Art moderne - Abstraction par Rosangela Vig

Vous pouvez également entendre cet article dans sa propre voix artiste Rosangela Vig:

Alumbramento
J'ai vu les cieux! J'ai vu les cieux!
Ah cette blancheur angélique
Pas pejos triste et sans voiles!

Pas un nuage d'amertume
Est l'âme dérangent.
Et je me sens belle… et se sentir pur…

Eu vi pas! Eu vi pas!
Oh, la cristallisation de la brume
A amortalhar, clignotant!
(DRAPEAU, 2008, p.51)

Peut-être quand l'artiste ferme le regard l'art pénètre dans les profondeurs de son âme. C'est quand votre esprit vagabonde. il déclenche alors un affrontement entre le monde réel, celle de découragement, mélancolie et rugueux; et le monde de comprazimento et de ravissement que seul le rêve est connu. Peut-être alors que naît l'art pur, articulations libres de la vie réelle et le temps et les tempêtes qui insistent etendre sur nos âmes. Seul pur Art mène l'esprit dans une frénésie, une falaise d'émotions ou une augmentation des impressions qui étaient souvent cachés dans l'âme. L'artiste est celui qui découvre la voie à ces arrêts secrets. L'esprit libre flotte par ces creux et se complaît dans les émotions et la joie. C'est peut-être le rôle le plus important du Art.

Cette pureté des idées peut être sous la forme ou la couleur; sous des représentations réalistes, surréaliste ou abstraite et présente la réalité sous le regard de l'artiste. Le art abstrait passe par ces chemins, au-delà du réel, à la réalité de l'œil de l'âme et des significations intrinsèques. Cette forme d'expression desrealiza le monde connu; flotte librement dans les domaines de la forme et de la couleur, comment jouer les notes d'une chanson; comme pour se tenir dans un écran de l'aube, les formes et les couleurs à l'état pur. Ali nuances émergent, il mélange, fanent comme les pétales de fleurs épanouies, une blague sans fin et intéressant.

Dans le cadre d'Art Moderne, au début du XXe siècle, l'art abstrait a pris forme et a continué jusqu'à nos jours, comme un style révolutionnaire et transformateur. Avant la Première Guerre mondiale, l'aube dans plusieurs abstractionnisme pays, comme un moyen d'explorer tout le potentiel de la couleur et la forme, de la réalité.

épisodes historiques importants ont marqué la première moitié du XXe siècle. L'Europe a vu la naissance de l'Union soviétique communiste; le monde a souffert de la Première et de la Seconde Guerre mondiale; le krach de la Bourse de New York, à 1929, Il a conduit à la Grande Dépression. Parmi les changements de la période, La société européenne a appris à compter sur une grande échelle avec les femmes sur le marché du travail, pour remplacer les hommes qui ont été appelés à la guerre. Le système de la famille pendant tant d'années a été difficile et modifié, même après la guerre, les femmes ont continué à travailler. A Art Il est adapté à ce nouveau style de vie et de se faire avancer la modernité.

Architecture

Notre temps a besoin de sa propre
forme… sa propre manifestation.
(Gerrit Rietveld à GLANCEY, 2012, p. 177)

Le Strode moderne et les innovations apportées à l'architecture, pour la décennie 30. Suite à la société du temps, les changements les plus importants étaient dus à la recherche de la simplicité, par la fonctionnalité et par un détachement de l'ornementation. La géométrie et abstraction appliquée à la peinture sont venus d'un grand intérêt dans la décoration intérieure, avec des formes simples et des lignes droites.

Cependant, ces nouveaux modèles architecturaux étaient accessibles uniquement aux clients fortunés. les masses, même avant la Seconde Guerre mondiale, Ils avaient tendance à être plus conservateurs. Mais le fait est que la destruction incalculables dans toute l'Europe, pendant les guerres, Il a conduit à la nécessité de construire des maisons en quantité, rapidement et efficacement. Les architectes intègrent toujours le défi de la construction de logements pour les travailleurs, que la qualité de vie offerte, avec des jardins et du soleil.

De nouvelles conceptions de design et d'architecture sont aussi très répandues dans la revue De Stijl (Le Style), fondé en 1917, por Theo van Doesburg (1833-1931); Piet Mondrian (1872-1944); e Georges Vantongerloo (1886-1965). Le but du magazine est de diffuser une esthétique qui a approché la perfection et l'harmonie spirituelle; en plus de promouvoir l'utilisation de nouvelles formes et couleurs primaires pour le jour à des objets de jour.

L'architecte néerlandais et Gerrit Rietveld Designer (1888-1964), Fondateur de l'architecture moderne Congrès international, Nous sommes venus à faire partie du magazine pour lequel même écrit 1928 et il a été le premier à appliquer les principes du magazine dans son style. Sa préoccupation se tourne vers la vie sociale, avec une production moyenne accessible, standardisé, qui utilise de nouveaux matériaux. Un exemple de flexibilité dans les espaces domestiques est la Casa Rietveld Schröder ¹ (Chiffres 1 et 2), architecte, construit en 1924, dans la ville d'Utrecht, Hollande, selon les concepts de mouvement De Stijl. La construction, icône architecture moderniste, Il a obtenu en 2000, Statut du site du patrimoine mondial par l'UNESCO.

Il se peut que la façade de la maison ressemble d'abord une œuvre d'art ou d'un tableau de Mondrian, avec ses lignes droites, carrés et des rectangles superposé, en gris et blanc, des lignes droites de laquelle se dressent en noir et rouge. Atténuation de la géométrie de la construction, les plantes semblent compléter cette fusion de couleurs, la mesure correcte. Fait un cube, deux étages, stands de maison, entre autre rue. Et si l'extérieur de la maison ressemble à une œuvre d'art, Son intérieur est pas différent. Les couleurs et la géométrie sont présents dans tous les environnements et est l'utilisation notable de chaque espace et chaque coin, équitablement, la mesure correcte.

Le travail le plus connu est le Rietveld Rouge et Blue Chair, la "Red-Blue Président" ² exposée au MoMA, à New York City. L'objet décoratif propose l'utilisation de lignes droites, Les lignes et les couleurs aussi dans les meubles. Avec siège bleu et rouge arrière, la chaise a une structure et des bras peint des poutres en bois de noir mince. L'utilisation rationnelle de la vie bleu et rouge contraste avec la gravité des lignes structurelles, ce qui améliore en quelque sorte la connexion avec la modernité et l'art.

I Vienne, entre 1919 et 1933, Ils ont été construits 66.000 boîtier, sous la direction de l'architecte Karl Ehn (1884-1959). Beaucoup de ces maisons étaient petites, construit en banlieue avec jardin, apporté le modèle de l'Angleterre. Avec des propositions plus audacieuses, villes néerlandaises d'Amsterdam et de Rotterdam ont également rejoint les programmes de logement de masse.

Dans le domaine de l'architecture, il est toujours important de se rappeler le concept de simplification et quelques détails, das Å“uvres de Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969); le souci de la lumière de Le Corbusier (1887-1965); ou la fonctionnalité des Å“uvres de Walter Gropius (1883-1969), fondateur du Bauhaus ³ et pionnier de l'architecture moderne.

La dissemblance externe plus grand devient la plus grande similitude dans les.
(KANDINSKY, 1991, p. 125)

Sculpture

grande liberté, illimité aux yeux de certains, qui nous permet d'entendre la voix de l'esprit, nous voyons manifeste dans les choses avec une force particulière, utilisera progressivement, et utilise déjà tous les domaines spirituels que leurs instruments (…).
(KANDINSKY, p. 125, 1991)

La suppression du réalisme est la marque phare de Résumé Esthétique. Dans le domaine de la sculpture, illimité et la liberté ont également été associés aux lignes simples, rationalisme, les formes organiques et l'utilisation de matériaux différents.

Ils ont été parmi les grands noms de l'époque, les sculpteurs Constantin Brancusi (1876-1957), Henry Moore (1898-1986) et Jorge Oteiza ⁴ (1908-2003).

Avec des Å“uvres dans plusieurs pays, Britannique Henry Moore Å“uvres produites en grande et est venu à être influencée par divers aspects de l'art moderne, Au début du XXe siècle et Constantin Brancusi. Le résumé de Moore a reçu des incursions réalistes, modifiée par des distorsions, comme si les images étaient organiques, ouvert, avec des mouvements, gestes et ondulations. La légèreté de son travail vient de l'inspiration dans les formes de la nature et de soins de l'adaptation aux environnements dans lesquels faisaient partie. Son style a été imprimé sur ses personnages couchés ⁵, connu par la façon dont l'artiste a exposé le corps, sans les détails d'impression. Les travaux semblent silencieux, avec des gestes lents, à reposer sur une surface imaginaire.

Autodidacte, Jorge Oteiza (1908-2003) a commencé en Sculpture, sous l'influence de l'expressionnisme, mais son style a acquis des raids abstraits dans les années 50, après le contact avec l'œuvre de Henry Moore. L'inspiration chez les peintres abstraits a conduit à l'idée de formes géométriques Oteiza vides. Sa série « boîtes vides » a émergé dans ce contexte, entre les années 1957 et 1958. Parmi les prix de l'artiste, on était à São Paulo Biennale, à 1957. Garder la précision du volume, l'artiste a exposé les formes connues, en les réduisant à leurs lignes extérieures, comme si elles étaient creuses.

La popularité des ESCULTURES et concessionnaires est venu avec l'occupation des espaces publics, comme les parcs et les trottoirs, comme un élément décoratif similaire à ce qui est arrivé à la Renaissance.

Peinture

Bleu, la rose bleue, rose et fell.
Le sharp, ou jusqu'à ce que sibilou et fez si l'intrus, mais pas percé.
Dans chaque coin et recoin de chose a résonné.
Le brun épais a été suspendue, apparemment pour tous l'éternité
Apparemment. Apparemment.
(KANDINSKY, 1991, p. 163)

Rien n'est plus enivrant que le moment où le travail est généré. Cet enthousiasme est perceptible dans la citation Kandinsky (1866-1944) et montre que, En plus de la peinture, l'artiste était aussi habile avec les mots. Ses œuvres révèlent un lien fort avec la musique, où il vient une grande partie de son inspiration. Pour les couleurs Kandinsky et le mouvement d'une œuvre est liée à la musique. Fait mélodie regarder, ses peintures se sont distancés du figuratif comme la cohérence artistique démontrée et la maturité. Et le champ de l'abstraction était où Kandinsky Art-Musique réglé.

L'idée de distanciation de la réalité qui a été vécue par les artistes depuis la fin du XIXe siècle, avec le fauvismo et l' expressionnisme, Elle est consolidée Cubisme, que les portes ouvertes à l'art abstrait. La peinture est venue à être une représentation subjective de l'idée que l'artiste avait des choses et du monde. Les premiers travaux ont émergé de 1910 et, à ce jour, l'art abstrait défie regard, à tourner vers l'intérieur et le champ des sensations.

Toujours sous l'influence de l'expressionnisme, dans les premières décennies du XXe siècle, ont été soulevées dans l'Allemagne mouvements importants qui ont abouti à l'art abstrait. Y compris le pont (le pont), à 1905; et le chevalier bleu (Der Blaue Reiter) à 1911, qui faisait partie Wassily Kandinsky (1866-1944), juntamente com Alexej von Jawlensky (1864-1941, Franz Marc (1880-1916), août Macke (1887-1914), Paul Klee (1879-1940), e Marianne De Werefkin (1860-1938). Sous l'influence de l'expressionnisme et le groupe The Blue Rider, est né le désir d'un art qui a approché l'âme et le champ des sensations de l'artiste. L'abstraction lyrique ou informelle fondit, influencé par l'expressionnisme, par fauvisme et ayant Kandinsky comme son plus représentatif. forte inspiration dans la rigueur mathématique et la rationalité du cubisme et futurisme, Il est également formée d'un second groupe, Ou Abstracionismo Géométrique. À la suite de la pensée rationnelle, le groupe se lance dans le monde entier dans divers aspects, y compris suprématisme russe avec Malevitch (1879-1935); ou neoplasticismo, Magazine connecté à De Stijl, comme Piet Mondrian (1872-1944) e Theo van Doesburg (1833-1931), na Holanda; constructivisme, De plus en Russie; ou Concretismo, avec le projet de loi suisse Max (1908-1994); et néo-concrétisme, no Brasil, avec Hélio Oiticica (1937-1980) et Lygia Clark (1920-1988).

Il est difficile de ne pas se connecter à Kandinsky Art of Music. Na figura 5, Vous pouvez percevoir les sons des notes de musique de son orchestre coloré, le centre d'une scène imaginaire. Éclairé par des projecteurs, les lignes noires se coupent l'espace, courber vers le haut dans les milieux colorés, translúcidos, qui a également la transposition. La scène semble bruits de question délicate, chaque mouvement. Il est compréhensible que son art approche d'un contenu plus intériorisée, face à l'esprit, à une meilleure compréhension.

Avec une palette de couleurs plus petites, la carte pour l'exposition du Bauhaus (Figue. 6) également présenté avec des lignes droites, par opposition aux cercles colorés. De vos articulations, émerger de nouvelles formes pleines ou vides, chacun est juxtaposé à l'autre. Dans sa complaisance, l'image vient à la vie et les sons provenant de cloches sont alignés à temps et le mouvement.

Les tons verts de la nature se disputent l'espace dans la ville de Paul Klee (Figue. 10). Vous pouvez reconnaître les branches et les cimes des arbres au milieu de la ville, comme si les champs de couleur étaient dans une tentative intense d'étendre ses bras large. Ses formes ne sont pas définies semblent compresser sur fond blanc.

Plus loin encore dans le champ de la réalité, le mouvement Suprematist exploré les formes géométriques pures, comment était le travail de Malevitch ⁶. La logique dans son travail consistait à disposer des cercles, triangles, carrés et des rectangles en vif, sur fond blanc. parfois, chevauchement, parfois accommodé done casse-tête, les formes se emboîtent d'une manière cohérente dans l'espace vide, s'y adapter.

Il est probable que l'âme de l'artiste pénètre chaque travail et voyage, feignant de ne pas être là. Taciturne et compenetrado, il vous convient personnellement images, enterrement silencieux. Le seul bruit que vous entendez est la sonnerie des moyens en contact avec des couleurs.

Final Thoughts

La liberté est exprimée dans l'esprit de l'effort de se libérer des formes qui ont déjà rempli son rôle - les anciennes méthodes - et de créer d'eux, de nouvelles formes, une infinité de.
(KANDINSKY, p. 121, 1991)

Dans le sol fertile de l'écran de l'aube, l'autonomie de l'artiste est autorisé à agir et pour elle d'avoir ce qui était le plus pur, Art dans le domaine. Là, il a travaillé avec les couleurs et les formes de manière émancipé, mature et intelligente, comme jamais auparavant. La créativité entré dans l'espace disponible, le droit de parler pour lui-même, réassembler ce qui était le plus beau dans l'esprit. L'enthousiasme intense déclenché à cette époque a permis à l'Art a acquis ses propres caractéristiques. Kandinsky à la « plus grande dissemblance externe devient la plus grande ressemblance à l'intérieur » (p. 125, 1991).

Le résultat de cette liberté, cette recherche intérieure est l'exploration de nouveaux champs, Il est le trafic pour les directions indéfinies, et, particulièrement les voyages où seul l'esprit déterminer, entre les couleurs qui sont nés et fading; émergents et faceiras de déversement, maintenant en retraite, avancer soit, un jeu amusant qui ne finit jamais. Il doit être pur Art; Il doit être pur et éclairé l'âme des exploits; et devrait être libre goût.

Traiter se produit lorsque la cible de l'espace de l'écran devient invitant et insinuant. C'est là l'art parle pour lui-même, Il se distingue de la réalité inhumaine et transite de nouvelles directions. Il est possible que ce moment est de déclencher les mêmes émotions que l'artiste se sentait l'enthousiasme intense pour sa création. Profitez est imprégnant le travail, voir son monde intérieur qu'il y avait imprimé, Il sent qu'il sent, profiter de son goût et entendre ses sons en écho.

Sur scène, crépuscule bleu foncé, hors de principe, après un bleu foncé intense. Après un certain temps, on commence à voir au milieu de la scène, une petite lumière, qui devient plus vivant lorsque le bleu foncé. Après un certain temps, Orchestre de musique. pause.

Derrière la scène commence à entendre un chœur arrangé pour qu'il ne peut pas localiser l'endroit où le coin a. Entendre les voix principalement faible. Le chant est régulier, perturbateur indiqué par des points.
(KANDINSKY, p. 145, 1991)

¹ Vidéo de l'extérieur et à l'intérieur de la maison Rietveld Schroder:
www.youtube.com / watch?v = r0tvx6rA1os

² vidéos youtube de chaise Rietveld:
www.youtube.com / watch?v = VocMPhETkdM
www.youtube.com / watch?v = GsyaaG_95bg

³ Lien sur le Bauhaus, Visitez l'UNESCO, par Yaromir:
visitunescobyyaromir.blogspot.com/2016/06/bauhaus.html

⁴ Jorge Oteiza Musée:
www.museooteiza.org/

Jorge Oteiza vidéo:
www.youtube.com / watch?v = vjhgJOJfDYg

⁵ Figure Reclining, Henry Moore, aucun musée Tate:
www.tate.org.uk/art/research-publications/henry-moore/henry-moore-om-ch-reclining-figure-r1172012

⁶ Malevitch vidéo sur l'Académie royale des Arts:
www.youtube.com / watch?v = e3YS6uZ87Ec

Références:

1. DRAPEAU, Manuel. Drapeau de poche, Une anthologie poétique. Porto Alegre: L&PM Pocket, 2008.
2. BAYER, Raymond. Histoire de l'esthétique. Lisbonne: Stamp éditoriale, 1993. Traduction de José Saramago.
3. Bystrina, Ivan. Sémiotique de la culture Sujets, Salles de classe Yvan Bystrina. PUC - SP,CISC (Centre de recherche interdisciplinaire en Sémiotique de la culture et des médias). Sao Paulo: PRE-PRINT. Traduction Norval Baitello junior et Sonia B.Castino, 1995.
4. CALVINO, Italo. Pourquoi lire Clássicos. 2^et. édition. Sao Paulo: Companhia das Letras, 1993. Nilson Moulin Traduction.
5. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; CLAIRON, Caroline; MACK, Lorrie. Ilustrada de História da Arte. Sao Paulo: Publifolha, 2014.
6. EAGLETON, Terry. L'idée de la culture. Sao Paulo: Editora UNESP, 2005.
7. FARTHING, Stephen. All About Art. Rio de Janeiro: Sextant, 2011.
8. GASSET, José Ortega y. L'art de l'humanisation. 5 et. Édition. Sao Paulo: Et. Cortez, 2005.
9. GLANCEY, Jonathan. Histoire de l'architecture. Sao Paulo: Loyola, 2012.
10. GOLDING, John. des concepts d'art moderne. Rio de Janeiro: Jorge Zahar éditeur, 1991.
11. Gombrich, E.H. Histoire de l'art. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
12. HAUSER, Arnold. Histoire sociale de l'art et de la littérature. Sao Paulo: Martins Fontes, 2003.
13. KANDINSKY, Wassily. Aperçu du passé. Sao Paulo: Librairie Martins Editora Ltda Fontes. 1991.
14. SIDE, Emmanuel. La Belle et la Sublime. Pôrto: Librairie Education Ltd.. 1942.
15. MEIRELES, Cecilia. Spectres. Sao Paulo: Éditeur mondial, 2013.
16. PROENÇA, Gratuit. Découvrir l'histoire de l'art. Sao Paulo: Routledge, 2005.

Comme figuras:

Figue. 1 - Casa Schröder de Rietveld, Yaro Mir, Visite de l'UNESCO par Yaromir.

Figue. 2 - Casa Schröder de Rietveld, Yaro Mir, Visite de l'UNESCO par Yaromir.

Figue. 3 - Maison Schröder de Rietveld, @holandesando, Site Web: holandesando.com/casa-rietveld-schroder/.

Figue. 4 - Vasily Kandinsky, Petite peinture avec jaune (improvisation), 1914, huile sur toile, 31 x 39 5/8 pouces (78.7 x 100.6 cm) encadré: 32 3/4 x 41 1/2 x 2 1/2 pouces (83.2 x 105.4 x 6.4 cm). Philadelphia Museum of Art, Louise et Walter Arensberg Collection, 1950-134-103.

Figue. 5 - Vasily Kandinsky, Les cercles dans un cercle, 1923, huile sur toile, 38 7/8 x 37 5/8 pouces (98.7 x 95.6 cm) encadré: 44 1/4 × 43 1/8 × 2 3/4 pouces (112.4 × 109.5 × 7 cm). Philadelphia Museum of Art, Louise et Walter Arensberg Collection, 1950-134-104.

Figue. 6 - Vasily Kandinsky, numéro de message 3, L'exposition au Bauhaus, Weimar, Juillet-Septembre 1923, Lithographie couleur, Image: 5 3/8 x 3 3/4 pouces (13.7 x 9.5 cm) feuille: 5 15/16 x 4 1/4 pouces (15.1 x 10.8 cm). Philadelphia Museum of Art, Présent Carl Zigrosser, 1974-179-100.

Figue. 7 - Paul Klee, Composition avec les figures, 1915, Et un stylo aquarelle et encre sur papier marouflé sur carton, feuille: 10.16 × 12.7 cm (4 × 5 dans.) monter: 10.8 × 13.02 cm (4 1/4 × 5 1/8 dans.). National Gallery of Art, Washington. Collection de Monsieur. et Mme. Paul Mellon.

Figue. 8 - Paul Klee, Ludwigstrasse, 1912, Plume et encre noire avec lavis sur papier crème, placé en carton, Générales: 9.9 x 19 cm (3 7/8 x 7 1/2 dans.). National Gallery of Art, Washington. Presente de Benjamin et Lillian Hertzberg.

Figue. 9 - Paul Klee, rossignols Perses, 1917, Gouache, Aquarelle, l'encre noire sur mine sur papier, monté sur carton; feuille brodé sur le dessus avec une bande de papier jaune monté pour appuyer, Générales: 22.8 x 18.1 cm (9 x 7 1/8 dans.). National Gallery of Art, Washington. Presente de Catherine Gamble Curran et famille, en l'honneur du 50e anniversaire de la National Gallery of Art.

Figue. 10 - Paul Klee, arbre architecture РRitmos, 1920, Huile sur papier, G̩n̩rales: 27.9 x 38.3 cm (11 x 15 1/16 dans.). National Gallery of Art, Washington. Presente de Benjamin et Lillian Hertzberg.

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