Arte moderna - Espressionismo astratto di Rosangela Vig

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Avrai già ascoltato queste espressioni o addirittura le avrai applicate: 'Oh, che vernice ghiacciata!', hai l'impressione che l'aria glaciale arrivi da una finestra aperta in inverno. E tutto il nostro corpo rabbrividisce. Ma una corretta applicazione di "toni" "caldi" e "suoni" offre al pittore e al compositore la meravigliosa possibilità di creare opere calde. (KANDINSKY, 1970, p. 73)

L'arte è un viaggio delirante attraverso il mondo di piacevoli sensazioni causate dall'apprezzamento di colori e forme. È come se l'occhio giocasse in una deliziosa ricerca inseguendo le linee, trovare punti, nascondersi sotto superfici dense e sottili. In questo viaggio, l'osservatore prende le distanze dal mondo reale, penetra nelle dimensioni eteree e conduce il suo spirito curioso attraverso di esse, il tuo sguardo avido e la tua mente creativa. Così deve essere la contemplazione dell'Arte, così dovrebbe essere il divertimento.

E forse questo atto di godimento è molto intenso Arte Abstrata, perché la mente è libera dall'oggetto reale e viaggia spontaneamente attraverso queste dimensioni. La vera arte consente all'anima di rendere disponibili questi pellegrinaggi per altre volte, per altri possibili spazi. Spetta all'osservatore risvegliare questa essenza interiore e consentire alla mente di viaggiare attraverso i toni caldi o freddi di un dipinto; dalla faccia liscia, scultura spessa o ruvida; o lascia che l'anima si ubriachi sulle note di una canzone, come ci dici Kandinsky, nella tua citazione. E va ricordato che lo scrittore era anche il più grande rappresentante dell'arte astratta e il suo lavoro aveva un forte legame con la musica.

L'astrattismo di Kandinsky, All'inizio del XX secolo attraversarono i confini e arrivarono a New York, noi negli Stati Uniti per un decennio 30, quando i primi artisti si unirono allo stile laggiù. Durante questo periodo, il paese ha sofferto della Grande Depressione e delle due guerre mondiali, che ha portato molti ad aderire al realismo sociale in pittura, con temi incentrati sulla sofferenza. Molti di loro sono sopravvissuti grazie a un programma di aiuti governativi rivolto all'Art. Negli anni 1940, questi artisti hanno iniziato il loro viaggio attraverso uno stile che si è allontanato dalle questioni politiche, di fronte alla libertà estetica. A ciò si aggiunge il fatto che molti famosi artisti e intellettuali europei si sono trasferiti negli Stati Uniti, in fuga dalla seconda guerra mondiale (1939-1945), Compreso Salvador Dali (1904-1989), Piet Mondrian (1872-1944) e Fernand Léger (1881-1955). E New York è stata anche il palcoscenico espositivo di molti rappresentanti del modernismo europeo, che ha fornito l'ispirazione per gli artisti americani che desiderano innovare la loro lingua.

Emergendo dopo la seconda guerra mondiale come una grande potenza, gli Stati Uniti ora avevano una grande forza lavoro, a causa dell'immigrazione; grande ricchezza di risorse naturali; ed economia stabile. Parigi fu sostituita da New York come centro di arte moderna.

In questo fruttuoso contesto, lo spazio è stato aperto per un nuovo stile che è emerso in 1946, con temi carichi di emozione, con la valorizzazione dell'individualità, di libera espressione e improvvisazione. La scuola di New York, come si chiamava lo stile, dagli stessi espressionisti astratti, fu il primo movimento nella pittura americana riconosciuto a livello internazionale.

Non mi interessa il rapporto colore o forma, Mi interessa solo esprimere le emozioni umane di base. (ROTHKO in MACK, 2014, p. 354)

Architettura organica

L'architettura degli anni 1940 aveva gli Stati Uniti come palcoscenico ed era ben rappresentato dall'organicismo di Frank Lloyd Wright ¹ (1867-1959), razionalismo opposto. L'idea principale era quella di integrare la costruzione nel luogo in cui si trovava, come se la natura riparasse e abbracciasse il lavoro, facendolo inserirsi in mezzo a lui. La forma finale della costruzione era astratta, espressivo e pieno di movimenti. Sebbene questo stile sia emerso negli Stati Uniti, ha finito per influenzare l'architettura europea.

E il museo Guggenheim ^{2 e 3} a New York c'era uno degli edifici di Wright in cui veniva scolpito lo stile organico. Incorporato 1959, l'edificio emerge con movimento nel mezzo della vivace città (Fico. 1), come un nastro che si svolge da una bobina enorme. E, se la facciata sembra essere elastica e muoversi, Il suo interno è diverso. Dentro, l'impressione finale è che sei in una grande spirale, dove puoi scivolare liberamente, deliziando con l'arte che può essere vista in giro. Forse questa era l'intenzione dell'architetto durante la progettazione del museo.

Tra i tanti progetti Wright c'è ancora Casa da Cascata ⁴ anche negli Stati Uniti, nello stato della Pennsylvania, dove l'idea di costruire per adattarsi alla natura e al suo ambiente è rafforzata. La casa emerge da una cascata, dove sembra essere inserita da sola. L'acqua si riversa da esso, come se appartenesse al lavoro.

Scultura

Alma contempla la mattina del rutilo
Apri questa miscela di colori nella parte superiore
Immateriale segreto, ma domato
Senso originale di vapore e umidità di fondo
Giunti spostati dalle fiamme
Attrito appiattito dei sospiri
Linee spezzate che lacerano l'abisso
Tessuto a spirale che divide le ares.
(KANDINSKY, 1991, p. 67)

Con opere metaforiche e piene di movimento e innovazioni nel campo dell'estetica, i grandi scultori si sono distinti nello stile espressionista americano astratto, tra cui Isamu Noguchi (1904-1988); e le donne illustri che facevano parte del gruppo di artisti dello stile, tra cui Louise Nevelson (1899-1988), Mary Callery (1903-1977) e Dorothy Dehner (1901-1994).

Come immense cattedrali, oscuro, impreciso e astratto, le pareti scultoree (Pareti scultoree) de Louise Nevelson ⁵ (Fico. 2) assomigliano a edifici gotici; alzati verso il cielo, snello, circospetto, monocromatico, in toni austeri, come se pregasse silenziosamente in alto. Le sue immense installazioni e parti sono costituite da scatole di legno, riempito con oggetti dello stesso materiale all'interno, tutto rimosso e raccolto dall'artista, da oggetti urbani. Influenzato da Marcel Duchamp, La scultura di Louise Nevelson ha anticipato l'idea di riutilizzare materiali scartati nell'ambiente.

Mary Callery a sua volta ha impresso libertà e movimento nelle sue opere. È rimasto nella tua scultura, la forte impressione del moderno e, in molti dei suoi pezzi, ha stampato la leggerezza e il gesto aggraziato come se i personaggi snelli e sottili si muovessero delicatamente in un balletto lento. Osservando attentamente chi apprezza Art, puoi vedere la musica classica riecheggiare in sottofondo, come un'orchestra silenziosa, in cui violini, pianoforti e direttore si alternano a dettare i passi della danza.

Disegno

Dipingo in questo modo perché posso continuare ad aggiungere sempre più elementi - drammatici, dolore, rabbia, amare, una figura, un cavallo, i miei concetti di spazio. (IL KOON in MACK, 2014, p. 351)

Provenendo dall'Armenia in 1920, Arshile Gorky (1904-1948) era tra artisti e intellettuali europei che emigrarono dall'Europa verso gli Stati Uniti, la guerra in fuga. Lo stile espressionista astratto di Gorky (Fico. 3) fungeva da ponte tra l'avanguardia europea e i pittori americani, ancora influenzato dalla cultura del tempo, per la letteratura, attraverso il cinema di Hollywood e un periodo di fine delle guerre. A ciò si aggiunge la non conformità con il tradizionale in Estetica; un giudizio negativo su capitalismo e tecnologia.

Il risultato fu la libertà di espressione, improvvisazione e opere piene di emozioni e temi morali, con l'apprezzamento dell'individuo. Lo stile ha portato una prima generazione di artisti americani a ottenere il riconoscimento internazionale. Tra questi artisti, stavano emergendo grandi donne ⁶ della quale, contrariamente al suo tempo, è andato oltre e ha conquistato il suo spazio professionale, evidenziandosi nel campo della pittura e della scultura. Tra questi spiccavano i pittori Anne Ryan (1889-1954), Perle Fine (1905-1988), Lee Krasner (1908-1984), Agnes Martin (1912-2004), Mary Abbott (1921-2019), Joan Mitchell (1925-1992) e Helen Frankenthaler (1928-2011). Anche i nomi di Mark Rothko erano di grande importanza (1903-1970), Adolph Gottlieb (1903-1974), Arshile Gorky (1904-1948), Clyfford Still (1904-1980), Willem de Kooning (1904-1997), Barnet Newman (1905-1970), Jackson Pollock (1912-1956) e Ad Reinhardt (1913-1967).

Nello stile pittorico di Jackson Pollock ⁷, Action Paint è stato assegnato o "Pittura di azione" in inglese, dal critico d'arte dell'epoca, Harold Rosenberg (1906-1978). La sua tecnica differenziata (Fico. 4) consisteva nel posizionare l'enorme schermo sul pavimento e, di lei, sparare o gocciolare la vernice a caso, obbedendo ai movimenti del corpo, delle braccia. È come se l'artista acquisisse le ali e volasse o volasse con un enorme pennello immerso nell'inchiostro sulla scena immaginaria, in uno scherzo delizioso, dove sono importanti solo i colori intrecciati. Il risultato è una bella trama in cui il bianco, nero, grigio, rosso, il giallo e tanti altri colori si alternano, formando un giardino colorato, in cui è possibile percepire le ombre, fondi, toni sovrapposti e nascosti, come se ci fosse una trama nell'oggetto artistico, simile a un tessuto in movimento.

Con uno stile più raffinato, Lee Krasner (Fico. 5) ha ricevuto grande risalto nell'espressionismo astratto. Sposato con Jackson Pollock, i due hanno mantenuto i loro studi ⁸ nella fattoria di The Springs ⁹ dove vivevano, a East Hampton, NY. Mentre Krasner lavorava in una stanza della casa, Pollock teneva il suo studio nel fienile. Anche seguendo la linea dell'espressionismo astratto, le opere di entrambe hanno acquisito caratteristiche diverse. Ha anche lavorato con il collage, molte delle sue opere sono vivide e intense, con campi di colori ben riempiti e una notevole influenza di Matisse (1869-1954).

Anche sotto l'influenza di Matisse, Mark Rothko ¹⁰ (Fico. 6) curato i campi di colore, spesso con tonalità forti, a contrasto, tra forme geometriche, che sembrava tentare di prendersi spazio a vicenda. Realizzato porte e finestre che si chiudono e si aprono, i suoi colori sono sfocati suggerendo la nebbia sull'opera, come se la nitidezza del tono fosse sbiancata da una nebbia leggera. Il risultato è una scena piena di emozione e spiritualità, che emerge all'occhio di chi guarda, nel suo tentativo di svelare il colore che è velato da questo velo.

In un modo più istintivo e irrazionale, al lavoro di De Kooning ¹¹ è più vicino a una realtà deformata, turbolento, accentuato dai gesti violenti dell'artista sulla tela, con colpi improvvisi e casuali. Il tuo stile, all'interno dell'espressionismo astratto è esplosivo e inaspettato, lasciando gli spettacoli, forse la degenerazione della società.

Lo stile irriverente di De Kooning ha avuto una grande influenza sul lavoro dell'artista Jorge Guinle (1947-1987), no Brasil, nei tuoi anni di produzione 80. Nato a New York, l'artista è venuto in Brasile con la sua famiglia nello stesso anno della sua nascita. Tornò a New York, viveva anche a Parigi, dove ha avuto contatti con l'arte, era autodidatta. Vi è una chiara influenza di Matisse, nel colore vivido del suo lavoro e Pittura di azione due Americhe. C'è vigore ed energia nelle tue pennellate casuali, c'è una decostruzione della forma realistica, ci sono ombre, forme ondulate intervallate, sovrapposizione, quello sembra organico, vivere.

Sebbene ci siano contraddizioni, alcuni critici ritengono che le opere degli artisti brasiliani Tomie Ohtake (1913-2015), Manabu Mabe (1924-1997) e Flávio Shiró (1928-) hanno uno stile molto vicino all'espressionismo astratto.

La pittura ha una vita propria. Provo a farlo vedere. (POLLOCK, in MACK, 2014, p. 356)

Considerazioni Finali

Quando qualcosa finisce, significa che sei morto, non? Io credo nell'eternità. Non finisco mai un dipinto - smetto di lavorarci su per un po '. (GORKY, in MACK, 2014, p. 352)

L'artista, il lavoro è sempre in trama, si sviluppa nella tua mente creativa; esce nel mondo reale, si materializza sotto forma di Art e incorporare in uno schermo, su una pietra grezza, solo per essere apprezzato, per la tua bellezza, per il tuo stupore, per il suo significato. Il creatore organizza gli oggetti, i colori, le forme e le organizza con cura, in un inutile tentativo di realizzare la sua idea iniziale. Questo non sarà mai lo stesso del pensiero che hai idealizzato. per Platone,

(…) Se tutte le cose non sono uguali per tutti, Allo stesso tempo e sempre, e ciascuno di essi non è adatto in ogni particolare, quindi risulta con la prova che hanno da soli, certa realtà permanente, che si riferisce a noi o non dipende da noi; non lasciare, pertanto, trascinate qua e là dalla nostra fantasia, ma vi, naturalmente, per sé e per la loro stessa essenza. (PLATO, 1994, p. 16)

L'opera non sarà mai finita per la mente errante dell'artista, quando è disposto a viaggiare attraverso l'immensità della sua creatività, dalle sue strade remote, per i loro mondi utopici. L'artista intraprende questo viaggio alla ricerca della perfezione irraggiungibile in grado di comprendere la totalità del suo pensiero e il mondo delle sue idee. Egli, il percorso non sarà mai più lo stesso, ogni volta che passeggia su questi mondi imbarazzati. Trova nuovi modi, alternative che potrebbero essere in una costante ricerca di itinerari che abbracciano pienamente la tua visione iniziale. Per l'osservatore, la perfezione sarà sempre presente, su ogni riga, in ogni mossa, in ogni modo, in ogni colore e nella disposizione degli elementi della scena che è stata allestita. È come se tutto dovesse essere lì, dal destino, non per mano umana.

L'arte ricrea le singole cose nella forma delle loro essenze universali, e così facendo li rende inimitabile stessi. durante quel, converte il contingenza necessità, libertà dipendenza. Ciò che resiste questo processo alchemico è purgata come rifiutare particolaristica (Eagleton, 2005, p. 85).

¹ Frank Lloyd Wright - L'uomo che ha costruito l'America
www.youtu.be/1O7ax1KhJNM

² Museo Guggenheim
www.youtu.be/QvgVKWvb2tI

³ Museo Guggenheim
www.visitenovayork.com.br/guggenheim-museum-em-nova-york

⁴ Casa da Cascata - Kaufmann House - The Fallingwater House
www.youtu.be/JW040r0LiTc

⁵ Louise Nevelson
www.macdowell.org/artists/louise-nevelson

⁶ Donne di espressionismo astratto
www.youtu.be/p7tlfBOjay0

⁷ Jackson Pollock
www.youtu.be/XFFe35P1c8s
www.youtu.be/1U19VOF4qfs

⁸ Video in studio Pollock-Krasner
www.stonybrook.edu/commcms/pkhouse/exhibitions.php

⁹ The Springs Farm, a East Hampton, New York - Pollock-Krasner Studio
www.stonybrook.edu/commcms/pkhouse/housestudio.php

¹⁰ Opere di Mark Rothko
www.youtu.be/CtCCCK9QWY8

¹¹ 169 obras il Willem de Kooning
www.youtu.be/JlmwV6rNQZQ

Riferimenti:

1. BAYER, Raymond. Storia di Estetica. Lisbona: Stamp Editoriale, 1993. Traduzione di José Saramago.
2. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; TROMBETTIERE, Caroline; MACK, Lorrie. Historia Ilustrada da Arte. Sao Paulo: Publifolha, 2014.
3. Eagleton, Terry. L'idea di cultura. Sao Paulo: Editora UNESP, 2005.
4. FARTHING, Stephen. All About Art. Rio de Janeiro: Sestante, 2011.
5. Glancey, Jonathan. La storia dell'architettura. Sao Paulo: Loyola, 2001.
6. Gombrich, E.H. The Story of Art. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
7. HAUSER, Arnold. Storia sociale di Arte e Letteratura. Sao Paulo: Martins Fontes, 2003.
8. KANDINSKY, Wassily. Il futuro della pittura. Lisbona, Portogallo: Edizioni 70, 1970.
9. KANDINSKY, Wassily. Glimpse of the Past. Sao Paulo: Ed. Martins Fontes, 1991.
10. SIDE, Immanuel. Il bello e il sublime. Pôrto:Bookstore Education Ltd.. 1942.
11. PLATO, Cratilo. 2al. edizione. Lisbona: Bookstore Sá da Costa, 1994, Traduzione di Pe. Palm giorni.
12. PROENÇA, Gratis. Alla scoperta della storia dell'arte. Sao Paulo: Routledge, 2005.
13. SELVAGGIO, Oscar. La decadenza della menzogna. Rio de Janeiro: Imago Editora Ltda, 1994.

Come figuras:

Fico. 1 - Museo Guggenheim, Nova York, Stati Uniti, Le foto di Eric – www.VisiteNovaYork.com.br.

Fico. 2 -Senza titolo, c.1976, Louise Nevelson, legno da costruzione verniciato, 94 x 36 x 16 3/4 pollici, 238,8 x 91,4 x 42,5 cm. Per gentile concessione di Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nova York, NY, USA.

Fico. 3 -Senza titolo, c. 1940, Arshile Gorky, olio su piastra composita, 24 x 11 1/4 pollici, 61 x 28,6 cm, firmato. Per gentile concessione di Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nova York, NY, USA.

Fico. 4 -Senza titolo, c. 1952-1956, Jackson Pollock, inchiostro su carta, 17 1/2 x 22 1/4 pollici, 44,5 x 56,5 cm. Per gentile concessione di Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nova York, NY, USA.

Fico. 5 - Geroglifici Nº2, 1969, Lee Krasner, Guazzo su carta Howell, 17 x 13 1/2 pollici, 43,2 x 34,3 cm, firmato. Per gentile concessione di Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nova York, NY, USA.

Fico. 6 - Composizione, 1941-42, Mark Rothko, olio su tela, 28 1/2 x 24 1/2 pollici, 72,4 x 62,2 cm, firmato. Per gentile concessione di Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nova York, NY, USA.

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