Arte Moderna - Astrazione da Rosangela Vig

È anche possibile ascoltare questo articolo nella sua voce artista Rosangela Vig:

Alumbramento
Ho visto i cieli! Ho visto i cieli!
Ah questo candore angelico
Nessun pejos triste e senza veli!

Non una nube di amarezza
Arriva l'anima unsettle.
E mi sento bella… e sentire la pura…

UE non Vi! UE non Vi!
Oh, cristallizzazione della nebbia
A amortalhar, lampeggiante!
(BANDIERA, 2008, p.51)

Forse quando l'artista si chiude l'aspetto dell'arte penetra nelle profondità della sua anima. Questo è quando la mente vaga. poi innesca uno scontro tra il mondo reale, quella di scoraggiamenti, malinconia e ruvido; e il mondo della comprazimento e rapimento che solo il sogno è conosciuto. Forse allora che nasce pura arte, articolazioni libere di vita reale e il tempo e le tempeste che insistono laici sulle nostre anime. Solo pura arte conduce lo spirito in una frenesia, una scogliera di emozioni o di un aumento di impressioni che sono state spesso nascosto nell'anima. L'artista è colui che scopre la strada per queste fermate segrete. Lo spirito libero galleggia da questi recessi e delizia di emozioni e di gioia. Forse questo è il ruolo più importante del Art.

Questa purezza di idee può essere in forma o colore; sotto rappresentazioni realistiche, surrealista o astratta e presenta la realtà sotto lo sguardo dell'artista. L'arte astratta passa attraverso questi percorsi, al di là del reale, alla realtà della occhio dell'anima e dei significati intrinseci. Questa forma di espressione desrealiza del mondo conosciuto; galleggia liberamente nei campi della forma e del colore, come giocare le note di una canzone; come se a stare in uno schermo all'alba le forme ei colori allo stato puro. Ali sfumature emergono, si mix, svanire come i petali di fiori che sbocciano, uno scherzo infinito e interessante.

Nel contesto di Arte Moderna, all'inizio del XX secolo, arte astratta ha preso forma e ha continuato fino ai giorni nostri, come uno stile rivoluzionario e trasformatori. Prima Guerra Mondiale, l'alba Astrattismo su in diversi paesi, come un modo per esplorare tutte le potenzialità del colore e della forma, dalla realtà.

Importanti episodi storici ha segnato la prima metà del XX secolo. L'Europa ha visto la nascita dell'Unione Sovietica comunista; il mondo ha sofferto la Prima e la Seconda Guerra Mondiale; il crollo della Borsa di New York, il 1929, Essa ha portato alla Grande Depressione. Tra le novità del periodo, La società europea è venuto a fare affidamento su larga scala con le donne nel mercato del lavoro, per sostituire gli uomini che sono stati chiamati alla guerra. Il sistema familiare per tanti anni era difficile e modificato, anche dopo la guerra, le donne hanno continuato a lavorare. La Art Si è adattato a questo nuovo stile di vita e stare nel portare avanti la modernità.

Architettura

Il nostro tempo richiede la propria
forma… la propria manifestazione.
(Gerrit Rietveld in Glancey, 2012, p. 177)

Lo Strode Moderna e innovazioni portate in architettura, per il decennio 30. In seguito alla società del tempo i cambiamenti più significativi sono dovuti alla ricerca della semplicità, da funzionalità e da un distaccamento della decorazione. La geometria e astrazione che applicata alla pittura è venuto per essere di grande interesse per la decorazione d'interni, con forme semplici e linee rette.

Tuttavia questi nuovi modelli architettonici erano accessibili solo ai clienti facoltosi. le masse, anche prima della seconda guerra mondiale, Essi tendono ad essere più conservatori. Ma il fatto è che la distruzione incalcolabile in tutta Europa, durante le guerre, Essa ha portato alla necessità di costruire case in quantità, rapido ed efficiente. Gli architetti ancora in forma la sfida di costruire alloggi per i lavoratori, che la qualità della vita offerta, con giardini e sole.

Nuove concezioni del design e dell'architettura sono stati anche diffusi sulla rivista De Stijl (Lo stile), fondato nel 1917, por Theo van Doesburg (1833-1931); Piet Mondrian (1872-1944); e Georges Vantongerloo (1886-1965). Lo scopo della rivista è stato quello di diffondere un'estetica che si avvicinava la perfezione e armonia spirituale; oltre a promuovere l'utilizzo di nuove forme e colori primari per giorno per oggetti di uso quotidiano.

L'architetto e designer olandese Gerrit Rietveld (1888-1964), Fondatore della moderna architettura Congresso Internazionale, Siamo venuti a far parte della rivista per cui anche scritto 1928 ed è stato il primo ad applicare i principi della rivista nel suo stile. La sua preoccupazione si rivolse al sociale, con una produzione media accessibili, standardizzato, che fa uso di nuovi materiali. Esempio di facilitare spazi domestici è la Casa Rietveld Schröder ¹ (Cifre 1 e 2), architetto, costruito nel 1924, nella città di Utrecht, Olanda, secondo i concetti di movimento De Stijl. La costruzione, icona del Modernismo in Architettura, Ha ricevuto in 2000, status di Patrimonio dell'Umanità dall'UNESCO.

Può essere che la facciata della casa assomiglia inizialmente un'opera d'arte o di un quadro di Mondrian, con le sue linee rette, quadrati e rettangoli sovrapposti, in grigio e nero, linee rette che stanno in nero e rosso. Mitigare la geometria della costruzione, le piante sembrano per completare questa fusione di colori, la misura corretta. Realizzato un cubo, due piani, stand casa, tra l'altro per strada. E se l'esterno della casa assomiglia ad un'opera d'arte, Il suo interno è diverso. I colori e la geometria sono presenti in ogni ambiente ed è l'uso evidente di ogni spazio e di ogni angolo, abbastanza, la misura corretta.

L'opera più nota è la Rietveld Red and Blue Chair, il "Chair Rosso-Blu" ² in mostra al MoMA, a New York City. L'oggetto decorativo propone l'uso di linee rette, linee e colori anche nel mobile. Con sede blu e rosso indietro, la sedia ha struttura e braccioli verniciato travi in ​​legno del nero sottile. L'uso sapiente di vita blu e rosso in contrasto con la serietà di linee strutturali, che aumenta in qualche modo il collegamento con la modernità e l'Arte.

I Vienna, fra 1919 e 1933, Sono stati costruiti 66.000 alloggiamento, sotto la direzione dell'architetto Karl Ehn (1884-1959). Molte di queste case erano piccoli, costruita nella periferia con giardino, ha portato il modello d'Inghilterra. Con proposte più audaci, città olandesi di Amsterdam e Rotterdam si sono uniti i programmi di edilizia abitativa di massa.

Nel campo dell'architettura è comunque importante ricordare il concetto di semplificazione e pochi dettagli, Das opere di Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969); la preoccupazione con la luce di Le Corbusier (1887-1965); o la funzionalità delle opere di Walter Gropius (1883-1969), fondatore del Bauhaus ³ e pioniere dell'architettura moderna.

La diversità esterno maggiore diventa il più grande similarità all'interno.
(KANDINSKY, 1991, p. 125)

Scultura

grande libertà, illimitata negli occhi di alcuni, che ci permette di ascoltare la voce dello spirito, vediamo manifesta nelle cose con una forza particolare, utilizzerà gradualmente, e già utilizza tutti i domini spirituali come i loro strumenti (…).
(KANDINSKY, p. 125, 1991)

La rimozione di realismo è stato il marchio chiave di astratti Estetica. Nel campo della scultura, illimitato e la libertà sono stati associati anche con linee semplici, razionalismo, le forme organiche e l'utilizzo di materiali diversi.

Erano tra i grandi nomi del tempo, gli scultori Constantin Brancusi (1876-1957), Henry Moore (1898-1986) e Jorge Oteiza ⁴ (1908-2003).

Con opere in diversi paesi, Britannico Henry Moore opere prodotte in grande ed è venuto ad essere influenzato da vari aspetti di Arte Moderna, All'inizio del XX secolo e Constantin Brancusi. Abstract Moore ha ricevuto incursioni realistici, modificato da distorsioni, come se le immagini fossero organico, aperto, con i movimenti, gesti e increspature. La leggerezza del suo lavoro è venuto dal ispirazione nelle forme della natura e la cura del l'adattamento agli ambienti in cui erano parte. Il suo stile è stato stampato sulle sue figure sdraiate ⁵, conosciuto con il modo in cui l'artista delineato corpo, senza di loro i dettagli di stampa. Le opere sembrano silenziosi, con gesti lenti, in appoggio su qualsiasi superficie immaginaria.

Autodidatta, Jorge Oteiza (1908-2003) iniziato in Scultura, sotto l'influenza dell'espressionismo, ma il suo stile acquisito incursioni astratte negli anni 50, dopo il contatto con l'opera di Henry Moore. L'ispirazione nei pittori astratti è nata l'idea di Oteiza forme geometriche vuote. La sua serie "scatole vuote" è emerso in questo contesto, tra gli anni 1957 e 1958. Tra i riconoscimenti l'artista, uno era in Biennale di San Paolo, il 1957. Mantenere la precisione del volume, l'artista delineato le forme conosciute, riducendoli alle loro linee esterne, come se fossero cava.

La popolarità di escultures e rivenditori è venuto con l'occupazione di aree pubbliche, come parchi e marciapiedi, come elemento decorativo simile a quello che è successo nel Rinascimento.

Disegno

Blu, la rosa blu, rosa ed è caduto.
La sharp, o fino sibilou e fez-se intruso, ma non forato.
In ogni angolo e cranny per cosa ha risuonato.
Il marrone di spesso è stata sospesa, a quanto pare tutti l'eternità
A quanto pare. A quanto pare.
(KANDINSKY, 1991, p. 163)

Nulla è più inebriante rispetto al momento in cui viene generato il lavoro. Questo entusiasmo è evidente nella citazione Kandinsky (1866-1944) e mostra che, Oltre la pittura, l'artista è stato anche abile con le parole. Le sue opere rivelano un forte legame con la musica, da dove proviene gran parte della sua ispirazione. Per i colori Kandinsky e il movimento di un lavoro è legata alla musica. Realizzato melodia a guardare, i suoi quadri si sono allontanati dal figurativo come dimostrato coerenza artistica e la maturità. E il campo di astrazione era dove Kandinsky Art-Music risolta.

L'idea realtà presa di distanza che era stato sperimentato da artisti dalla fine del XIX secolo, con il Fauvismo e la espressionismo, Si è consolidata con Cubismo, che ha aperto le porte a Abstract Art. Il dipinto è venuto per essere una rappresentazione personale di l'idea che l'artista aveva delle cose e del mondo. I primi lavori sono emersi da 1910 e, a questo giorno, l'arte astratta sfida sguardo, a girare verso l'interno e al campo di sensazioni.

Ancora sotto l'influenza dell'espressionismo, nei primi decenni del XX secolo, nata in Germania movimenti importanti che culminarono in Abstract Art. Compreso il ponte (il ponte), il 1905; e The Blue Cavaliere (Der Blaue Reiter) il 1911, che faceva parte Wassily Kandinsky (1866-1944), juntamente com Alexej von Jawlensky (1864-1941, Franz Marc (1880-1916), August Macke (1887-1914), Paul Klee (1879-1940), e Marianne Da Werefkin (1860-1938). Sotto l'influenza dell'espressionismo e del gruppo Il cavaliere azzurro, è nato il desiderio di un'arte che si avvicinava l'anima e le sensazioni dell'artista campo. The Lyric astrazione informale o poi scoppiò, influenzato da Espressionismo, dal fauvismo e avendo Kandinsky come il suo più rappresentativo. Forte ispirazione nel rigore matematico e razionalità del Cubismo e del Futurismo, Si è formato anche un secondo gruppo, Geometrico o Abstracionismo. A seguito di pensiero razionale, il gruppo ramificata in tutto il mondo in vari aspetti, tra cui il suprematismo con la russa Kazimir Malevich (1879-1935); o neoplasticismo, Magazine collegato al De Stijl, come Piet Mondrian (1872-1944) e Theo van Doesburg (1833-1931), na Holanda; Costruttivismo, Anche in Russia; o Concretismo, con lo svizzero Max Bill (1908-1994); e neoconcretismo, no Brasil, con Hélio Oiticica (1937-1980) e Lygia Clark (1920-1988).

Non è difficile per la connessione a Kandinsky Art of Music. Na figura 5, È possibile percepire i suoni delle note musicali della sua orchestra colorato, il centro di uno stadio immaginario. Illuminato da riflettori, le linee nere intersecano spazio, ripiegarsi in cerchi colorati, translúcidos, che anche trasposizione. La scena sembra delicati rumori emissione, ogni movimento. E 'comprensibile che la sua arte si avvicinano un contenuto più interiorizzata, di fronte allo spirito, per una maggiore comprensione.

Con una tavolozza di colori più piccoli, la scheda per l'esposizione del Bauhaus (Fico. 6) anche presentato con linee rette in contrasto con cerchi colorati. Delle articolazioni, emergere nuove forme piene o vuote, ognuno è giustapposto all'altro. Nel suo compiacimento, l'immagine prende vita e suona emana da campane sono allineati per il tempo e il movimento.

I toni verde della natura si accalcano per lo spazio nella città di Paul Klee (Fico. 10). È possibile riconoscere i rami e le cime degli alberi in mezzo alla urbano, come se i campi di colore erano in un tentativo strenuo di estendere le sue braccia. Le sue forme non definite sembrano comprimere su sfondo bianco.

Ancora più lontano dal campo la realtà, il movimento suprematista esplorato le forme geometriche pure, come è stato il lavoro di Malevich ⁶. La logica nel suo lavoro era quello di smaltire i cerchi, triangoli, quadrati e rettangoli in vivido, su sfondi bianchi. A volte si sovrappongono, a volte ospitato di puzzle fatto, le forme incastrano in modo coerente nello spazio vuoto, regolazione ad essa.

E 'probabile che l'anima dell'artista penetrare ogni opera e viaggi, facendo finta di non essere lì. Taciturno e compenetrado, si adatta voi personalmente le immagini, sepoltura silenzioso. L'unico suono che si sente è il suono dei modi in contatto con i colori.

Considerazioni Finali

La libertà si esprime nello spirito dello sforzo di liberarsi delle forme che hanno già adempiuto il suo ruolo - i vecchi modi - e per creare da loro, nuove forme, infiniti.
(KANDINSKY, p. 121, 1991)

Nel terreno fertile dello schermo alba, l'autonomia dell'artista è consentito di agire e per lei avere quello che era più puro, Arte nel campo. Ci ha lavorato con i colori e le forme di modo emancipato, maturo e intelligente, come mai prima. La creatività andato nello spazio a disposizione, permesso di parlare per sé, rimontare la cosa più bella in spirito. L'entusiasmo intenso innescato a quel tempo ha permesso l'Arte ha acquisito le proprie caratteristiche. Kandinsky al "più grande dissomiglianza esterno diventa la più grande somiglianza interno" (p. 125, 1991).

Il risultato di tale libertà, tale ricerca interiore è l'esplorazione di nuovi campi, E 'il traffico per le direzioni indefiniti, e, soprattutto viaggiare dove solo lo spirito di determinare, tra i colori che nascono e poi si spegne; emergenti e faceiras fuoriuscita, ora in ritirata, avanzamento sia, un gioco divertente che non finisce mai. Essa deve essere puro al Art; Deve essere puro e illuminato l'anima degli exploit; e dovrebbe essere assaggio gratuito.

Trattare accade quando l'obiettivo diventa lo spazio dello schermo invitante e insinuante. Ecco dove l'arte parla da sé, Si distingue dalla realtà inumana e transita nuove direzioni. E 'possibile che in questo momento è innescare le stesse emozioni come l'artista sentiva l'entusiasmo intenso per la sua creazione. Godetevi sta permeando il lavoro, vedendo il suo mondo interiore che c'è stato stampato, Si sente puzza, godere il suo gusto e sentire le sue suoni eco.

Sul palco, crepuscolo blu scuro, a quasi principio, dopo un intenso blu scuro. Dopo un po ', si comincia a vedere nel mezzo del palco, una piccola luce, che diventa più vivo quando il blu scuro. Dopo un po ', Orchestra di musica. Pausa.

Dietro il palco comincia a sentire un coro organizzato in modo che esso non può individuare il luogo in cui l'angolo ha. Sentire le voci di principalmente bassa. Il canto è regolare, dirompente indicato da punti.
(KANDINSKY, p. 145, 1991)

¹ Video di all'esterno e all'interno della Casa Rietveld Schroder:
www.youtube.com / watch?v = r0tvx6rA1os

² i video di YouTube di sedia di Rietveld:
www.youtube.com / watch?v = VocMPhETkdM
www.youtube.com / watch?v = GsyaaG_95bg

³ Link sul Bauhaus, Visita UNESCO, by Yaromir:
visitunescobyyaromir.blogspot.com/2016/06/bauhaus.html

⁴ Oteiza Museo Jorge:
www.museooteiza.org/

il video Jorge Oteiza:
www.youtube.com / watch?v = vjhgJOJfDYg

⁵ Reclining Figure, Henry Moore, nessun museo Tate:
www.tate.org.uk/art/research-publications/henry-moore/henry-moore-om-ch-reclining-figure-r1172012

⁶ il video Malevich circa la Royal Academy of Arts:
www.youtube.com / watch?v = e3YS6uZ87Ec

Riferimenti:

1. BANDIERA, Manuel. Bandiera di tasca, Un'antologia poetica. Porto Alegre: Il&PM Pocket, 2008.
2. BAYER, Raymond. Storia di Estetica. Lisbona: Stamp Editoriale, 1993. Traduzione di José Saramago.
3. Bystrina, Ivan. Semiotica della cultura Argomenti, Aule Yvan Bystrina. PUC - SP,CISC (Centro Interdisciplinare di Ricerca in semiotica della cultura e dei media). Sao Paulo: PRE-STAMPA. Traduzione Norval Baitello Junior e Sonia B.Castino, 1995.
4. CALVINO, Italo. Perché leggere Clássicos. 2^al. edizione. Sao Paulo: Companhia das Letras, 1993. Nilson Moulin Traduzione.
5. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; TROMBETTIERE, Caroline; MACK, Lorrie. Historia Ilustrada da Arte. Sao Paulo: Publifolha, 2014.
6. Eagleton, Terry. L'idea di cultura. Sao Paulo: Editora UNESP, 2005.
7. FARTHING, Stephen. All About Art. Rio de Janeiro: Sestante, 2011.
8. GASSET, José Ortega y. L'arte della umanizzazione. 5 al. Edizione. Sao Paulo: Ed. Cortez, 2005.
9. Glancey, Jonathan. La storia dell'architettura. Sao Paulo: Loyola, 2012.
10. GOLDING, John. di concetti di arte moderna. Rio de Janeiro: Jorge Zahar Editor, 1991.
11. Gombrich, E.H. The Story of Art. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
12. HAUSER, Arnold. Storia sociale di Arte e Letteratura. Sao Paulo: Martins Fontes, 2003.
13. KANDINSKY, Wassily. Glimpse of the Past. Sao Paulo: Bookstore Martins Fontes Editora Ltda. 1991.
14. SIDE, Immanuel. Il bello e il sublime. Pôrto: Bookstore Education Ltd.. 1942.
15. MEIRELES, Cecilia. Spettri. Sao Paulo: Editore globale, 2013.
16. PROENÇA, Gratis. Alla scoperta della storia dell'arte. Sao Paulo: Routledge, 2005.

Come figuras:

Fico. 1 - Casa Rietveld Shroder, Yaro Mir, Visita UNESCO dal Yaromir.

Fico. 2 - Casa Rietveld Shroder, Yaro Mir, Visita UNESCO dal Yaromir.

Fico. 3 - Rietveld Shroder Casa, @holandesando, Sito web: holandesando.com/casa-rietveld-schroder/.

Fico. 4 - Vasily Kandinsky, Piccola pittura con colore giallo (improvvisazione), 1914, olio su tela, 31 x 39 5/8 pollici (78.7 x 100.6 cm) incorniciato: 32 3/4 x 41 1/2 x 2 1/2 pollici (83.2 x 105.4 x 6.4 cm). Philadelphia Museum of Art, Il Louise e Walter Arensberg Collection, 1950-134-103.

Fico. 5 - Vasily Kandinsky, Cerchi in un cerchio, 1923, olio su tela, 38 7/8 x 37 5/8 pollici (98.7 x 95.6 cm) incorniciato: 44 1/4 × 43 1/8 × 2 3/4 pollici (112.4 × 109.5 × 7 cm). Philadelphia Museum of Art, Il Louise e Walter Arensberg Collection, 1950-134-104.

Fico. 6 - Vasily Kandinsky, numero di post 3, Esposizione al Bauhaus, Weimar, Luglio-settembre 1923, litografia a colori, Immagine: 5 3/8 x 3 3/4 pollici (13.7 x 9.5 cm) foglio: 5 15/16 x 4 1/4 pollici (15.1 x 10.8 cm). Philadelphia Museum of Art, Presente Carl Zigrosser, 1974-179-100.

Fico. 7 - Paul Klee, Composizione con figure, 1915, E penna acquerello e inchiostro su carta montata su cartone, foglio: 10.16 × 12.7 cm (4 × 5 nel.) montare: 10.8 × 13.02 cm (4 1/4 × 5 1/8 nel.). Galleria Nazionale d'Arte, Washington. Collezione Mr. e la signora. Paul Mellon.

Fico. 8 - Paul Klee, Ludwigstrasse, 1912, Penna e inchiostro nero con lavaggio su carta crema, posto in cartone, Generale: 9.9 x 19 cm (3 7/8 x 7 1/2 nel.). Galleria Nazionale d'Arte, Washington. Presente de Benjamin e Lillian Hertzberg.

Fico. 9 - Paul Klee, usignoli Persiani, 1917, Guazzo, acquerello, penna e inchiostro nero su grafite su carta, montato su cartoncino; foglio ricamati sulla parte superiore con la striscia di carta gialla montato a sostenere, Generale: 22.8 x 18.1 cm (9 x 7 1/8 nel.). Galleria Nazionale d'Arte, Washington. Presente de Catherine Gamble Curran e famiglia, in onore del 50 ° anniversario della National Gallery of Art.

Fico. 10 - Paul Klee, Albero Architettura – Ritmos, 1920, Olio su carta, Generale: 27.9 x 38.3 cm (11 x 15 1/16 nel.). Galleria Nazionale d'Arte, Washington. Presente de Benjamin e Lillian Hertzberg.

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