Romantisme par Rosangela Vig

Vous pouvez également entendre cet article dans sa propre voix artiste Rosangela Vig:

Cet esprit coupable, dans votre trevoso bois,
Vous n’entendez, Cette hymne, l’appel surprenante?
Deux seulement; est tombé, puisque le ciel n’accorde pas de pardon
L’OMS seulement entendre les battements de son cœur.
Angélique demoiselle et le séraphique aimé…
Mais où était l’amour, l’amour aveugle
Toujours fidèle au devoir austère? (Effort de volonté
Est d’obtenir lui sur célica amplitude).
Sans Guide, l’amour est tombé désorienté,
Par le biais de « larmes de douleur parfaite ».
(POE, 1999, p. 42)

Al Aaraaf est le plus long poème de Poe (1809-1849). Dans ce court extrait vous pouvez comprendre pourquoi l’auteur est devenu le représentant en chef du romantisme, Nous États-Unis, et votre travail, reconnu dans le monde entier. Son style est unique, écrivez que votre gauche montre le drame, le mystère et la passion. Son romantisme exagéré a été, souvent, pessimiste, sombre et fait référence à l’au-delà. Un esprit imaginatif, l’écrivain a toujours rencontré, dans ce poème, les éléments mythologiques et des faits historiques.

La révolution industrielle et la révolution Français, à la fin du XVIIIe siècle, changé le paysage de l’Europe, XIXe siècle. Na Arts, un certain nombre de mouvements qui ont surgi, encouragé par ces transformations, entre Ls, romantisme, qui achètent et transit des forces dans la vie politique, par philosophie, par la musique, littérature et les arts. Dans la forme, ils montraient les traits de la sensation, le battage médiatique, le subjectivisme, des passions et les appétits de virtuosité. A Art Elle réduit ses liens avec la poésie et la littérature, à travers les histoires héroïques médiévales; et les idéaux nationalistes ont été évaluées.

Pour certains chercheurs, Il existe un lien entre néoclassicisme et romantisme, Fois, de différentes façons, est commun aux deux, la recherche d’un idéal. Quant à la façon, le style romantique était incompatible avec le rationalisme et le conservatisme opposé et le solde de Néoclassique. Ouvert, avec ce, espace pour l’expression des émotions de l’individu, promouvoir le développement de l’esprit créatif et l’imagination. Il a été laissé à l’artiste, laissant une liberté doubler votre esprit et de l’emmener à un indépendant de créer.

Ce que j’ai dit plus tôt peut peindre, sûrement, appliquer à la poésie. Il a juste sentir ce qui est exquis et audacieux de l’exprimer, et c’est, pour être exact, dire beaucoup en peu de mots. (GOETHE, 2009, p.30)

L'architecture

Cet amour, Cette fidélité, Cette passion n’est pas, comme une fiction du poète! Elle vit, Il existe, et dans votre état pur, parmi la classe des hommes que nous sommes des brutes incultes et oui parfois. (GOETHE, 2009, p. 121)

L’autonomie a donné des ailes à l’imagination des architectes et le XIXe siècle a été marqué par le renouveau esthétique. Les artistes de gauche l’éclectisme et de la liberté gratuitement à perambularem pour les autres fois, ramener l’exactitude Grecque et Romana que vu dans néoclassique. Dans le romantisme, les idéaux, le nationalisme et les exagérations ont été associées à la Moyen-âge, Retour à lui, les styles roman et gothique. Architectes, fit ramble les routes du rêve et de fantaisie, principaux attributs romantiques.

En France, les livres de Victor Hugo ¹ (1802-1885), Le Bossu de Notre Dame et Les Misérables, peut ont servi d’inspiration pour les constructions de l’époque. L’ambiance des oeuvres de l’écrivain a pris de l’architecte François-Christian Gau (1790-1853) la construction de la Basilique de St. Clotilde, Paris, interrompues après, par Théodore Ballu (1817-1885). L’église, érigé entre 1846 et 1857, C’était une de la première neogóticas de bâtiments, fonctionnalité qui est précisé dans la forme des arcades, les portes, et Windows; les tours de presque 70 mètres, qui donnent une impression de verticalité de fin. À l’intérieur, les vitraux et l’orgue construit par le célèbre organiste Français, Cavaillé-Coll (1811-1889) semblent conduire à d’autres fois.

Parmi les diverses constructions de neogóticas de l’Allemagne, le premier était l’église de Friedrichswerder, Karl Friedrich Schikel (1781-1841), construite entre 1824 et 1830, à Berlin. Il est également à Berlin, le district de néo--gothique, l’architecte Friedrich Waesemann (1813-1879). Le style est toujours présent dans la cathédrale de Cologne, dans la ville allemande, du même nom, dont la construction a débuté en 1248 et s'est terminé seulement en 1880.

Une des églises plus importantes de New York, la cathédrale de Saint Patrick (Figue. 1), James Renwick Jr. (1818-1895) Gothiques et aussi se démarque dans le milieu de la grande ville, entouré par les bâtiments modernes. Construit entre 1858 et 1878, le bâtiment peut accueillir 3000 personnes et occupe un bloc entier de la ville. Le sentiment et la montée vers Dieu debout est les immenses tours, en passant de la 100 mètres; ou sur la terrasse sous la forme d’une croix. Se référer à la religiosité, les médias d’arcs en ogive (Chiffres 3 et 4), Je me souviens de ses mains dans la prière et faire une référence au style qui est venu du moyen-âge, et compléter la beauté en vitrail, sur le terrain et dans les sculptures.

Mais la liberté et l’éclectisme de l’architecture rejoint le mouvement, rejoint les formes organiques et exotique. Le style néogothique est toujours présent en Angleterre, le château de Westminster (1840-1888); en Bavière, Allemagne, le château de Neuschwanstein (1870-1892) est l’architecture néo-romane; France, l’Opéra de Paris, par Charles Garnier (1825-1898) est de style néo-baroque; au Portugal, le Palais National de Pena, hérité du style gothique, neoislâmico et neorrenascentista.

La révolution industrielle a encouragé l’utilisation de nouveaux matériaux et nouvelles technologies, fer et verre. Les bâtiments de cette époque, l’utilisation de la structure métallique, démontre la polyvalence de ce matériau et prévu à l’Art Nouveau. Mais peut-être, le plus important de la période, a été la spontanéité qui ont permis les architectes à naviguer librement dans la créativité, faire de la place pour les modernes.

Un Sculpture

Le cours des événements a donné le génie de la saison, une direction qui menace de le garder sur art plus idéal. Cela doit abandonner la réalité et la montée, avec audace couleur, En plus de la privation, car l’art est la fille de la liberté et veut être légiféré par la nécessité de l’esprit, non par la privation de la matière. (SCHILLER, 2002, p.21)

Le romantisme exagéré dans l’expressivité et le dramatisme. Le fantasme, l’héroïsme et la littérature vont de pair, et le résultat ne pouvait pas être plus bel. Dans la fente, les sculptures ont débordé dans l’émotion, plein d’expressivité et le sentiment était que les images se concrétiser. Na forma, les sculptures ont exacerbé en mouvement; et la tournée fantasy thèmes, Ils ont confirmé le héros, la nature et l’imagination de l’architecte. Les matériaux étaient la médaille de bronze, marbre et bois.

Parmi les principaux sculpteurs Français Antoine-Louis Barye (1796-1875), suivie de Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875) et François Rude (1784-1855), Il a eu la participation en haut-relief de l’Arc de Triomphe à Paris, avec le départ des volontaires.

Na figura 5, Barye a laissé clairement la grande caractéristique de votre travail, C’est la représentation d’animaux, Bien que votre travail a en outre adopté l’anatomie. L’aigle aux ailes ouvertes, semble prêt à prendre la fuite ou pour une attaque. Dans votre travail, un cheval attaqué par un tigre rend inutile tentative de lever. Il se tord de douleur, se rendant compte de la mort imminente. L’accent mis sur les détails d’exemption expression, Comment était la pensée du sculpteur de l’époque.

Déjà la fille avec le shell, sur la Figure 7, de Carpeaux, présente une expression vivante et jeune, affiche avec grâce et légèreté. Innocence complète de la scène, un sourire de jeune fille, qui semble s’amuser jouer à des jeux, fusionner vos boucles aux vagues de la coque qui tient la tête. Parmi les célèbres œuvres de Carpeaux, sont Hugolino et ses fils, exposés dans la région métropolitaine, Nouvelle York; et la danse, le Musée d’Orsay, Paris. Avec peu de possessions, le sculpteur est venu d’avoir plusieurs emplois et payer des cours améliorer. Votre liberté et la chance d’explorer votre créativité cependant, est venu seulement avec la reconnaissance de votre travail.

La peinture

Ce qui consomme moi le coeur est cette force dominante qui se cache sous la totalité de la nature et que rien produit qui ne détruisent pas ce qui l’entoure et, Enfin, vous-même… Et si je me promène en proie autour. Sky, La terre et ses forces vives autour de moi! Je ne vois rien, mais un monstre qui avale pour toujours et à jamais retour à mâcher et à avaler. (GOETHE, 2009, p. 82)

La littérature romantique vanté la passion, l’amour platonique et la nature, rejeté la modération et laissez-vous emporter par battage. Dans la peinture, C’était en raison des descomedimento des espaces qui sont devenus grands, Ouvert, proche de la nature et exotisme. Les sentiments ont été mis en évidence et une valeur. Le lyrisme des scènes bucoliques ont un rejet du conservatisme. Eu le sentiment très net de la spiritualité, de couleur, de la nostalgie de l’infini (BAUDELAIRE à BLUGLER, 2014, p. 235). Romantisme est devenu lointain de style néoclassique.

Anticipant l’art moderne, la couleur est venu à être utilisé avec plus d’intensité, par le biais de spots, avec des lignes sinueuses, ce qui suggère le drame et le dynamisme, sans souci de l’exactitude des formes. Mais le romantisme a dérivé encore par plusieurs pays, avec des caractéristiques différentes. En France, Eugène Delacroix (1798-1863) et Théodore Géricault (1791-1824) Ils ont souligné la couleur et l’héroïsme. Religiosité et précision sont les maîtres mots du style, Allemagne, avec Caspar David Friedrich (1774-1840). En Angleterre, William Turner (1775-1851) mis en évidence la tache de couleur et de William Blake (1757-1827) exagérées en excentricité. Et les images sombres de Francisco de Goya (1746-1828) ont été les grandes représentations romantiques en Espagne. A Art est devenu sublime.

Peint en peu de temps avant la mort de Delacroix, le travail d’arabe combats dans les montagnes (Figue. 8), dramatisation de clara gauche d’un combat. À l’avant-plan de la scène, un cheval se tord, à l’étage; le chevalier et la charge sont tombés, montrant un combat. Dans le fond, Il y a des gens en cours d’exécution, avec les canons et les chevaux. Dans le troisième plan, le sol rocheux mène à un château, à la fin de la scène. L’image est complète avec une utilisation impeccable couleur, dans le ciel bleu, les vêtements rouges et blancs des personnages, contrastant avec les teintes pastels du sol et de la montagne.

Considéré comme le précurseur de l’impressionnisme, Turner très bien représenté le romantisme. Sa manière de travailler avec la couleur, à stains, N’oubliez pas de photos floues, déplacement des nuages, L’Annonciation de tempêtes et, surtout, petitesse humaine face à la grandeur de la nature. Na figura 11, la mer et le ciel semblent conspirer contre les bateaux en mouvement. Le désordre des nuages et l’agitation de l’eau sont des signes avant-coureurs d’une colossales forces de la nature. Ramonage sont, à Venise dans l’arrêt Turner (Figue. 12) la rectitude du bleu du ciel et votre reflet dans la mer. C’est là l’esprit de travail; C’est ce qui pousse le regard dans la scène et l’invite à réaliser même la chaleur que le soleil rayonne, dans votre tentative pour exposer, au milieu des nuages fous. La scène de marins transportant du charbon (Figue. 13) est floue et le protagoniste est la lune. Sa lumière est progressivement, absorbe, peu à peu, le paysage, convergeant vers le centre. La mer est juste un miroir de clarté, les bateaux et la vie. Effectué sans faute en utilisant les techniques de la perspective et point de fuite. L’inexactitude des images, l’intensité de la couleur, lignes sinueuses et les effets de la lumière naturelle, sont les traits distinctifs de Turner, qui sont ensuite exploitées par les impressionnistes.

Et ils auraient pu être plus choquant des images Goya du romantisme. La liberté esthétique clairement l’indignation de l’artiste, sur l’injustice et l’oppression, Quand l’Espagne a été envahie par les troupes de Napoléon, qui a envoyé les rebelles abattus, à 1808. Sa révolte contre les oppresseurs ont amené à produire les trois peuvent travailler 1808 ² (Figue. 20), le thème a été inspiré par Picasso, dans Guernica, de 1937. Dans le œuvre de Goya, a été imprimé à l’horreur et la peur des civils, pris au piège, au milieu de l’obscurité de la nuit, à côté de corps empilés. Intensifier le caractère expressif de le œuvre, la sortie de sang jaillissant sur l’homme de terrain et non armé, au centre, à bras ouverts, terrifié. Par le biais de drame, l’artiste a clairement votre humeur et votre aversion pour la tyrannie. Goya a travaillé avec des effets de lumière, avec une intensité chromatique, avec la couleur dans les taches; émotions mais surtout appréciées et exaltées, personnage principal du romantisme.

Je ne vois pas lignes ou détails, Il n’y a aucune raison de
mon pinceau voir plus j’ai.
(GOYA dans CLAIRON, 2014, p. 245)

Final Thoughts

Pourquoi choses doivent-ils être de cette façon, et ce qui fait le bonheur de l’homme deviennent trop dans votre disgrâce de source.
Complet et réchauffer mon cœur pour la sensibilité à la nature de la vie, J’ai inondé de tant de douceurs, le point de rendre le monde autour de moi est devenu le paradis, devenait maintenant, pour moi, un insupportable carrasco, un tortionnaire de génie, qui me suit partout. (GOETHE, 2009, p. 79, 80)

C’est la liberté que l’Art du XIXe siècle, mais surtout l’idéalisme et les valeurs éthiques, parce qu’il est mis en évidence les émotions, valeurs et principes. Pour Schiller (1759-1805), la liberté esthétique serait en mesure de promouvoir l’amélioration de l’éthique et la morale. L’écrivain allemand cru que,

Dans l’état physique, l’homme souffre la puissance de la nature; sauts libres de ce pouvoir dans l’état esthétique; et domina en état moral. C’est l’homme avant la beauté éveiller son plaisir gratuit et calmement, ralentissant sa faune? Éternellement uniformes dans leurs buts, alternant éternellement dans ses jugements, égoïste mais lui-même, exonérés sans être libre, esclave sans desservant une règle. (SCHILLER, 2002, p. 119)

Et Schiller avait raison. Pour ele, l’éducation serait une forme d’équilibre de la société et la façon dont il a été dans l’art et esthétique. C’est parce que la contemplation d’une œuvre nous met en contact avec les sentiments du puits et ramollit à l’état sauvage. Par Belo, l’esprit est entraîné à la liberté, et par conséquent, l’État éthique.

Romantisme encore laissé leurs traces dans la littérature et, à 1774, Goethe (1749-1832) a secoué la société allemande, avec les souffrances du jeune Werther. L’amour platonique, la passion dévastatrice et la profonde tristesse de Werther peuvent avoir inspiré des suicides survenus en Allemagne, à l'époque. En Angleterre, Lord Byron (1788-1824) produit le poème Don Juan (1818-1823); et Horace Walpole (1717-1797) a commencé avec le roman gothique, le château d’Otrante (1764). En France, La belle et la bête, l’ancienne version pour la belle et la bête a été en 1756, par Jeanne-Marie LePrince de Beaumont (171-1780) J’ai adapté le conte traditionnel de Gabrielle-Suzanne Barbot (1695-1755). Toujours en France, Victor Hugo (1802-1885) Cast, à 1831, Le Bossu de Notre Dame et en 1862, Les Misérables, J’ai eu 7000 exemplaires vendus en 24 heures. In The United States, Poe est devenu l’un des plus grands représentants du romantisme sombre, par le biais de la mélancolie et l’irrationalité.

Mais au milieu de tant de richesses de cette période, le principal legs était l’esprit de liberté et d’amour avec le vrai et le bien. L’art du XIXe siècle est devenu un moyen d’exposer les idéaux, laissant estampillé questions éthiques et morales. Ces conditions ont laissé des traces qui va changer pour toujours le sens de l’esthétique et qui aboutirait finalement à l’art moderne, au XXe siècle.

Et le poème qui se termine ce texte de Poe.

Dans une nuit sauvage, Quand j’ai lu, lent et triste,
Vagos, anciens tomes science curieuse,
Et je m’endors presque, J’ai entendu ce qui ressemblait
Le bruit de quelqu'un frapper légèrement à la porte de ma chambre.
“Une visite”, Je m’a, “est de battre ma porte de chambre.
C’est juste cela, et rien de plus.”

Ah, que cela n’oubliez pas! C’était dans le froid de décembre,
Et le feu, negro mourant, urdia ombres inégales.
Comment je souhaite l’aube, toute la nuit les livres donnés
D’oublier (en vain!) le bien-aimé, aujourd'hui entre les armées célestes –
Ce dont le nom vous savez l’armées célestes,
Mais pas de nom ici jamais!

Comme, trembler de froid et à l’air libre, chaque pourpre de l’écran
M’a rempli, Urdia terreurs étrange jamais tel!
Mais, me suis imprégné de force, Je m’apprêtais à répéter,
“Une visite demander est entrée ici dans ma porte de chambre;
Une visite fin demande entrée dans ma porte de chambre.
C’est juste cela, et rien de plus”.
(POE, 2008, p. 45)

Il est certain en tout cas, que, dans ce monde il n’y a rien de plus nécessaire à l’homme que l’amour. (GOETHE, 2009, p. 78)

¹ Victor Hugo était écrivain et servi en politique. Ses œuvres les plus célèbres, Le Bossu de notre-Dame (1831) et Les Misérables (1862).

² Vidéo sur l’exécution de 3 Mai, Francisco de Goya, le Musée du Prado: www.museodelprado.es/Coleccion/obra-de-Arte/El-3-de-Mayo-en-Madrid-o-Los-fusilamientos/5e177409-2993-4240-97fb-847a02c6496c

Références:

1. BAUDELAIRE, Charles. Sur la modernité. Sao Paulo: Editeur paix et de la Terre, 1997.
2. BAYER, Raymond. Histoire de l'esthétique. Lisbonne: Stamp éditoriale, 1993. Traduction de José Saramago.
3. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; CLAIRON, Caroline; MACK, Lorrie. Ilustrada de História da Arte. Sao Paulo: Publifolha, 2014.
4. COSTA, Cláudio Manuel da. Selected Poems. Rio de Janeiro: Editora Saraiva, 2014.
5. EAGLETON, Terry. L'idée de la culture. Sao Paulo: Editora UNESP, 2005.
6. FARTHING, Stephen. All About Art. Rio de Janeiro: Sextant, 2011.
7. GOETHE, Johann Wolfgang. Les souffrances du jeune Werther. Porto Alegre: Et. L & PM. 2009.
8. Gombrich, E.H. Histoire de l'art. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
9. HAUSER, Arnold. Histoire sociale de l'art et de la littérature. Martins Fontes, Sao Paulo, 2003.
10. Massaud, Moïse. La littérature brésilienne à travers des textes. Sao Paulo Ed.Cultrix, 2000.
11. PERSONNE, Fernando. Message – poétique fonctionne j'ai. Porto Alegre: Et. L & PM. 2006.
12. POE, Edgar Allan. La philosophie de Composition. Rio de Janeiro: 7 Courrier, 2008. Translation: Léa Viveiros de Castro.
13. POE, Edgar Allan. Poèmes et essais. Sao Paulo: Editora Globo, 1999.
14. POE, Edgar Allan. La poésie complète. New York: Penguin Group, 2008.
15. SCHILLER, Friedrich Von. L’éducation esthétique de l’homme. Sao Paulo: Et. Iluminuras, 2002.
16. SCHILLER, Friedrich Von. Fragments das Preleções sur l'esthétique. Belo Horizonte: Et. UFMG - Département de philosophie, 2004.
17. VIG, Rosangela Araujo Pires. L'ART COMME UNE COMMUNICATION A LA COMMUNICATION AS ART. Communication, Culture et médias, UNISO, Sorocaba: 2010. Disponible dans:
    comunicacaoecultura.uniso.br/prod_discente/2010/pdf/Rosangela_Vig.pdf

Comme figuras:

Figue. 1 - Eglise de Saint Patrick, Nouvelle York, États-Unis, Miguel Vig Son.

Figue. 2 - Eglise de Saint Patrick, Nouvelle York, États-Unis, Miguel Vig Son.

Figue. 3 - Eglise de Saint Patrick, Nouvelle York, États-Unis, Miguel Vig Son.

Figue. 4 - Intérieur de l’église de Saint Patrick, Nouvelle York, États-Unis, Miguel Vig Son.

Figue. 5 - Aigle avec les ailes et le bec ouvert, Antoine-Louis Barye, modèle inconnu de date, fusionné après 1862, en bronze. National Gallery of Art, Washington. Cadeau de Elizabeth L. Klee.

Figue. 6 - Dromadaire en Algérie, Antoine-Louis Barye, modèle inconnu de date, sans doute soufflé après 1862, Bronze. National Gallery of Art, Washington. Collection de Monsieur. et Mme. Paul Mellon.

Figue. 7 - Fille avec une louche, Jean-Baptiste Carpeaux, sculpté entre 1863 et 1867, en marbre. National Gallery of Art, Washington. Samuel H. Collection Kress.

Figue. 8 - Arabes de combat dans les montagnes, Eugène Delacroix, 1863. National Gallery of Art, Washington. Fonds de Dale Chester.

Figue. 9 - Guerrier nu avec lance, Théodore Géricault, 1816. National Gallery of Art, Washington. Chester Dale Collection.

Figue. 10 - Paysage de printemps dans le nord, Caspar David Friedrich, 1825. National Gallery of Art, Washington. Patrons’ Fonds permanent.

Figue. 11 - Le ferry à Rotterdam, Joseph Mallord William Turner, 1833. National Gallery of Art, Washington. Ailsa Mellon Bruce Collection.

Figue. 12 - Venise: Douanes et San Giorgio Maggiore, Joseph Mallord William Turner, 1834. National Gallery of Art, Washington. Collection de Widener.

Figue. 13 - Marins transportant du charbon au clair de lune, Joseph Mallord William Turner, 1835. National Gallery of Art, Washington. Collection de Widener.

Figue. 14 - L’enlèvement de Proserpine, Joseph Mallord William Turner, 1839. National Gallery of Art, Washington. Don de Mme. Watson B. Dickerman.

Figue. 15 - Santé des douanes et Santa Maria, Venise, Joseph Mallord William Turner, 1843. National Gallery of Art, Washington. En mémoire de gouverneur Alvan T. Fuller par la Fondation plus complète, Inc.

Figue. 16 - La dernière Cène, William Blake, 1799. National Gallery of Art, Washington. Collection Rosenwald.

Figue. 17 - Don Antonio Noriega, Francisco de Goya, 1801. National Gallery of Art, Washington. Samuel H. Collection Kress.

Figue. 18 - Jeune homme portant la casquette et basquina, Francisco de Goya, 1800-1805. National Gallery of Art, Washington. Don de Mme. P.H. B. Frelinghuysen.

Figue. 19 - Lady Sabasa Garcia, Francisco de Goya, 1806-1811. National Gallery of Art, Washington. Andrew W. Collection de Mellon.

Figue. 20 - Les exécutions des 3 Mai, Francisco de Goya, 1814. musée du Prado.

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