Arte contemporanea, Arte Ottica – Op Art, da Rosângela Vig

È anche possibile ascoltare questo articolo nella sua voce artista Rosangela Vig:

I volgari credono che sia facile sfuggire alla realtà, quando è il più difficile del mondo. È facile dire o dipingere qualcosa che è completamente privo di significato., che è intelligibile o nullo: basterà mettere in coda parole senza senso, o disegna i pericoli a caso. Tuttavia, essere in grado di costituire qualcosa che non sia una copia del materiale e così via, però, avere una certa consistenza, implica il dono più sublime. (GASSET, 2005, p. 43)

L'arte accende l'immaginazione, stimola il cognitivo e apre la strada a infinite forme di linguaggio. Curioso, l'occhio è attratto dai colori, dalle forme e dal movimento; e vaga interessato all'oggetto artistico, svelando i codici che l'artista ha esposto. Con ogni nuovo look, un nuovo messaggio può essere rivelato, può essere decodificato. Forse questa è la più grande proprietà dell'art.. La vostra comprensione, tuttavia, non è sempre responsabile del rispecchiamento della realtà.. Quando ci si stacca dal mondo delle cose conosciute, L'arte si avvicina a ciò che si può dire di un'arte pura, spiritualizzato, senza il coinvolgimento con i guai del mondo reale. Così i limiti sono estesi, se l'artista lo desidera, se l'immaginazione è d'accordo con quello.

Per arrendersi a un simile viaggio, basta contemplare l'infinito che abita l'interiorità dell'anima., del pensiero e perdersi all'infinito lungo i sentieri che portano a queste tappe. Ciò che l'immaginazione consente sarà solo una rappresentazione di ciò che il vero sé osa. Solo così l'Arte emerge superiore, vivido, in pieno movimento, disaccoppiato dai modelli. Così camminava l'estetica della modernità, sempre più distaccato dalla realtà, generando nuovi modelli e aprendo un campo all'estetica contemporanea della seconda metà del XX secolo.

Arte contemporanea

Anche se non c'è consenso sull'inizio dell'arte contemporanea, era dopo la seconda guerra mondiale, negli anni 50 che c'è stata una rottura con l'arte moderna, quando i nuovi stili sono emersi accompagnando un mondo esuberante di innovazioni tecnologiche e scientifiche. la corsa allo spazio, l'idea della ricostruzione postbellica della società e la ricerca dell'inconscio furono temi che ispirarono gli artisti. Il campo si è ampliato a nuove lingue, da domande nello stile dettato da Cinema e Televisione. Dalla seconda metà del 20° secolo ai giorni nostri, Arte Contemporanea ha seguito il pensiero, innovazioni e cambiamenti mondiali.

Chiamato anche postmoderno, L'arte è stata accompagnata da modifiche alla pittura, per Scultura e Architettura. Tra i diversi stili che guidarono le produzioni dell'epoca, erano Pop Art e Op Art.

Op arte

Il movimento che è sorto in 1965, em Nova York, Stati Uniti ed Europa, Fu coniata l'Op Art, forma abbreviata per Optical Art. La prima mostra si è svolta al Museo d'Arte Moderna (MoMA) ed era intitolato "L'occhio reattivo". Il nome può essere tradotto come "occhio sensibile", o "l'occhio che risponde", probabilmente riferendosi alle immagini di opere di questo stile, che coinvolgono l'occhio con l'idea di movimenti continui di forme geometriche.

Incoraggiare la riflessione e stimolare lo sguardo sull'oggetto artistico, L'Op Art era considerata una variazione del Espressionismo astratto; avvicinarsi al campo delle sensazioni, forme dissociative, colori e modelli. Nell'oggetto artistico ci sono triangoli, cerchi e quadrati che si chiudono, aprirsi a spirale, dividere in frattali, dissociarsi e ricongiungersi. L'occhio è attratto, cerca l'immagine e si perde in essa, cercando dove inizia e dove finisce l'opera. Come una forma di illusione, L'arte sembra essere viva e in continua evoluzione, come se sfumature e linee facessero vibrare le corde sotto forma di musica. A questo si aggiunge l'uso di colori contrastanti., che in un certo senso accentua i movimenti. Forse questa è la migliore descrizione per lo stile Op Art o forse non c'è modo di definirla, senza guardarla.

Tra i nomi che rappresentavano lo stile c'è quello dell'artista ungherese Victor Vasarely (1908-1997), precursore del movimento; e i nomi di Alexander Calder (1898-1976); Luiz Sacilotto (1924-2003); Adolfo Federico Reinhardt (1913-1967); Gesù-Raphael Soto (1923-2005); Kenneth Noland (1924-2010); e Riccardo Allen (1933-1999).

Victor Vasarely¹ ha studiato arte a Budapest, Ungheria, Paese di nascita; ebbe contatti e influenze del movimento Bauhaus; e ha ricevuto ispirazione dalle opere di Kandinsky. Dal 1930 andò a Parigi dove lavorò per società pubblicitarie. È venuto a lavorare con l'arte figurativa, ma opta per uno stile che vede protagonista la geometria. Le sue linee sono state associate a movimenti e ondulazioni monocromatiche e gradualmente acquisite.. Nel suo lavoro erano presenti elementi legati alla profondità., alla multidimensionalità e, soprattutto al dinamismo, come se l'intero universo del suo lavoro ora si espandesse, ora ritirati. cellule fatte, galassie e mondi non ortodossi, L'Arte di Vasarely pulsa ad ogni cambio di sguardo.

Alexander Calder² nato in Pennsylvania, Stati Uniti e divenne noto per i suoi cellulari e per le sue immense sculture, oltre alle immagini dei cavi. Fin dalla tenera età, l'artista ha già mostrato interesse per la creazione, arrivare a creare i propri giocattoli, un bambino. Trasferitosi a Parigi nel 1926, dove ebbe contatti con gli artisti del Surrealismo. più che sculture, le tue opere sono arte in movimento. dimensione piena, le sue opere sono esposte in diversi paesi e portano alla luce l'idea di un'arte pura, legato all'uso dei colori e delle forme in movimento, cosa si nota nella piegatura del disco rosso (Fico. 1), di 1973, in mostra a Schlossplatz, a Stoccarda, una delle città più grandi della germania. Em metallo, la sua costruzione gigante acquisisce un'incredibile leggerezza con il movimento sottile e delicato. Come uccelli che prendono il volo, le sue forme colorate rallegrano la monocromia della città, allo stesso tempo sembrano far parte dello spazio. Quando lo spettatore cambia prospettiva, il lavoro dell'artista (Cifre 2, 3, 4) acquista nuove sfumature attraverso i giochi di luci e ombre; e si riorganizza in modi nuovi, con nuove figure.

Nato a Santo André, Sao Paulo, Luiz Sacilotto ha studiato Disegno presso il Centro Universitario di Belle Arti; ha lavorato come pubblicista; fece disegni per l'architettura. Nel campo dell'arte, Sacilotto ha partecipato a mostre e Biennali in Brasile e mostre all'estero; ed era considerato uno dei massimi rappresentanti della generazione concreta in Brasile. Il suo lavoro ha dei contrasti., simmetria e ha movimento. Il tuo immenso dipinto (Fico. 7) nell'atrio del blocco B, dell'Universidade Federal do ABC seduce l'occhio in primo piano per il colore intenso. Questa attrazione aumenta con l'intensificarsi del movimento dell'opera., quando gli occhi corrono da una parte all'altra, o dall'alto verso il basso. Le forme sembrano fare una specie di movimento convesso, dove va l'intera immagine all'infinito. Il visualizzatore, l'impressione è che lui stesso converge con l'opera ed entra in questa immensità di forme andando avanti e indietro.

Nella figura 8, Sacilotto gioca con la forma geometrica e la divide, formando due nuovi triangoli che sembrano allungarsi nello spazio, come se allungassero ciascuna delle sue estremità. Il materiale è alluminio, utilizzato anche nell'opera di Fig. 10. Quella, insieme al legno, inganna lo sguardo, che ora scorge l'interno di una piramide, ora sei fuori. Ricordando i colori di Fauvismo, le linee verdi risaltano sovrapposte all'arancione, na figura 11. Linee di dimensioni identiche, disegnato uno sopra, altri sotto, dare l'impressione di essere più grande o più piccolo. L'illusione ottica si completa ancora con l'idea che l'opera si muova dall'alto verso il basso o dal basso verso l'alto.. Questo artista brasiliano ha imparato come nessun altro la capacità di trasformare l'Arte in un gioco di colori, di forme e illusione dello sguardo. Guardare il proprio lavoro è come notare i campi in movimento, forme in espansione e in contrazione.

Considerazioni finali

Allora, solo questo dipinto
Di colori ad alta voce,
Colori dritto,
Nudo, colori caldi.

Il tuo dipinto solo luce,
Costruzione di Clara,
Questa generazione di corso
Fatto da non.

Pittura che hai insegnato
La morale a vista
(lasciando il polso morbido
dare più tensione alla vita).

Questa latta di vernice,
Con la loro aria fredda,
Mescolare l'anima Withers,
Di indifferenza o acídia.
(NIPOTE, 1975, p.19)

Gli itinerari del Art. La sua storia ha dimostrato che non basta essere un oggetto su cui l'osservatore incantato posa la sua attenzione., ma qualcosa che cattura la tua attenzione invitandoti a partecipare come un gioco infinito; che ti offre nuove prospettive, nuovi punti di vista, fatto una battuta. Infatti gli effetti ottici e visivi dell'Op Art, con forme e linee, con colori vivaci e contrastanti permettono una sorta di passeggiata attraverso la tridimensionalità in movimento come se l'opera fosse viva, premendo.

È piacevole viaggiare attraverso l'oggetto artistico come parte integrante di esso, goditi tutto il tuo spazio, spostati da lui, da ogni possibile angolazione. Quanto l'anima si arrende a tale fruizione, lo spirito vola in estasi. Un tale incantesimo consente un piacere duraturo nell'essere.

¹ Video del lavoro di Victor Vasarely
youtube.be/G_gOS_xwSiw

² Video del lavoro di Alexander Calder
youtube.be/fI5PRaTSMUI

Riferimenti:

1. ANDRADE, Mario. poesie complete. Sao Paulo: Editora Itatiaia, 1987.
2. BANDIERA, Manuel. Bandiera di tasca. Porto Alegre: Il&PM Pocket, 2008.
3. BAYER, Raymond. Storia di Estetica. Lisbona: Stamp Editoriale, 1993. Traduzione di José Saramago.
4. BILAC, Olavo. Poetic Anthology. Porto Alegre: Ed. Il & PM Pocket, 2007.
5. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; TROMBETTIERE, Caroline; MACK, Lorrie. Historia Ilustrada da Arte. Sao Paulo: Publifolha, 2014.
6. FARTHING, Stephen. All About Art. Rio de Janeiro: Sestante, 2011.
7. GASSET, José Ortega y. L'arte della umanizzazione. 5 al. Edizione. Sao Paulo: Ed. Cortez, 2005.
8. Gombrich, E.H. The Story of Art. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
9. HAUSER, Arnold. Storia sociale di Arte e Letteratura. Sao Paulo: Martins Fontes, 2003.
10. MOSES, Massaud. Letteratura brasiliana attraverso i testi. Sao Paulo: Editora Pensamento Cultrix Ltda., 1971.
11. MATHEW, Vinícius. Poetic Anthology. Sao Paulo: Companhia das Letras, 2009.
12. NIPOTE, João Cabral de Melo. Museo di tutto. Rio de Janeiro: Livraria José Olympio Editora, 1975.
13. PROENÇA, Gratis. Alla scoperta della storia dell'arte. Sao Paulo: Routledge, 2005.

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