Les premières traces de l'art moderne - Symbolisme par Rosangela Vig

Vous pouvez également entendre cet article dans sa propre voix artiste Rosangela Vig:

Lorsque Ismaïlia fou,
Il a mis la tour à rêver…
Nous avons vu une lune dans le ciel,
Nous avons vu une autre lune dans la mer.

Dans le rêve qui a été perdu,
Tout baigné de lune…
Je voulais monter au ciel,
Je voulais aller à la mer…

Il, dans sa folie,
La tour a commencé à chanter…
Était proche du ciel,
Il était loin de la mer…

Et comme un ange accroché
Des ailes pour voler…
Je voulais la lune du ciel,
Je voulais la mer de lune…

Les ailes que Dieu lui a donné
paire de Ruflaram en paire…
Son âme est monté au ciel,
Son corps est tombé par-dessus bord…
(Alphonsus de Guimaraens avec MOSES, 2000, pp.331-332)

Ismaïlia est l'un des plus beaux poèmes de Alphonsus de Guimaraens (1870-1921), le grand poète du symbolisme brésilien. Le texte implique des émotions et des approches les sens. Les images sont rêve, la mort est le sujet et la langue, très proche de la musique, il est fluide, rempli de allitérations. Na Literatura, Le symbolisme est apparu à la fin du XIXe siècle, France, idéal inspiré Romantisme; opposition au réalisme et le naturalisme et les humeurs élevé. Parmi les noms les plus pertinents, sont les poètes français Stéphane Mallarmé (1841-1898); et aussi Charles Baudelaire (1821-1867) qui, bien qu'il ne fut plus en vie quand le symbolisme a été consolidée en France, Il a été défini comme un pré-symboliste et le plus important mouvement.

Ainsi, il était dans la littérature, il était donc dans l'art. Le style a imprégné les manifestations artistiques, entre 1880 et 1910, apportant plus de charmes et des histoires pour Art. Dans ce domaine,, l'imagination de l'architecte a couru au-delà du visible, Il a sondé l'inconscient et le monde du rêve, le thème de travail de l'interprétation des rêves, de Sigmund Freud (1856-1939), le créateur de la psychanalyse. Le livre, publié dans 1899, Il a suscité l'intérêt de toute l'Europe et fait écho dans les arts.

A Art Nouveau, qui a apporté plus de beauté à l'architecture et du design, servi en quelque sorte aussi source d'inspiration pour les symbolistes, bien qu'ils étaient opposés à la prospérité et l'abondance que le nouveau style proposé.

Architecture et Design

Art Nouveau

Nous voulons voyager sans vapeur et sans voile!
Faire pour apaiser l'ennui de la prison
Pour notre laissez-passer de l'âme, raide comme un écran,
horizons Love, nos souvenirs.
(BAUDELAIRE, p.151, 2006)

L'exactitude des mots ci-dessus peut à juste titre démêler un artiste coeur. Il est tout à fait possible que le génie créatif naviguer dans des eaux troubles, détaché, en vrac, traversant des directions inconnues. Et l'âme souveraine de l'ouvrier embarqué sur ces routes mal à l'aise, apportant plus de charmes à l'architecture finale du XIXe siècle. On a vu, à l'époque, une rupture avec le passé et un éveil à la nouvelle. La tendance qui a l'air frais approché le monde des rêves et de l'enchantement. France a vu la naissance Art Nouveau, le style qui a finalement suivi pour d'autres pays européens, en vigueur à partir 1880 et 1920. O exotismes Nouveau Il a modernisé la conception et la promotion d'un épanouissement des arts décoratifs et l'architecture. Le style moderne accompagné, l'industrialisation et la croissance de la bourgeoisie, faisant usage de matériaux tels que le fer, verre et du ciment. Quant à la façon, servi en tant que sources d'inspiration, la nature, des fleurs et des animaux.

Contrairement à quoi que ce soit jusqu'à présent été vu, le nouveau style, en grande partie, Il avait ses origines dans les arts graphiques. Mais nous devons aussi nous rappeler l'influence de l'art et des objets japonais; et les lignes du mouvement anglais L'artisanat de William Morris ¹ (1834-1896).

Une étape importante pour la Art Nouveau l'ouverture était, à 1895, boutique Maison de l’Art Nouveau (Maison de l'Art Nouveau), le collectionneur et marchand d'art, Siegfried Bing (1838-1905). Le projet de maison Bing a été présenté à l'Exposition universelle 1889. Le magasin a son intérieur conçu par l'architecte Henry van de Velde (1863-1957). Au milieu des environnements raffinés, célèbres designers, il y avait des peintures et des affiches d'artistes importants tels que Toulouse-Lautrec (1864-1901), Paul Signac (1863-1935) e Edvard Munch (1863-1944); tissu dessiné par William Morris; en plus des objets Louis Comfort Tiffany (1848-1933), artiste et designer connu pour son travail avec des vitraux. Ils ont reçu le style Nouveau entrées pour les stations Place de La Bastille et Place de L’Etoile, dessiné dans 1899, le grand architecte de l'époque, Hector Guimard (1867-1942).

Le modèle est nouveau les lampes de table de Louis Comfort Tiffany (Chiffres 1 et 2). Représentant une plante, l'originalité du luminaire (Figue. 1) Tiffany a utilisé le bronze pour la racine et la tige. Les pétales des fleurs et des feuilles sont des cristaux colorés suspendus. Plus qu'un simple décoratif, l'objet est une délicatesse de Art, rappelant les couleurs et le style de dessins Morris, un art japonais. La plante est nénuphar aquatique, présent dans les jardins et sur les écrans du peintre impressionniste Claude Monet (1840-1926).

La grande contribution Nouveau Il est resté pour le compte de meubles. Na figura 3, le style des lignes semblent indiquer la nature au milieu de l'environnement, les objets d'utilisation de jour en jour. Les lignes courbes dans la décoration de meubles sont des brindilles et des feuilles de germination, ou des fleurs en fleurs. La nature intègre l'environnement, ou l'environnement intègre avec la nature, à travers des formes irrégulières et sinueuses des meubles, les environnements Musée Hector Guimard. L'impression finale est que tout se déplace lentement.

A l'extérieur du musée (Figue. 4), Détails sur le plafond, balustrade du balcon ou un escalier mène à arrondie, irrégulier, tortueuse, comme le sont les éléments de la nature elle-même de plus en plus. Il est comme si la forêt pour déverser ses branches. La façade du musée (Figue. 5), balcons et fenêtres semblent être des extensions de l'environnement interne. Les lignes courbes voûter attristés sur le trottoir froid.

Le style Nouveau encore errez Barcelone, Espagne, laissant des marques surréalistes et inoubliables dans des œuvres remarquables d'Antoni Gaudí (1852-1926). Parmi les différentes étapes de la maturation de l'œuvre de l'architecte catalan, Il était clairement l'influence du style néo-gothique, inspiré par Eugène Viollet-le-Duc (1814-1879). L'architecte a également le patronage de la phase de l'entrepreneur Eusebi Güell (1846-1918). Gaudí a été parmi les artistes que l'entrepreneur riche et cultivé et qui est devenu accueilli patron et ami. Gaudí a même reçu plusieurs ordres Guell et, cette phase, contacté le Art Nouveau, qui a influencé son travail, bien que sa carrière a acquis caractéristique unique.

Parmi les plus connues des œuvres de Gaudí sont l'église catholique de la Sainte-Famille ², dans le style gothique, commencé à 1882 pas encore fini; parc Guell ³, ouvert en 1922, dont l'idée principale était d'être un quartier résidentiel de luxe, mais finalement est devenu un parc; maison Milah, connu sous le nom de La Pedrera, construite entre 1905 et 1907; et la maison Batllo ⁴ (Chiffres 6 et 7) construite entre 1904 et 1906.

Considéré comme une œuvre de Gaudí mince, formes organiques et sinueuses des fenêtres et des portes dans la maison Batlló ressemblent beaucoup au château Ra-Tim-Bum, série pour enfants brésiliens. Plus forte que la façade du musée Guimard, lignes Gaudí semblent s'animer et se déplacer lentement, comment étirer la chaleur du soleil. De façon, dans votre force, les murs sont tendres et ne peuvent pas être arrêtés. Les vitraux et mosaïques colorées en accord avec une forêt enchantée, couvert par un toit plein d'écailles, pas moins coloré que les murs. Le bâtiment surréaliste et magique est superbe pause à l'intérieur d'un arbre, ouvrir des fissures, loin ses branches et de la vie naissante et la couleur.

Sculpture

Rien dans l'art ne se fait que par la volonté,
tout est fait par la soumission docile à l'inconscient.
(Odilon Redon avec CLAIRON, 2014, p.299)

les lignes Art Nouveau Ils sont devenus une source d'inspiration pour les sculpteurs. Dans ce domaine,, les lignes ondulées acquises certaine sensualité et le mouvement. L'ornementation organique viennent des milieux de premier plan lumière et un sens décoratif.

Émile Antoine Bourdelle ⁵ (1861-1929) Il se distingue comme le plus notable Belle Epoque et le précurseur de la sculpture du XXe siècle. Dans ses traits sont des lignes reconnaissables du romantisme et les formes et les mouvements d'eau.

Emmanuel Villanis (1858-1914), sculpteur français, Il est surtout connu pour ses objets à petite échelle, en ce que le bronze mélangé une sorte de Neoclassicisme aux lignes élégantes du Art Nouveau. Dans ses thèmes étaient fréquentes Mythologie (Chiffres 8 et 9) et éléments floraux. Bustes étaient communs, figures féminines, nus, et une tendance à la sensualité et de l'érotisme. Les sculptures Thaïs et Lucretia correspondent à deux femmes de l'antiquité romaine. à la fois, la beauté reconnaissable des femmes est complété par look séduisant. Villanis a été parmi les sculpteurs les plus productifs de son temps et ses œuvres ont été exportés vers de nombreux pays.

Peinture

L'art est essentiellement idéalistes: les rêves plus
profonde ont l'interprétation la plus personnelle.
(Fernand Khnopff avec CLAIRON, 2014, p.309)

Les mots sont l'artiste Fernand Khnopff (1858-1921) et résumer l'attribut principal du symbolisme. Les nouvelles formes abstraites étaient plus proches de la réalité spirituelle, contrairement à Art représentant de réaliste ou. Les thèmes erraient à travers les mondes des rêves et des visions. Impressionnisme opposant, les symbolistes ont préféré la suggestion d'idées, par des icônes. Dans la peinture, Il a été donné la pertinence de la manière, les couleurs, les rangées et, en particulier la subjectivité. Khnopff a conduit le mouvement en Belgique et a été admiré par de nombreux artistes, y compris Edvard Munch (1863-1944) e Gustav Klimt (1862-1918).

Mélancolie est présent dans le paysage désolé de l'œuvre de Pierre Puvis de Chavannes (1824-1898), sur la Figure 12. Chancelant et l'homme désolé prospectifs sont solitaire, comme si la réflexion sur quelque chose. Les couleurs de la nature sont mélangés et discret, Ils contrastent avec le protagoniste de la scène. Autour du fils, chaque jour: insolent, pourceaux, rappelant la parabole bien connue symbolise la rédemption. Tout comme les grands artistes de son temps, Chavannes ne correspondait pas à un seul mouvement, Il est passé Impressionnisme, par le Pós-Impressionismo et le symbolisme. L'utilisation de couleurs modérées, pas pur, Il est également caractéristique de deux de ses œuvres 1863 (Chiffres 10 et 11). Vous pouvez voir une référence à la période classique, sous la forme, en perspective et les ombres.

Contact avec le symbolisme français, dans la salle de la Rose-Croix, à 1892, Il a pris l'artiste suisse Ferdinand Hodler (1853-1918) de retourner leur style à un sens métaphysique. Les humeurs sont présents dans votre travail de nuit ⁶, qui scandalise la société du temps. Sa, la représentation du sommeil approche de l'idée de la mort. Certaines personnes apparemment endormi, nu, profondément endormi, solitaire, Embrassée suggérant certain érotisme. On est réveillé en sursaut par la mort. parmi les personnes, deux étaient ses femmes, et l'artiste lui-même est dépeinte dans la scène.

Erotisme également dans plusieurs œuvres de Gustav Klimt (1862-1918) qui est venu à être accusé de pornographie. Son style diversifié, Cependant assemblé des éléments du symbolisme, Impressionnisme et Art Nouveau. Un couple uni dans ses bras doux et intense est le thème le plus connu travail Klimt, le baiser, de 1907. Dans le tissu entourant le couple, Vous pouvez reconnaître les influences Nouveau et byzantine, les lignes géométriques et motif motif floral. Sous les deux il y a des arbustes colorés, des fleurs et des rubans d'or et Brins tombant sur les jambes de la femme, sur le côté droit du travail. Les formes arrondies de celui-ci contrastent avec la angulaire et rogner tout droit. Sous le manteau d'or, les deux semblent être nus et complètement engagés les uns avec les autres. L'arrière-plan de la scène est presque imperceptible à l'oeil, car il est un moment fort pour les protagonistes. Le tableau faisait partie de l'âge d'or de la vie de Klimt qui est venu d'utiliser la feuille d'or dans plusieurs de ses tableaux de cette époque.

L'artiste norvégien, Edvard Munch, l'un des précurseurs de l'expressionnisme, ainsi que d'autres peintres de son temps, aussi le symbolisme transité. En 1896, quand il était à Paris, Nous sommes arrivés à avoir parmi votre cercle d'amis, poète français Stéphane Mallarmé. Une grande partie de la vie de Munch, pleine de tragédies, avéré être dans ses œuvres communes à la mélancolie et la tristesse. Parmi les lithographies produites après 1896, le Vampire de travail (Figue. 13) Il est venu à appeler l'amour et la douleur par l'artiste. Dans l'image lamentable, un homme est enveloppé dans les bras d'une femme embrassant son cou. peiné, il semble se laisser emporter par l'étreinte et probablement la mort.

dans la séparation (Figue. 14), le protagoniste est aussi un homme attristé par la douleur de mettre fin à une relation. Ceci et d'autres œuvres de Munch, Le Baiser de son propre et The Grudge, Ils faisaient partie d'une série intitulée La vie de Frieze, en anglais, Le freize de la vie, dont les thèmes vont de l'amour, anxiété, jalousie, l'infidélité et la mort. Comme Klimt et beaucoup de temps, Munch était obsédé par la sexualité féminine. A cette époque, les chiffres des prix 14 sont présents des éléments de la sexualité, de la luxure et de trahison. solitaire, l'homme ne peut sembler se déplacer, c'est son découragement. La couleur rouge dans sa main droite, sur la poitrine, Il symbolise le sang qui coulait du cœur. Contrairement à son image, la femme se démarque dans l'image et présente belle. Comme si ne pas avoir remarqué, elle se éloigne et froid, avec de longs cheveux dans le vent. La conception de leurs cheveux suit la ligne sinueuse du vent semble souffler. Vous pouvez reconnaître, dans l'image, traces de Art Nouveau, lignes sinueuses, les contours simplifiés et l'utilisation de couleurs.

Parmi les artistes qui ont également adopté la valeur actuelle symboliste mentionner également les noms de Paul Gauguin (1848-1903), Gustave Moureau (1826-1898), Arnold Böcklin (1827-1901), Ferdinand Hodler (1853-1918), Odilon Redon (1940-1916) e Fernand Khnopff (1858-1921).

Final Thoughts

L'art est en soi la perfection. ne pas
Vous devez juger par un modèle externe. Il est plus
un voile qu 'un miroir. Il a des fleurs et des oiseaux
inconnu dans une forêt. invente et
et détruit des mondes, avec un fil écarlate, Vous pouvez prendre
lune du ciel. (…) Pour sa nature n'a pas de loi.
(WILD, 1992, p. 45)

Oscar Wilde (1854-1900) Il faisait partie du mouvement européen appelé Esthétisme, avec des caractéristiques très similaires au symbolisme. Pour l'écrivain anglais, la Foire serait un antidote à la froideur de l'industrialisation. Il était opposé au réalisme et croyait dans l'art pour l'art. Ses paroles et ses pensées écho aujourd'hui. Et il se peut que l'art de routes atténuer la froideur et la dureté du monde réel.

L'ingénieur des formes et des couleurs peut engendrer un nouveau monde, rêves d'architecte, soulever univers et entrevoir des scènes qui ne l'imagination et l'art sont capables. A, il est possible de concevoir des mondes surréalistes, aussi beau que Gaudi; éveiller chez le spectateur étonnements les plus intenses, peintures nas Munch; ou favoriser des sentiments ineffables, peintures nas Klimt.

Cette diversité qui est parlé dans les dernières décennies du XIXe siècle a présenté une preuve suffisante pour que l'art soit autorisé à parler pour lui-même, les mains libres de la réalité, sans les distorsions de la vie. Et l'art des chemins sont très proches de ceux où la piste poésie. L'arrière est profond, produit de l'âme en extase. Et l'art est le baume de l'âme.

Le but de la vie est l'auto-développement.
remplir parfaitement la nature –
c'est la raison pour laquelle nous sommes ici.
(WILD, 1986, p.13)

¹ Site officiel de William Morris Society:
www.morrissociety.org

^² Vidéo da Sagrada Familia:
www.youtube.com / watch?v = UrKSk4xFVLw

³ Guell Park Vidéo Gaudi:
www.youtube.com / watch?v = HP_bOvoUr90&t = 35s

⁴ Site officiel, Casa Batllo:
www.casabatllo.es

Vidéo commentée:
www.youtube.com / watch?v = j31eZTrW0Ss

⁵ Émile Antoine Bourdelle – site do Museu Bourdelle:
www.bourdelle.paris.fr

⁶ examen de la vidéo du travail de nuit Ferdinand Hodler:
www.kunstmuseumbern.ch/en/see/collection/videos-higlights-collection/ferdinand-hodler-the-night-271.html

Références:

1. BAUDELAIRE, Charles. Sur la modernité. Sao Paulo: Editeur paix et de la Terre, 2007.
2. BAUDELAIRE, Charles. Les fleurs du mal. Sao Paulo: Martin Claret, 2006.
3. BAYER, Raymond. Histoire de l'esthétique. Lisbonne: Stamp éditoriale, 1993. Traduction de José Saramago.
4. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; CLAIRON, Caroline; MACK, Lorrie. Ilustrada de História da Arte. Sao Paulo: Publifolha, 2014.
5. FARTHING, Stephen. All About Art. Rio de Janeiro: Sextant, 2011.
6. Gombrich, E.H. Histoire de l'art. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
7. HAUSER, Arnold. Histoire sociale de l'art et de la littérature. Sao Paulo: Martins Fontes, 2003.
8. MOSES, Massaud. La littérature brésilienne à travers des textes. Sao Paulo Ed.Cultrix, 2000.
9. PROENÇA, Gratuit. Découvrir l'histoire de l'art. Sao Paulo: Routledge, 2005.
10. VERLAINE, Paul. Cent un poèmes de Paul Verlaine. Chicago: The University of Chicago Press, 1999. Traduit par Norman r. Shapiro.
11. VIG, Rosangela Araujo Pires. L'ART COMME UNE COMMUNICATION A LA COMMUNICATION AS ART. Communication, Culture et médias, UNISO, Sorocaba: 2010. Disponible dans:
    comunicacaoecultura.uniso.br/prod_discente/2010/pdf/Rosangela_Vig.pdf
12. WILD, Oscar. La désintégration de mentir et autres essais. Rio de Janeiro: imago Editora, 1992.
13. WILD, Oscar. Le Portrait de Dorian Gray. Sao Paulo: Editora Scipione, 1986.

Comme figuras:

Figue. 1 - lampe de table de Nénuphar, Louis Comfort Tiffany, 1904, cristal et laiton, 67,31 x 48,26 cm. Virginia Musée des Beaux-Arts, Richmond. Presente de Sydney e Frances Lewis. Photo: Katherine Wetzel. © Musée des Beaux-Arts de Virginie.

Figue. 2 - lampe de bureau Begonia, Louis Comfort Tiffany, 1900, cristal et laiton, 41,9 x 33 cm. Virginia Musée des Beaux-Arts, Richmond. Presente de Sydney e Frances Lewis. Photo: Katherine Wetzel. © Musée des Beaux-Arts de Virginie.

Figue. 3 - Musée Hector Guimard intérieur, Paris. Photos: Le Cercle Guimard.

Figue. 4 - Intérieur et le plafond du Musée Hector Guimard, Paris. Photos: Le Cercle Guimard.

Figue. 5 - Musée Façade Hector Guimard, Paris. Photos: Le Cercle Guimard.

Figue. 6 - Façade de la Casa Batllo, Francis Bernard.

Figue. 7 - Façade de la Casa Batllo, Francis Bernard.

Figue. 8 - Thaïs, Emmanuel Villanis, 1890, Bronze, 55 cm. Hickmet Beaux-Arts ©.

Figue. 9 - Lucrezia, Emmanuel Villanis, 1890, Bronze, 53 cm. Hickmet Beaux-Arts ©.

Figue. 10 - repos, Pierre Puvis de Chavannes, 1863, huile sur toile, 108,5 x 148 cm. National Gallery of Art, Washington. Collection de Widener.

Figue. 11 - Travailler, Pierre Puvis de Chavannes, 1863, huile sur toile, 108,5 x 148 cm. National Gallery of Art, Washington. Collection de Widener.

Figue. 12 - Le Fils prodigue, Pierre Puvis de Chavannes, probablement à partir de 1879, L'huile de lin sur, 106,5 x 146,7 cm. National Gallery of Art, Washington. Chester Dale Collection.

Figue. 13 - Edvard Munch: vampiro II, 1895-1902, Lithographie, 380-387 x 550-560 mm. Musée Munch, Oslo. Photo © Musée Munch.

Figue. 14 - Edvard Munch: séparation, 1896, huile sur toile, 96,5 x 127 cm. Musée Munch, Oslo. Photo © Musée Munch.

Figue. 15 - Pandora, Odilon Redon, 1910-1912, huile sur toile, 143,5 x 62,9 cm. National Gallery of Art, Washington. Chester Dale Collection.

Figue. 16 - San Sebastian, Odilon Redon, 1910-1912, huile sur toile, 144 x 62,5 cm. National Gallery of Art, Washington. Chester Dale Collection.

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