Rio de Janeiro, Imago Editora Ltda., 1994.

Come figuras:

Fico. 1 -Torre Eiffel, Francesco Benavides, 2016.

Fico. 2 -Torre Eiffel, Francesco Benavides, 2016.

Fico. 3 -Torre Eiffel, Conceição Matos, olio su tela, 50 x 40 cm, 2011.

Fico. 4 -Fatata te Miti (Vicino al mare), Paul Gauguin, 1892. Galleria Nazionale d'Arte, Washington. Collezione Chester Dale.

Fico. 5 -Te Pape Nave Nave (Deliziosa acqua), Paul Gauguin, 1898. Galleria Nazionale d'Arte, Washington. Collezione Mr. e la signora. Paul Mellon.

Fico. 6 -Il Museo del Prado, Alfred Sisley, 1875. Galleria Nazionale d'Arte, Washington. Ailsa Mellon Bruce collezione.

Fico. 7 -La battaglia di amore, Paul Cézanne, 1880. Galleria Nazionale d'Arte, Washington. Presentato da W. Averell Harriman Foundation in memoria di Marie N. Harriman.

Fico. 8 -Case in Provenza, Riaux Valley near l'Estaque, Paul Cézanne, 1880. Galleria Nazionale d'Arte, Washington. Mr collezione. e la signora. Paul Mellon.

Fico. 9 -Faro a Honfleur, Georges Seurat, 1886. Galleria Nazionale d'Arte, Washington. Mr collezione. e la signora. Paul Mellon.

Fico. 10 -Un angolo presso il Moulin de La Galette, Henri de Toulouse-Lautrec, 1892. Galleria Nazionale d'Arte, Washington. Collezione Chester Dale.

Fico. 11 -Ballo al Moulin Rouge, Henri de Toulouse-Lautrec, 1892. Galleria Nazionale d'Arte, Washington. Collezione Chester Dale.

Fico. 12 -I mangiatori di patate, Vincent Van Gogh, 1885. Galleria Nazionale d'Arte, Washington. Rosenwald Collection.

Fico. 13 -Agriturismo in Provenza, Vincent Van Gogh, 1888. Galleria Nazionale d'Arte, Washington. Collezione Ailsa Mellon Bruce.

Fico. 14 -Nature morte di arance e limoni con i guanti blu, Vincent Van Gogh, 1889. Galleria Nazionale d'Arte, Washington. Mr collezione. e la signora. Paul Mellon.

Fico. 15 -Autoritratto, Vincent Van Gogh, 1889. Galleria Nazionale d'Arte, Washington. Mr collezione. e la signora. John Hay Whitney.

Fico. 16 -Campi di grano verde, Vincent Van Gogh, 1890. Galleria Nazionale d'Arte, Washington. Mr collezione. e la signora. Paul Mellon.

Fico. 17 -La foresta pluviale, Henri Rousseau, 1909. Galleria Nazionale d'Arte, Washington. Collezione Chester Dale.

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