Arte contemporanea, Pop Art di Rosangela Vig

È anche possibile ascoltare questo articolo nella sua voce artista Rosangela Vig:

Ho avuto così, nel corso della vita, molti contatti con molte persone serie. Ho vissuto molto tra i grandi. Li ho visti molto da vicino. Non è migliorato, altrimenti, la mia vecchia opinione.
Quando ne ho trovato uno che sembrava un po' lucido, L'ho usata per sperimentare il mio primo disegno, che ho sempre tenuto con me. Mi chiedevo se fosse veramente comprensiva. Ma ho sempre risposto "è un cappello". Quindi non ti ho nemmeno parlato dei boa constrictor, né delle foreste vergini, nemmeno le stelle. Mettimi a portata di mano. Gli ho parlato del bridge, di golf, Politica, di legami. E la persona grande era felicissima di incontrare un uomo così ragionevole. (SAINT-EXUPÉRY, 1977, p.11)

Il Piccolo Principe ispira da molto tempo e fa emergere quella semplicità infantile che il mondo frenetico di oggi ha dimenticato.. Spesso non ci accorgiamo nemmeno delle persone., amici o anche prestare attenzione alle nostre stesse emozioni, in mezzo alla frenesia quotidiana. all'umano, dobbiamo fermarci ad osservare questa semplicità e risvegliarci al lato sensibile, che ci porta al benessere e a una sensazione di pienezza. E la Art è un buon modo per sviluppare la consapevolezza in questo senso.

Godere dell'arte è vedere l'opera da bambino, di larghe vedute, libro, strappandole grandi emozioni, quelli che toccano l'anima, che vagano attraverso le sensazioni. Forse allora l'intelligenza potrà vagare nello stesso campo in cui l'artista ha seminato le sue idee.. Forse gli uomini contemporanei hanno perso quel tenue filo che lega la vita reale e i giudizi più divini e ispiratori.. Forse l'umanità riscoprirà ancora questo vero percorso e vedrà meno i numeri e più i Belo che circonda il mondo e le manifestazioni artistiche. Giocare con la sensibilità in modo leggero è un modo per elevare lo spirito a buone impressioni. È quello il gioco artistico.

E le demo artistiche non si sono mai avvicinate a questo gioco, come negli anni 1950, quando la quotidianità ha cominciato ad essere vista come un gioco e ad integrare i movimenti in modo allegro e rilassato. Tutta la tecnologia del tempo, il viaggio sulla luna, la pubblicità, nella cultura di massa, il Cinema e le sue celebrità e lo stile di vita americano sono stati visti con l'occhio attento dell'artista, per scherzo, gioco. Poi è arrivata la Pop Art., con colori vivaci e disegni semplificati. L'arte è diventata di nuovo figurativa, ma in modo insolito. Nello stesso momento in cui i simboli del consumismo iniziarono a essere derisi e criticati, gli artisti hanno infranto la barriera tra eruditi e popolari, portando l'arte in una categoria innovativa e unica.

Pop Art

Il termine Pop Art è iniziato nel 1952, deriva dall'inglese e significa arte popolare, perché la base era la cultura di massa, ma in nessun modo questo stile era caratterizzato come popolare. Il nome è stato creato dal critico d'arte Lorenzo Alloway (1926-1990), a Londra, durante un incontro di artisti, gli Gruppo indipendente (Gruppo indipendente), non Istituto d'Arte Contemporanea (ICA), Istituto d'Arte Contemporanea. Gli artisti erano soliti tenere dibattiti sull'effetto dei progressi della scienza e della tecnologia sull'arte, ed è stato in uno di questi incontri che i membri hanno suscitato interesse per la cultura di massa.. Composto da Riccardo Hamilton (1922-2011), Eduardo Luigi Paolozzi (1924-2005) e Pietro Blake (1932-), il gruppo iniziò uno stile che durò fino al 1960 e ha raggiunto il picco a New York, venendo anche in Brasile. Negli Stati Uniti, evidenziato i nomi di Andy Warhol (1928-1987); Roy Lichtenstein (1923-1997); Claës Oldenburg (1929-2022); James Rosenquist (1933-2017); Tom Wesselman (1931-2004); Wayne Thiebaud (1920-2021); e Jasper John (1930). In Brasile, gli artisti sono diventati famosi Antonio Dias (1944-2018); Rubens Gerchman (1942-2008); e Claudio Tozzi (1944).

Influenzando i design legati alla moda e il mondo del design, La Pop Art è stata fortemente ispirata dai fumetti, prevedeva l'uso della serigrafia e delle riproduzioni seriali dello stesso tema. La Pop Art si nutriva dell'industria culturale, ironizzando sull'esacerbato consumismo dell'epoca e sul capitalismo.

Pieno di packaging seducente, i supermercati erano un tema comune della Pop Art, portando opere come Andy Warhol in gallerie e musei. La zuppa in scatola di Campbell è stata l'ispirazione per questa serie dell'artista., di 1962, che ha raggiunto un totale di 32 Tessuti (Fico. 1)¹, ciascuno per un sapore del cibo ampiamente consumato all'epoca. Anche se Campbell è arrivato al punto di inviare un avvocato contestando l'uso del marchio, la compagnia ha finito per accettare e sostenere l'artista, collaborando e persino sponsorizzando una mostra delle opere di Andy Warhol al Metropolitan Museum of Art. La ripetizione dell'immagine rimanda all'idea di uno scaffale organizzato del supermercato, con diverse lattine di gusti diversi. In onore del ventesimo anniversario della morte di Andy Warhol, l'ingresso della Royal Scottish Academy (Reale Accademia Scozzese) era decorato con immagini della famosa opera di Warhol (Fico. 4). In 1976 lavorare Teschi (teschi) (Fico. 2) seguì l'idea della produzione in serie e l'artista utilizzò la tecnica della serigrafia per realizzare sei tele con lo stesso disegno, ognuno con colori diversi e vibranti. Lo stesso principio di colore è stato utilizzato in altre opere come Marilyn (Fico. 3), in cui la famosa star del cinema appare sullo schermo con un sorriso sensuale e un trucco dai colori puri. La serie di immagini di artisti cinematografici ha evidenziato la frivolezza di queste celebrità.

Roy Lichtenstein² sembra aver fatto un giro tra le colorate edicole. La collezione dell'artista comprende personaggi dei fumetti in momenti insoliti o al culmine delle loro narrazioni. Azione e dinamismo sono presenti nelle sue opere., come se il tempo si fermasse per conservare solo un secondo. Na figura 6, l'immagine di un aereo in caduta è narrata in due sequenze, quando il picco del movimento improvviso si intensifica e la conferma della caduta è confermata dall'onomatopea, titolo dell'opera. Il colore giallo e rosso intensificano il fuoco dovuto alla caduta. Nella figura appare il bacio di una coppia chiaramente appassionata 7. Lei, tra le lacrime e lui ad occhi chiusi ricorda insieme non solo i fumetti, ma anche le grandi narrazioni cinematografiche, tema costante della pop art.

La Pop Art in Brasile

In Brasile, l'estetica della Pop Art ha acquisito un tono politico e si è concentrata sulla critica del sistema dell'epoca.. L'artista e architetto Claudio Tozzi ha aderito a questo modello fino a 1969 quando è passato dalla critica sociale alla ricerca delle forme. Tale pensiero lo ha portato a produrre la sua serie Astronautas, Morsetti e Viti. Na figura 10, il protagonista è l'Astronauta visto di fronte e di spalle, in due immagini, un dittico, Ispirato da Man's Landing on the Moon, cosa è successo dentro 1969. L'artista ha lavorato con l'uso del bianco e nero, con linee nette per i contorni, cosa ti ricorda gli eroi dei fumetti. Ricco di dettagli, il tuo personaggio ha espressione e sembra prendere vita sotto le sue vesti. Il monocromo ha permesso ai dettagli di risaltare alla vista e di distinguersi effetti di luci e ombre, ciò che avvicina l'opera all'idea di realtà.

Dal 1970 l'artista ha sviluppato una ricerca con il colore e come risultato di questa fase, spicca il pannello Zebra (Fico. 12), di 1972, che ha portato arte e colore nel centro di San Paolo, in Praça da República. L'animale monocromatico contrasta con l'azzurro del cielo e il marrone della terra battuta, dove cammini. L'immagine dell'arte di Claudio Tozzi, tra gli edifici intristiti è come una boccata d'aria fresca, da una città che non vuole fermarsi. È come se la visione riposasse per un po', dimenticando il cielo nuvoloso, il frastuono delle macchine e dei passi. Forse questa è la ragione migliore per l'esistenza dell'Arte..

fatto un gioco, l'occhio percorre le opere in cerca di un respiro, di un vigore per riprendere la corsa di nuovo.

Tardo pomeriggio.
Nel cielo plumbeo
la luna spenta
molto cosmograficamente
Satellitare.

Demetaforizzato,
Demistificato,
Spogliato del vecchio segreto della malinconia,
Ora non è l'abisso degli scismi,
La star dei pazzi e degli innamorati,
ma solo
Satellitare.
(BANDIERA, 2008, p.136)

Considerazioni finali

L'oggetto dell'impulso ludico, rappresentato in uno schema generale, può essere chiamato dal vivo, un concetto che serve a designare tutte le qualità estetiche dei fenomeni, tutto ciò che insomma intendiamo in senso lato per bellezza. (…) Solo quando la sua forma vive nella nostra sensibilità e la sua vita prende forma nella nostra comprensione, l'uomo è una forma vivente., e sarà sempre così quando giudicheremo il bello. (SCHILLER, 2002, pagine 77 e 78)

Ispirato all'illuminismo, il pensiero del grande filosofo tedesco suggerisce che l'ideale della bellezza sia legato a un impulso ludico. L'arte si inserisce in questo contesto, attraverso il gioco con la sensibilità attraverso il gioco di colori e nei modi, stimolando l'impulso sensibile.

L'Arte Contemporanea rompe definitivamente con le avanguardie dell'Arte Moderna. Tale rottura iniziata negli anni 50 tenuto il passo con le nuove tecnologie che stavano facendo grandi passi. la corsa allo spazio, la scienza, gli Cinema, la televisione, il modo di vivere e il consumismo hanno ispirato gli artisti a delineare un nuovo campo visivo, aprendo le braccia dell'Arte a nuove dimensioni. L'estetica ha acquisito questo tono giocoso, assumendo le forme della realtà in atto, ma ancora chiarire, da due artisti, la critica al consumismo di massa e al capitalismo incoraggiato dalla pubblicità. Le opere sono passate dalla cultura di massa alla cultura erudita utilizzando simboli quotidiani. Contemporaneamente, come in un gioco, le opere stimolavano lo sguardo e permettevano alla simbologia di un'epoca di diffondersi attraverso la Cultura. Nuove prospettive e nuovi punti di vista sono stati poi condivisi attraverso il gioco di colori e forme., prendendo l'occhio per deliziare.

In pianura le danzatrici
Andate via come pellegrini
Nel maniero degli ostelli grigi
Attraverso villaggi senza chiesa
E i bambini vanno avanti
Gli altri seguono indolenti
Gli alberi si conformano
Quando da lontano salutano
Hanno pesi rotondi quadrati
tamburi ad arco d'oro
Orso o scimmia non selvatici
Chiedi soldi sul tuo biglietto.
(APOLLINAIRE, 2005, pag.63)

O Parigi, eccoci bevute viventi
Le città virili dove gridano e cantano
I santi metallici delle nostre fabbriche sacre
I nostri camini impregnano nuvole nere
Come faceva una volta l'Ixion meccanico
E le nostre innumerevoli mani
impianti manifatturieri fabbriche mani
Dove i lavoratori nudi amano le dita
Producono il vero a così tanto all'ora
ti diamo tutto questo.
(APOLLINAIRE, 2005, p.112)

¹ Video dell'opera Latas de Sopa Campbells, di Andy Warhol:
youtu.be/HqvELc2FSfE

² Fondazione Roy Lichtenstein:
www.lichtensteinfoundation.org

Riferimenti:

1. ANDRADE, Mario. poesie complete. Sao Paulo: Editora Itatiaia, 1987.
2. BANDIERA, Manuel. Bandiera di tasca. Porto Alegre: Il&PM Pocket, 2008.
3. BAYER, Raimondo.Storia di Estetica. Lisbona: Stamp Editoriale, 1993. Traduzione di José Saramago.
4. BILAC, Olav.Antologia poetica.Porto Alegre: Ed. Il & PM Pocket, 2007.
5. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; TROMBETTIERE, Caroline; MACK, Lorrie. Historia Ilustrada da Arte. Sao Paulo: Publifolha, 2014.
6. FARTHING, Stefano.All About Art. Rio de Janeiro: Sestante, 2011.
7. GASSET, José Ortega e.L'arte della umanizzazione. 5 al. Edizione. Sao Paulo: Ed.Cortez, 2005.
8. Gombrich, EHThe Story of Art. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
9. GUILLAUME, Apollinaire. Alcoli e altre poesie. Sao Paulo: Editore Martin Claret, 2005.
10. HAUSER, Arnaldo.Storia sociale di Arte e Letteratura. Sao Paulo: Martins Fontes, 2003.
11. MOSES, Massaud. Letteratura brasiliana attraverso i testi. Sao Paulo: Editora Pensamento Cultrix Ltda., 1971.
12. MATHEW, Vinícius. Poetic Anthology. Sao Paulo: Companhia das Letras, 2009.
13. NIPOTE, João Cabral de Melo. Museo di tutto. Rio de Janeiro: Livraria José Olympio Editora, 1975.
14. PROENÇA, Gratis. Alla scoperta della storia dell'arte. Sao Paulo: Routledge, 2005.
15. SAINT-EXUPÉRY, Antoine de. Il piccolo Principe. Rio de Janeiro: Atto di editore, 1977. SCHILLER, Friedrich. L'educazione estetica dell'uomo. Sao Paulo: Miniature di editore, 2002.

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Rosangela VIG
Sorocaba - Sao Paulo
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Editorialista presso Obras de Arte Site
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