Manierismo di Rosangela Vig

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Se fossi un pittore, Mi piacerebbe dipingere questo aereo, Questa ultima rientranza del paesaggio. Ma non c'era mai qualsiasi pittore che potrebbe risolvere questo oceano mobile, inquieto, incerta, costantemente variabile che è il pensiero umano? (MEIRELES, 1988, p. 32)

L'estetica del Rinascimento ha lasciato l'impressione che l'arte aveva raggiunto un picco, sulla questione della perfezione e l'armonia. Intanto, artisti del Rinascimento, come Michelangelo (1475-1564) e Rafael (1483-1520) dimostrato che ancora ci poteva essere sviluppi e ha rotto le regole classiche, che conduce alla pittura, il movimento e teatralità, come un rifiuto dell'equilibrio del Rinascimento.

La parola manierismo, derivata da maniera, significava "in stile", modo per ogni artista si esprimono; termine usato da Giorgio Vasari (1511-1574) al nome la raffinata grazia e leggerezza di questa arte che fiorì nel XVI secolo, a Roma e a Firenze al fianco del Rinascimento e che durò fino al XVII secolo. Il termine è venuto a essere considerato peggiorativo nel XVIII secolo, come un'arte decadente e commovente. Come risultato di un declino della rinascita classica, il manierismo, per alcuni storici, Era una transizione tra il Rinascimento e il barocco, per gli altri, Era uno stile per il.

Storia

Manierismo è emerso come una reazione alle incertezze del XVI secolo, periodo caratterizzato da cambiamenti di riforme religiose ¹ e di assolutismo ² nel bel mezzo di consolidamento, na Europa. La riforma protestante, avviato in Germania, estesa a altri paesi, nel XVI secolo, e ha avuto come suo principale leader, il tedesco Martin Luther. Anche se il movimento è stato religioso, hanno causato i cambiamenti in altri settori della cultura europea, promuovere la formazione degli Stati nazionali, libero del potere papale. La Chiesa cattolica, d'altronde, Dal XV secolo, volte a rafforzare la spirituale, ha reagito per il movimento di riforma, la Controriforma, nel tentativo di recuperare le forze. A Arte, di conseguenza, inserito nuovamente come un modo per espandere la potenza cattolica.

Anche se il manierismo è più relativi a manifestazioni in Italia, ha finito per influenzare altre nazioni europee e lasciato tracce ancora in America e l'estremo Oriente.

L'Architettura

Anche se la classica struttura entrò in crisi, i fondamenti ancora servito come riferimento e sono stati adeguati alle esigenze della società. Pensiero professionale, in architettura, ha iniziato a essere sfruttata in modo nuovo e sono stati risolti i problemi legati alla costruzione dell'architettura stessa. La preferenza per più di ampi spazi, con piante rettangolare; la versatilità e la diversificazione erano visibili nella costruzione di chiese e di ampi spazi e longitudinale; e nelle forme di distribuzione della luce, che non è non è più centrato.

Nelle chiese, lo stile in primo piano le scale a chiocciola che è andato da nessuna parte e non la decorazione fantasiosa con ghirlande, fiori e righe di piccole colonne, chiamate di asta della ringhiera, i corrimani di somiglianza. Già nei palazzi, la bellezza era il contrasto di luci e ombre; l'interno riccamente decorato; e presentazione di affreschi e volte.

Il Castello di Fontainebleau ³ (Fico. 1), preso in Francia il manierismo italiano e divenne noto come scuola di Fontainebleau. In 1530, Francis mi, affascinato dall'arte italiana, assunto i migliori pittori e scultori da Italia per una riforma nel castello medievale. Artisti francesi, che hanno lavorato insieme con gli italiani, che assimilare la tendenza. Decorazione mista, con vernice, alla fine sta diffondendo in tutta la Francia e divenne noto come lo stile di Fontainebleau. Ci, nell'esuberanza decorativa, i dipinti si alternano con stucchi e rilievi, in varie forme, ornamenti e opere in legno, Oltre alle sculture che si riferiscono ai modelli di Michelangelo.

A Sculpture

Ecco questo splendore della fiorentine grazie;
È sul curling corpo muscoloso,
Eleganza e forza di Vibram, Queste sorelle divine.
(BAUDELAIRE, 2006, p. 33)

Le squisite caratteristiche dell'architettura eco nella scultura. C'era una preferenza per la valorizzazione della commozione e delle interpretazioni individuali, Che cosa ha rotto l'armonia rinascimentale e causato preoccupazioni. Ci sono ricordi di stile gotico in figure allungate e gli angoli, con la differenza di essere dinamica e visualizzati da esagerati movimenti. Tra gli attributi, sono forme capricciose in proporzioni strane, temi mitologici e la cura nei dettagli, suggerendo un distacco dalla realtà. Il risultato di tale combinazione era un'arte elegante e originale.

Opera di Michelangelo ha segnato il passaggio da Rinascimento per manierismo e il suo stile ha influenzato l'italiano Bartolomeo Ammannati (1511-1592). Giambologna (1529-1608), Pittore fiammingo che probabilmente fu un collaboratore delle opere di Michelangelo, anche finito per assimilare lo stile. Tra le sue opere, sono le numerose fonti dei giardini dei Medici, ma il suo lavoro più famoso, il ratto delle Sabine (Fico. 2), mette in evidenza il marchio inconfondibile del manierismo. Il lavoro, scolpita da un unico blocco di marmo, ci sono 4,10 metri, presenta una dimostrazione di energia vivida immagine dettagliata, Quando un uomo genera una donna nell'aria, mentre un altro sembra essere cercando di alzarsi, in una sorta di appassionata controversia. Lo scultore sapeva esplorare gesti e movimenti di modo brillante e creato una scena che può essere fruída e compreso in vari angoli.

The Painting

Intelligenza è sublime; ingegno è bello; audacia è grande e sublime; l'astuzia è piccolo, ma bella. (…) La verità e la giustizia sono semplice e nobile; il gioco di parole e l'adulazione accomodante sono magra e bella. La gentilezza è la bellezza della virtù. Sollecitudine disinteressata è nobile. La cortesia e la gentilezza sono bellissimi. Le qualità sublime infondono rispetto; la bella, amare. (SIDE, 1942, p.11)

La citazione di cui sopra illustra un deposito sulla bellezza, na Arts. Per Kant (1724-1804), al Arte Sublime cause, risveglia lo spirito; sorpresa; provocare meraviglia. E forse è nella sfera del Sublime arte allo stile manierista è giustificata, a seguito di piani e irrealistici e inquietanti scenari di opere. Ed era nella pittura che emergono le prime manifestazioni di questo temperamento, mani di Michelangelo e Raffaello, nelle sue opere finale. La realtà non è più soddisfatta degli artisti ha cercato di valorizzare l'arte libera, indagando su nuove possibilità.

Tale caratteristica è indiscutibile, nell'affresco dipinto da Michelangelo, sulla parete d'altare della Cappella Sistina, Il giudizio universale (Fico. 3). Con misure di 13,5 da 12,2 metri, la versione dell'artista per il passo biblico della seconda venuta di Cristo, è stato di oltre trent'anni dopo il tetto della cappella stessa, con che contrasta. Mentre sul soffitto, lo spirito è la grandiosità e l'equilibrio, Doomsday presenta la scena inquietante della sentenza, in uno spazio irreale, con angeli che giocano trombe e con persone in varie pose spasmi muscolari e si contorce. La malinconia, l'angoscia, il dolore e la paura di attestare che le loro anime possono ascendere al cielo o all'inferno. Il lavoro è stato ritenuto osceno dal Concilio di Trento e sono stati tessuti dipinti su parti private del nudo.

Il Pontormo Fiorentina (1494-1556/7) (Fico. 4), che ha studiato con alcuni maestri del Rinascimento, tra Ls, Leonardo Da Vinci, desvencilhou-se l'arte classica e creato uno stile personale. Le sue opere, per lo più con temi religiosi, dimostrare la loro singolare personalità. L'audacia e l'erotismo sono esposti nell'opera di altri Fiorentina, Agnolo Bronzino (1503-1572) (Fico. 5), Apprendista del Pontormo. Il lavoro, Allegoria con Venere e Cupido, Era un ordine del Duke Cosimo de ' Medici, come un dono a re Francis ho, la Corte di Fontainebleau, Francia, Centro manierista. Tra gli elementi mitologici, sono Venus, la dea dell'amore, disarmare il suo figlio, Cupido; il tempo, rappresentata da un vecchio con una clessidra; la gelosia che può riferirsi a sifilide, la malattia si stava diffondendo al tempo, sia in Italia come in Francia. La scena è venuto a essere considerato immorale, Esso è stato modificato e quindi ripristinato. Vale la pena ricordare ancora Giogio Vasari (1511-1574) (Fico. 6), che oltre al pittore e architetto, ha avuto grande risalto a Firenze. In 1550 Vasari ha pubblicato il libro vite dei più eminenti architetti, Pittori e scultori italiani e in 1563, insieme a Bronzino, creato il Accademia del Disegno, nella città di Firenze. Tra gli italiani, sono altri artisti che hanno aderito lo stile, tra i quali Alessandro Allori (1535-1607), figlio adottivo di Bronzino, Rosso Fiorentino (1494-1540), Parmigianino (1503-1540), Pellegrino Tibaldi (1527-1596), Federico Barocci (da Volta di 1533-1612) e Tintoretto (1518-1594) (Fico. 7), conosciuto per il suo radicalismo, nella pittura.

Fuori dall'Italia, l'arte manierista è stato portato in Francia, inizialmente per Fontainebleau e la diffusione attraverso la regione, entrare a far parte del Arte fiamminga, le mani di artisti come Frans Floris (1517-1570), Jan Van Scorel (1495-1562) e Maerten Van Heemskerck (1498-1574) e l'italiano Niccolò dell'Abate (1509/12-1571) Ha lavorato presso Fontainebleau. Ma l'esotismo manierista era noto nelle opere di El Greco (1541-1614). La nascita a Creta gli valse il soprannome di greco, luogo in cui ha studiato Arte Bizantina; a Venezia, probabilmente ha lavorato in Studio di Tiziano, dove ha incontrato artisti del manierismo, Compreso, Tintoretto, che ha ispirato. La sepoltura del conte di Orgaz ^4,5 è tra le più significative opere di El Greco, ma nel Laocoonte (Fico. 8), una delle poche opere mitologiche dell'artista, è diventato chiaro i segni del manierismo, le figure allungate e tortuose inconfondibile. La scena racconta la storia mitica in cui i dèi puniscono Laocoonte e i suoi figli, in una lotta mortale contro minaccioso serpenti. Le figure che guardano la scena possono rappresentare i dèi stessi assistendo la punizione. Accentuare l'idea di orrore e paura, la scena spettrale e umbrático, Si può vedere la sorgente di luce; Oltre a persone con tali organismi e stark, con i muscoli contratti, in un drammatico tentativo di combattere. La città di Toledo, nella parte inferiore dell'immagine, tra la tensione di tutta la scena, Può significare un riferimento all'Inquisizione.

Considerazioni Finali

Manierismo è la testimonianza che l'estetica è sempre in corso di trasformazione, avanzare in parallelo con il pensiero umano, con le loro concezioni del mondo che lo circonda, in una continua evoluzione. L'allontanamento dal naturalismo ha finito per dirigere il Art, per gli stili che è venuto dopo, il barocco e il rococò. Ma più di tutto, Che cosa era evidente è che l'autonomia ha permesso gli artisti offrono emozioni e agiscono con indipendenza. Schiller (2002, pagine 21 e 22) aveva ragione quando ha detto che "arte è la figlia della libertà e vuole essere legiferato dalle leggi dello spirito, non tramite la privazione della materia." L'ingegnosità avuto il coraggio di cambiare ciò che era già Belo e perfetto; l'estetica del Rinascimento, È stato incorporato nel movimento, gli Stati d'animo e desideri sperimentati nel periodo. La libertà ha aperto il campo per gli artisti di esprimere l'essenza dell'anima e di conseguenza, Siamo andati a storia dell'arte, un grande modello, troppo lontano dalla realtà e intellettuale.

L'arte è in natura-che sono in grado di estrarre, il proprio.
(ALBRECHT DÜRER in WELTON, 2014, p. 121)

¹ Riforma e della Controriforma:
www.historianet.com.br/conteudo/default.aspx?codice = 918

² Assolutismo è una dottrina di governo o un metodo in cui il potere è centrato su un capo che prende tutte le decisioni. Il suo potere è illimitato e senza restrizioni.

³ Castello di Fontainebleau:
www.musee-chateau-fontainebleau.fr/The-Renaissance?lang = en

⁴ La sepoltura del conte di Orgaz (1586/8), da Oscar d'Ambrosio, sul sito Artcanal:
artcanal.com.br

⁵ Link al video circa la sepoltura del conte di Orgaz (1586/8), di El Greco, la Chiesa di São Tomé, Toledo (Spagna):
www.santotome.org

La Galleria Nazionale d'arte, Washington

Situato tra i dieci migliori musei d'arte del mondo, la National Gallery è a Washington, negli Stati Uniti ed è stata fondata nel 1937. Andrew W. Mellon, un collezionista d'arte da Pittsburgh, fatto la donazione di un fondo per la costruzione del Museo e la collezione d'arte. Altri collezionisti dopo, hanno fatto donazioni di oggetti, che comprendeva dipinti italiani, sculture e porcellane. L'intenzione era di formare una galleria d'arte nazionale.

Andrew Mellon ha scelto quindi, l'architetto John Russell Pope (1874-1937) per il progetto della costruzione del nuovo Museo. Come Mellon credeva che i visitatori non dovrebbero solo imparare, ma godetevi l'arte, attraverso la raccolta, le opere sono esposte per periodo e per origine, Nelle gallerie decorate correttamente. Nelle gallerie del Rinascimento, Ci sono giacche italiani, Stazione di finitura in pareti in gesso, pieno di dettagli, con modanature su porte e nicchie per le sculture. Per mezzo di un'applicazione per dispositivi mobili, È possibile pagare una visita alle opere, con il commento audio su artisti e periodi, e informazioni importanti su speciali mostre al Museo.

Link alla Galleria Nazionale, Washington: www.nga.gov/content/ngaweb/Collection.html

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