Art moderne - Expressionnisme par Rosangela Vig

Vous pouvez également entendre cet article dans sa propre voix artiste Rosangela Vig:

Fin du monde

Le chapeau vole de la tête du citoyen,
En tout air tollé si gronde.
Les couvreurs tombent et voler en éclats
Et sur le dos - il lit - la marée monte.

La tempête est venue, sauter au sol
mers sauvages écrasantes grands barrages.
La plupart des gens ont un nez qui coule.
Les trains se précipitent les ponts.
(HODDIS à HOMME DUR, 2009, p.256)

La scène décrite dans la poésie est inquiétante, traduit l'idée de désintégration, la mort et la destruction. Le scénario effrayant suscite des sentiments de peur dans le chaos et la tragédie. Weltende était le nom, allemand, pour le poème le plus important Expressionnisme. auteur, Jacob Van Hoddis (1887-1942) Il était juif et il est mort dans un camp d'extermination nazi.

Écrit en 1911, le poème feuilles exposées à la désorientation et la terreur, un temps apocalyptique. Le langage figuré et le pessimisme sont les maîtres mots de ce texte et ont été les principales caractéristiques de l'expressionnisme. Opposant à la positiviste des Impressionnistes, le mouvement reflète un regard de poètes sur la société moderne de l'époque, les guerres et l'industrialisation. Il était clair que le caractère politique et le contenu social révolutionnaire.

Le mouvement a été l'une de l'avant-garde européenne du début du XXe siècle et son origine en Allemagne, entre 1904 et 1905, na Peinture. Quatre étudiants en architecture ont formé un groupe appelé le Bruke (le pont). En réaction à Impressionnisme, inspiré dans l'art africain et l'art de l'Océanie, le groupe a osé exposer ses œuvres dans les préoccupations de l'être humain. Et rien ne fut plus inquiétant que la première moitié de ce siècle, au milieu d'un contexte historique troublé marqué par deux grandes guerres mondiales, la révolution russe, par le fascisme en Italie et du nazisme en Allemagne.

Il est dans ce scénario inquiétant que l'expressionnisme manifeste dans le domaine des arts, changer et réarranger les formes connues, donnant la priorité la subjectivité de la réalité.

Architecture

L'idée de la grandeur était la grande trace de l'architecture moderniste. Influencé par les architectes en grande partie Henry Van de Velde (1863-1957), Antoni Gaudí (1852-1926) e Joseph Maria Olbrich (1867-1908) et aussi par mouvement L'artisanat de William Morris (1834-1896), l'architecture de cette période ¹ Il devait marquer l'excentricité.

Les matériaux tels que la brique, verre et d'acier ont été largement utilisés dans la construction et a eu un intérêt pour le subjectivisme et la fonctionnalité. Aux fins de la production à grande échelle de ces matériaux et aussi d'intégrer les arts décoratifs et l'artisanat, professionnels, entrepreneurs, architectes et designers fondée en Octobre 1907, la Fédération allemande du Travail, Deutsche Werkbund, premier mouvement inspiré par l'Art Nouveau (Art Nouveau) populaire en Allemagne du temps. Le groupe visait à ajouter l'industrie à l'architecture, par le travail, professionalisation et de l'éducation. Modernity doit être inséré dans la conception architecturale. Ils faisaient partie que les architectes du groupe Peter Behrens (1868-1940), Walter Gropius (1883-1969) e Mies van der Rohe (1886-1969). D'autres groupes ont ensuite formé comme l'école d'Amsterdam bien connu, à 1915.

Fondée en 1919, Allemagne, par Walter Gropius, le Bauhaus a été le premier et le plus influent de l'école d'avant-garde du monde, dans le domaine des beaux-arts, Conception et architecture. Une grande partie de ce qui a été produit à l'école a été vendu dans la période de la Seconde Guerre mondiale. Servant de référence pour la grande patrimoine architectural du monde, Bauhaus est venu de changer l'adresse en raison de problèmes politiques et a été fermé en 1933 à cause des persécutions nazies. artistes et grands bien connus et les architectes de l'époque est venu enseigner au Bauhaus, dont Paul Klee (1879-1940), Wassily Kandinsky (1866-1944) e Mies Van Der Rohe (1886-1969).

Parmi les bâtiments les plus importants aux modèles Expressionnisme est le cristal Pavillon ² (1914), architecte Bruno Taut (1880-1938), en particulier pour l'exposition de la Fédération allemande du travail, à Cologne, Allemagne. La construction en béton et en verre avait le dôme ovale et la façade ornée de plaques de verre colorées comme des miroirs, avec des variations de couleurs allant du bleu foncé, le vert et a pris fin en jaune, pas Topo. Éclairé par des verres colorés, l'escalier et la chute d'eau à l'intérieur de la tour portant les effets de couleur qui ont provoqué des émotions chez le spectateur, objectif principal du travail, peu de temps après l'exposition, il a été détruit, laissant uniquement des images en noir et blanc.

Conçu par l'architecte Erich Mendelsohn (1887-1953), Einstein a Torre ³ (Figue. 1) est un observatoire astrophysique et laboratoire, les moules construits Expressionnisme. Le travail, situé à la science Albert Einstein Parc, à Potsdam, Allemagne, Il a été utilisé pour des expériences validerait la théorie de la relativité d'Einstein (1879-1955). Il est possible de reconnaître le dynamisme du grand savant dans la construction, avec sa forme en spirale asymétrique, d'images animées. Bien qu'il n'a pas été relié à futurisme italien, la fonction de construction audacieuse est vivante et énergique. La tour atteint impact Exotisme au moment.

Toujours adhéré au style, architectes Hans Poelzig (1869-1936), Hermann Finsterlin (1887-1973), Fritz droit (1877-1949), Hans Scharoun (1893-1972) e Rudolf Steiner (1861-1925).

Sculpture

L'art prend la vie des matières premières, le faire à nouveau, refontes à de nouvelles formes et, absolument indifférent au fait, qu'invente, penser, rêves et maintient entre elle-même et la réalité une barrière infranchissable de beau style, méthode décorative ou idéal. (WILD, 1994, p. 39)

C'est l'esprit inventif et rêveur qui a fini par prendre tant de histoires pour l'art. Il était celui qui a permis à la façon décousue les temps créant ainsi une grande diversité de formes. Les mains de l'ouvrier décrites progressivement cette trajectoire qui a passé le figuratif et l'art moderne était chargé de donner l'autonomie. Et cette liberté l'attribut le plus notable de la sculpture expressionniste.

Parmi les noms qui se démarquent dans ce domaine, Ils sont ceux de Rudolf Belling (1886-1972), Oskar Schlemmer (1888-1943), Otto Freundlich (1878-1943), Ernst Barlach (1870-1938) et Käthe Kollwitz (1867-1945).

Bien que le style a artiste diversifié artiste, tout le monde était commun et il était évident que l'émancipation de la forme et figurative, avec une tendance marquée à la déformation et le mouvement. Ces caractéristiques sont également parmi les plus grands attributs de l'œuvre de Wilhelm Lehmbruck (1881-1919). Ses personnages sont stylisés, forme simple, ils symbolisent l'abandon et de tristesse, souvent au milieu de l'extase et de la folie; Ils semblent se tortiller, mendier et se déplacer avec impatience. Ses figures allongées et solennelles font référence au style gothique et sont presque toujours nus, parfois avec des tissus pieds tomber, révélant une grande partie du corps, maintenant très mince, avec des os en saillie; ora obèses. Votre séance jeunesse (Figue. 2) réfléchie et apathique, il semble consterné, à l'état de démission. Dans lent, geste dramatique, l'impression est que l'image a été prise à un moment donné et la personne se déplace, ou se déplace. Inspiré par les idées du philosophe allemand Friedrich Nietzsche (1844-1900), Il est pas rare de voir le travail de Lehmbruck l'influence des sculpteurs Aristide Maillol (1861-1944) e Auguste Rodin (1840-1917). Les travaux de Lehmbruck est venu à être considéré comme dégénéré et ont été prises dans des collections publiques par le régime nazi. À l'heure actuelle partie des collections des plus grands musées du monde.

Peinture

L'artiste est et reste libre de combiner des éléments abstraits et éléments objectifs, de faire un choix entre la série infinie de formes abstraites ou des objets de matériel que vous fournissez - en d'autres termes, il est libre de choisir ses propres moyens. Ce faisant,, il obéit seulement à son désir intérieur. (KANDINSKY, 1991, p.133)

L'émerveillement et le sentiment apocalyptique sont parmi les impressions que le début du XXe siècle dans la pensée gauche. L'humanité a dû faire face les horreurs de deux guerres mondiales et le nazisme, Je ne pouvais pas avoir une autre interprétation du monde qui n'a pas été le chaos et le désordre. Et cela se reflète dans la vie tourmentée Art par l'expression et la subjectivité. Si la peinture finale du XIXe siècle a été témoin d'un abandon de la réalité, Expressionnisme a consolidé cette tendance au début du XXe siècle. La liberté de l'esprit, mentionné par Kandinsky, dans votre texte ci-dessus, Art a permis d'approcher encore plus la lumière de la pensée et des émotions. distorsions prédominé; le rejet de la perspective et la lumière; et, en particulier une réorganisation des formes connues.

Le groupe le Bruke (le pont) Ce fut la première manifestation, le moule expressionniste, à 1905, avec des peintres Ernst Kirchner (1880-1938), Karl Rottluff (1884-1976), Emil Nolde (1857-1956), Oskar Kokoshka (1886-1980). Plus tard, rejoints par d'autres artistes au groupe qui visaient à rejeter l'académisme. influencé par fauvismo, le mouvement a organisé plusieurs expositions à 1913, année où a officiellement pris fin. Parmi ceux qui ont formé des groupes, encore le suivi Der Blaue Reiter (Le Cavalier Bleu), de 1911, Franz Marc (1880-1916), Wassily Kandinsky (1866-1944), Paul Klee (1879-1940) e Lyonel Feininger (1871-1956). est également impliqué avec les artistes du mouvement Marc Chagall ⁴ (1887-1985), Né en Russie, Soutine (1893-1943), Lituanie; Amedeo Modigliani (1884-1920), Italie; Diego Rivera (1886-1957), Jose Orozco (1883-1949) et David Siqueiros (1896-1974), acteurs mexicains font muralismo; constant Permeke (1886-1952), Belgique; e Georges Rouault (1871-1958), France.

En tant que précurseurs du mouvement expressionniste comprennent également les noms néerlandais Vincent Van Gogh (1853-1890), la spécificité de leur travail, l'utilisation de couleurs pures et la force des coups; et le Norvégien Edvard Munch (1863-1944), qui a également passé symbolisme.

Mélancolie et la dépression, commun dans les œuvres de Munch, accent du Cri (Figue. 4). tenue à 1893, le travail a reçu trois versions et la première a été peinte avant même l'expressionnisme a été reconnu comme un mouvement. Dans le coin inférieur gauche du tableau, trois personnes marchant sur un pont; dont deux un plan plus éloigné et plus, mis en évidence. Avec les mains sur la tête, l'expression de ce caractère est le désespoir ou de détresse, comme le prétend l'aide. Les couleurs chaudes du ciel et une grande partie de l'image semblent contraster avec la couleur bleue de l'eau d'un lac qui fait partie du paysage. Tout au long de la scène, couleurs serpentent, ils enroulent, Ils n'ont pas laissé le mouvement et le mélange. Les formes connues sont déformées, les gens sont anguleux et déformés. La simplification des lignes et l'abandon des formes réalistes dénotent une préoccupation de l'artiste avec l'expression. Et le désespoir qui externalise le caractère reflète la vie de l'artiste, en raison de problèmes psychologiques et familiaux, elle a passé. Le style expressionniste de Munch incarnait l'esprit et a inspiré les artistes du XXe siècle.

Pour certains chercheurs, le style autonome de Amedeo lui fait loin Modigliani de tout mouvement du temps. Cependant, il est possible de reconnaître les traits expressionnistes dans leur forme raffinée de distorsion de la réalité. Des couleurs pures, intense et la réduction de ses caractères angulaires sont parmi les attributs importants de votre travail artistique. Et ceci est la caractéristique la plus notable de son Madamme Kisling (Figue. 7). La rousse femme désemparée, shorthaired, porte une cravate, shirt pull-over et. Son délicat et très mince contraste face avec le regard mélancolique. Femme sur tapis bleu (Figue. 9) Il est parmi plusieurs nudes l'artiste peint. Reclinada, avec le regard triste, elle touche son menton dans le geste réfléchi. Son visage long, langueur et de prostration semblent répéter dans d'autres personnages que l'artiste peint (Figue. 6 et 8). A expressionnistes moules, la simplification de ses lignes est ce qui améliore l'apparence et les gestes pour l'affichage intérieur. L'artiste a le figuratif de domaine, mais son travail est l'essence, l'extériorisation des sentiments.

Pour moi,, donc, le domaine de l'art est séparé de plus en plus le domaine de la nature, jusqu'au jour où je suis venu à se sentir chacun de ces domaines comme totalement indépendant. (KANDINSKY, 1991, p.94)

Final Thoughts

Le sublime est d'être toujours grand; la belle peut aussi être petit; le sublime est d'être toujours simple; la belle peut être blasonné. Une grande taille est aussi sublime que une profondeur, mais cela est accompagné d'un sentiment de frisson et qui est une merveille (…) (SIDE, 1942, p.9)

Pour Kant (1724-1804), le beau travail est associé à plaisir, favorise un sentiment de tranquillité, par internee; le travail sublime, de l'autre côté, tracasser, et est déstabilisant repaires. Et Expressionnisme en accord avec la sublimité, l'impact qui a causé la soumission des formulaires; étonnement démonstration intense d'émotions. Il est également dû à la sublimité de sa nature; l'utilisation de couleurs vives; distorsions; et échapper à la réalité, caractéristiques qui ont été parmi les principaux attributs du mouvement.

Dans les traits expressionnistes ont été exposés plus que la vision intérieure de l'artiste, mais, en particulier les souffrances d'une période apocalyptique qui fait face aux horreurs de deux guerres mondiales. Le mouvement imprégnait le domaine de la musique, danse, Cinéma et Photographie et a également adopté la littérature, les moules de la poésie commence ce texte. Dans les années 30, radicalisme nazi mit fin à la Expressionnisme, Allemagne, mais son influence est indéniable aux artistes et aux mouvements qui ont suivi après la seconde moitié du XXe siècle.

ambiance, dire est que Art devraient jouer leur propre rôle, descomprometida, mode libre. La seule responsabilité de l'artiste est à son intérieur; il convient de laisser les émotions de surface sous la forme qui vous convient, pour que l'art de rendre votre histoire. Et il est un texte de réflexion,

Loin de la réalité, (…) Art révèle la perfection elle-même, et la foule bâillait, l'observation de la merveilleuse épidémie de rose d'innombrables pétales, Il avoue être son propre que raconter et vous permettez que il est exprimé d'une manière nouvelle! (WILD, 1994, p.54)

¹ Vidéo sur l'architecture expressionniste:
www.youtube.com / watch?v = FO3ToFMGQns

² Vidéo du cristal Pavillon 1914:
www.youtube.com / watch?v = 1VeNxaHivHQ

³ Vidéo à propos de Einstein Tour Valter Gropius:
www.youtube.com / watch?v = nZsbmkGAZ_0

⁴ Musée Marc Chagall - Site officiel:
en.musees-nationaux-alpesmaritimes.fr/chagall

Références:

1. BAYER, Raymond. Histoire de l'esthétique. Lisbonne: Stamp éditoriale, 1993. Traduction de José Saramago.
2. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; CLAIRON, Caroline; MACK, Lorrie. Ilustrada de História da Arte. Sao Paulo: Publifolha, 2014.
3. FARTHING, Stephen. All About Art. Rio de Janeiro: Sextant, 2011.
4. Gombrich, E.H. Histoire de l'art. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
5. GRIMM, Reinhold; CHASSE, Irmgard. 20ème siècle allemand Poésie. New York: Continuum International Publishing Group Inc., 2001.
6. HOMME DUR, Francisco pied. La Revanche des Hiléia, da Cunha, Amazon et Littérature moderne. Sao Paulo: Editora UNESP, 2009.
7. HAUSER, Arnold. Histoire sociale de l'art et de la littérature. Sao Paulo: Martins Fontes, 2003.
8. KANDINSKY, Wassily. Aperçu du passé. Sao Paulo: Et. Martins Fontes, 1991.
9. SIDE, Emmanuel. La Belle et la Sublime. Pôrto:Librairie Education Ltd.. 1942.
10. PROENÇA, Gratuit. Découvrir l'histoire de l'art. Sao Paulo: Routledge, 2005.
11. WILD, Oscar. La décadence du mensonge. Rio de Janeiro: Imago Editora Ltda, 1994.

Comme figuras:

Figue. 1 - Torre Einstein, Erich Mendelsohn, 1924. Photos: Kate Brown Peeples.

Figue. 2 - assis jeune, Wilhelm Lehmbruck, 1917, composé de plâtre coloré, 103.2 x 76.2 x 115.5 cm. National Gallery of Art, Washington. Fundo Andrew W. Mellon.

Figue. 3 - femme debout, Wilhelm Lehmbruck, 1910, Bronze, 191.2 x 54 x 39.9 cm. National Gallery of Art, Washington. Ailsa Mellon Bruce Fonds.

Figue. 4 - Edvard Munch: le Cri, 1910, Tempera et huile sur carton, 83,5 x 66 cm. Musée Munch, Oslo. Photo © Musée Munch.

Figue. 5 - Edvard Munch: Madone, 1895/1902, Lithographie, 605 x 442-447 mm. Musée Munch, Oslo. Photo © Musée Munch.

Figue. 6 - Gypsy Woman avec bébé, Amedeo Modigliani, 1919, huile sur toile, 115.9 x 73 cm. National Gallery of Art, Washington. Chester Dale Collection.

Figue. 7 - madamme Kisling, Amedeo Modigliani, 1917, huile sur toile, 46,2 x 33,2 cm. National Gallery of Art, Washington. Chester Dale Collection.

Figue. 8 - Adrienne (Femme avec Bangs), Amedeo Modigliani, 1917, L'huile de lin sur, 55.3 x 38.1 cm. National Gallery of Art, Washington. Chester Dale Collection.

Figue. 9 - Nue sur coussin bleu, Amedeo Modigliani, 1917, L'huile de lin sur, 65.4 x 100.9 cm. National Gallery of Art, Washington. Chester Dale Collection.

Figue. 10 - Salle de bal Bellevue, Ernst Ludwig Kirchner, 1909/1910, huile sur toile, 56 x 90 cm. National Gallery of Art, Washington. Ruth et Jacob Kainen Collection, Cadeau en l'honneur du 50e anniversaire de la National Gallery of Art.

Figue. 11 - Les chiens de Sibérie neige, Franz Marc, 1909/1910, huile sur toile, 80,5 x 114 cm. National Gallery of Art, Washington. cadeau M.. e Mme. Stephen M. Kellen.

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