Las primeras huellas de Arte Moderno - simbolismo de Rosangela Vig

También se puede escuchar este artículo en su propia voz artista Rosangela Vig:

Cuando loca Ismalía,
Se puso a la torre de soñar…
Vimos una luna en el cielo,
Vimos otra luna en el mar.

En el sueño que se había perdido,
Todo bañado en luz de la luna…
Quería ascender al cielo,
Yo quería ir hacia el mar…

Y, en su locura,
La torre se puso a cantar…
Era cerca del cielo,
Era muy lejos del mar…

Y como un ángel colgado
Alas para volar…
Yo quería la luna del cielo,
Yo quería el mar Luna…

Las alas que Dios le dio
par de Ruflaram en el par de…
Su alma ascendió al cielo,
Su cuerpo cayó por la borda…
(Alphonsus de Guimaraens con MOISÉS, 2000, pp.331-332)

Ismalía es uno de los más bellos poemas de Alphonsus de Guimaraens (1870-1921), el gran poeta del simbolismo de Brasil. El texto implica emociones y se acerca a los sentidos. Las imágenes son sueño, la muerte es el sujeto y el lenguaje, muy cerca de la música, es fluida, llena de aliteraciones. Na Literatura, Simbolismo surgió a finales del siglo XIX, en Francia, ideales inspirada Romanticismo; a diferencia de realismo y el naturalismo y la hizo subir a los estados de ánimo. Entre los nombres más relevantes, son los poetas franceses Stephane Mallarme (1841-1898); y Charles Baudelaire (1821-1867) que, aunque ya no estaba vivo cuando simbolismo se consolidó en Francia, Se creó como un pre-simbolista y lo más importante movimiento.

Así fue en la literatura, por lo que era en el arte. El estilo ha impregnado las manifestaciones artísticas, entre 1880 y 1910, trayendo más encantos y de historias para Arte. En este campo, la imaginación del arquitecto corrió allá de lo visible, Sondeó el subconsciente y el mundo de los sueños, el tema de trabajo del Interpretación de los Sueños, de Sigmund Freud (1856-1939), el creador del psicoanálisis. El libro de, publicado en 1899, Se despertó el interés en toda Europa y se hizo eco de las Artes.

El Art Nouveau, que reunió más belleza a la Arquitectura y Diseño, de alguna manera también sirvió como inspiración para los simbolistas, a pesar de que se oponen a la prosperidad y la abundancia que el nuevo estilo propuesto.

Arquitectura y Diseño

Art Nouveau

Queremos viajar sin vapor y sin vela!
Hacer para acabar con el aburrimiento de la cárcel
Para nuestro pase alma, tieso como una pantalla,
Horizontes de amor, nuestras memorias.
(BAUDELAIRE, p.151, 2006)

La exactitud de las palabras anteriores puede desentrañar con razón, un artista de corazón. Es muy posible que el genio creativo navegar por aguas turbulentas, desprendido, suelto, cruzar direcciones desconocidas. Y el alma soberana del obrero se embarcó en estas rutas inquietas, traer más encanto de la arquitectura de finales del siglo XIX. Fue visto, en el momento, una ruptura con el pasado y un despertar a la nueva. La tendencia que trajo aire fresco se acercaba al mundo de los sueños y encanto. Francia vio el nacimiento Art Nouveau, estilo que eventualmente seguido por otros países europeos, en efecto a partir de 1880 y 1920. O exotismo Nouveau Se moderniza el diseño y promovió un florecimiento de las artes decorativas y la arquitectura. La modernidad acompañada estilo, la industrialización y el crecimiento de la burguesía, haciendo uso de materiales como el hierro, vidrio y cemento. En cuanto a cómo, servido como fuente de inspiración, la naturaleza, flores y animales.

A diferencia de lo que hasta ahora ha visto, el nuevo estilo, en gran parte, Tuvo sus orígenes en las artes gráficas. Pero también hay que recordar la influencia del arte y objetos japoneses; y las líneas de movimiento Inglés Artes y manualidades de William Morris ¹ (1834-1896).

Un hito para la Art Nouveau la apertura fue, en 1895, Tienda Casa del Arte Nouveau (Casa del Arte Nouveau), el distribuidor colector y el arte, Siegfried Bing (1838-1905). El proyecto de la casa Bing fue presentado en la Exposición Universal 1889. La tienda había en su interior diseñado por el arquitecto Henry van de Velde (1863-1957). En medio de los ambientes refinados, diseñadores famosos, había pinturas y carteles de artistas importantes como Toulouse-Lautrec (1864-1901), Paul Signac (1863-1935) e Munch (1863-1944); tela diseñado por William Morris; Además de los objetos Louis Comfort Tiffany (1848-1933), artista y diseñador conocido por su trabajo con vidrios de colores. Recibieron el estilo Nouveau entradas para las estaciones Plaza de la Bastilla y Plaza de la Estrella, dibujado en 1899, el gran arquitecto de la época, Hector Guimard (1867-1942).

El modelo de Nouveau se las lámparas de mesa de Louis Comfort Tiffany (Figuras 1 y 2). En representación de una planta, la originalidad de la luminaria (Fig. 1) Tiffany utiliza el bronce para la raíz y el tallo. Los pétalos de las flores y las hojas son cristales de colores colgantes. Más que sólo decorativa, el objeto es una delicadeza de Arte, que recrea los colores y el estilo de los diseños de Morris, a Arte japonesa. La planta es de nenúfar acuático, presente en los jardines y en las pantallas del pintor impresionista Claude Monet (1840-1926).

La gran contribución Nouveau Él permanecía por cuenta de los muebles. En la figura 3, el estilo de las líneas parecen indicar la naturaleza en medio del entorno, los objetos de uso del día a día. Las líneas curvas en la decoración de los muebles son ramas y hojas que brotan, o florecimiento de las flores. La naturaleza integra el medio ambiente, o el medio ambiente se integra con la naturaleza, a través de formas irregulares y sinuosas de los muebles, los entornos Museo Hector Guimard. La impresión final es que todo se mueve lentamente.

En el exterior del museo (Fig. 4), detalles del techo, barandilla del balcón o escalera está llevando a redondeadas, irregulares, sinuosos, como son los elementos de la naturaleza misma de crecimiento. Es como si el bosque para verter sus ramas. La fachada del museo (Fig. 5), balcones y ventanas parecen ser extensiones del medio interno. Las líneas curvas presentimiento tristes en la acera frío.

El estilo Nouveau siendo extraviado por el Barcelona, en España, dejando marcas surrealistas e inolvidables en notables obras de Antoni Gaudí (1852-1926). Entre las diversas etapas de la maduración de la obra del arquitecto catalán, Era claramente la influencia del renacimiento gótico, inspirado por Eugène Viollet-le-Duc (1814-1879). El arquitecto también tiene el patrocinio de la fase del empresario Eusebi Güell (1846-1918). Gaudí fue uno de los artistas que dio la bienvenida al empresario rico y culto y que se convirtió en patrón y amigo cercano. Gaudí recibió incluso varios órdenes Güell y, esta fase, en contacto con el Art Nouveau, que influyó en su obra, aunque su carrera ha adquirido característica única.

Entre las obras más conocidas de Gaudí son la iglesia católica de la Sagrada Familia ², de estilo gótico, comenzado en 1882 no ha terminado todavía; parque Güell ³, abrió sus puertas en 1922, cuya idea principal era ser un residencial de lujo, pero con el tiempo se convirtió en un parque; a casa Milá, conocida como La Pedrera, construido entre 1905 y 1907; y en casa Batlló ⁴ (Figuras 6 y 7) construido entre 1904 y 1906.

Considerada obra prima de Gaudí, formas orgánicas y sinuosas de ventanas y puertas en la casa Batlló se asemejan mucho al Castillo Ra-Tim-Bum, la serie de los niños brasileños. Más bruscamente que la fachada del Museo Guimard, líneas Gaudí parecen cobrar vida y se mueven lentamente, cómo estirar el calor del sol. En una forma, en su fortaleza, las paredes son tiernos y no se puede detener. Las ventanas y mosaicos de cristal tintado de color consistente con un bosque encantado, cubierto por un techo completo de las escalas, no menos vistoso que las paredes. El edificio surrealista y mágico se ve muy bien descanso de dentro de un árbol, Al abrirlo grietas, de distancia de sus ramas y la vida emergente y color.

Escultura

Nada en el arte se hace sólo a través de la voluntad,
todo se hace por la sumisión dócil al subconsciente.
(Odilon Redon con BUGLER, 2014, p.299)

las líneas Art Nouveau Se han convertido en una fuente de inspiración para los escultores. En este campo, las líneas onduladas adquirieron cierta sensualidad y el movimiento. La ornamentación orgánica vienen entornos que lleva la luz y un sentido decorativo.

Émile Antoine Bourdelle ⁵ (1861-1929) Se destacó como el más notable de Belle Époque y el precursor de la escultura del siglo XX. En sus características son reconocibles líneas de romanticismo y las formas y los movimientos del agua.

Emmanuel Villanis (1858-1914), escultor francés, Fue mejor conocido por sus objetos de pequeña escala, bronce en que se mezcla una especie de neoclasicismo a las líneas elegantes de la Art Nouveau. En sus temas eran frecuentes Mitología (Figuras 8 y 9) y los elementos florales. Bustos eran comunes, figuras femeninas, al desnudo, y una tendencia a la sensualidad y el erotismo. Las esculturas Tailandeses y Lucretia corresponden a dos mujeres de la antigüedad romana. en tanto, la belleza reconocible de las mujeres se completa con mirada seductora. Villanis fue uno de los escultores más productivos de su tiempo y sus obras se han exportado a muchos países.

Pittura

El arte es, en esencia idealista: los más sueños
de profundidad tienen la interpretación más personal.
(Fernand Khnopff con BUGLER, 2014, p.309)

Las palabras son el artista Fernand Khnopff (1858-1921) y resumir el atributo principal del simbolismo. Las nuevas formas abstractas estaban más cerca de la realidad espiritual, contrariamente a lo Arte representante de realista o. Los temas vagaban por el mundo de los sueños y visiones. Oponerse al Impresionismo, los simbolistas prefieren la sugerencia de ideas, a través de los iconos. En la pintura, Se le ha dado importancia a la forma, los colores, las filas y, especialmente la subjetividad. Khnopff dirigió el movimiento en Bélgica y fue admirado por muchos artistas, incluyendo Edvard Munch (1863-1944) e Gustav Klimt (1862-1918).

La melancolía está presente en el paisaje desolado de la obra de Pierre Puvis de Chavannes (1824-1898), en la figura 12. La vacilante y hombre de aspecto siento es solitario, como reflejando en algo. Los colores de la naturaleza se mezclan y discreta, Contrastan con el protagonista de la escena. Alrededor del hijo, un día fue insolentes, alimentación de los cerdos, recordando la conocida parábola simboliza la redención. Así como los grandes artistas de su tiempo, Chavannes no encajaba en un solo movimiento, Pasó junto Impresionismo, por POS impresionismo y el simbolismo. El uso de colores moderados, no pura, También es característico de dos de sus obras 1863 (Figuras 10 y 11). Se puede ver una referencia al período clásico, en la forma, en perspectiva y sombras.

El contacto con el simbolismo francés, en el Salón de la Rosa Cruz, en 1892, Tomó el artista suizo Ferdinand Hodler (1853-1918) para volver a su estilo a un sentido metafísico. Los estados de ánimo están presentes en su obra Noche ⁶, lo que escandalizó a la sociedad de la época. Su, la representación del sueño se aproxima a la idea de la muerte. Algunas personas aparentemente dormida, desnudo, profundamente dormido, solitario, Abrazado lo que sugiere cierto erotismo. Uno se despierta repentinamente por la muerte. entre las personas, dos eran sus esposas, y el artista se retrata a sí mismo en la escena.

El erotismo también ha estado en varias obras de Gustav Klimt (1862-1918) que llegó a ser acusado de pornografía. Su estilo diverso, Sin embargo elementos de simbolismo montado, impresionismo y Arte Nouveau. Una pareja unida en un abrazo suave e intenso es el más conocido tema de trabajo de Klimt, el beso, de 1907. En el tejido que rodea a la pareja, Se puede reconocer las influencias Nouveau y bizantino, las líneas geométricas y motivos estampado de flores. Bajo los dos hay arbustos de colores, flores y ramitas y cintas de oro que caen en las piernas de la mujer, en el lado derecho del trabajo. Las formas redondeadas de que contrastan con el angular y reducir gradualmente hacia recta. Bajo el manto de oro, los dos parecen estar desnudo y completamente acoplados entre sí. El fondo de la escena es casi imperceptible para el ojo, ya que no es lo mejor para los protagonistas. La pintura era parte de la edad de oro la vida de Klimt que llegó a usar pan de oro en varias de sus pinturas de este período.

El artista noruego, Edvard Munch, uno de los precursores del expresionismo, así como otros pintores de su época, También transitado el simbolismo. En 1896, cuando estaba en París, Nos llegó a tener entre su círculo de amigos, poeta francés Stéphane Mallarmé. Gran parte de la vida de Munch, llena de tragedias, resultó ser en sus obras que eran comunes a la melancolía y la tristeza. Entre las litografías producidas después de 1896, el vampiro de trabajo (Fig. 13) Se llegó a ser llamado amor y el dolor por el artista. En la imagen sombría, un hombre está envuelto en los brazos de una mujer besando su cuello. Angustiado, parece que dejarse llevar por el abrazo y probablemente la muerte.

en la separación (Fig. 14), el protagonista es también un hombre triste por el dolor de terminar una relación. Esta y otras obras de Munch, como El beso de su propia y El grito, Eran parte de una serie titulada El friso de la vida, en ingles, El Friso de la Vida, cuyos temas iban desde el amor, ansiedad, celos, la infidelidad y la muerte. Al igual que muchos de Klimt y el tiempo, Munch estaba obsesionado con la sexualidad femenina. En que las cifras de precios 14 están presentes los elementos de la sexualidad, de la lujuria y la traición. solitario, el hombre parece que no puede moverse, esta es su desaliento. El color rojo en la mano derecha, en el pecho, Simboliza la sangre saliendo desde el corazón. En contraste con su imagen, la mujer se destaca en la imagen y presenta hermosa. Como si no notando, ella se aleja y el frío, con el pelo largo en el viento. El diseño de su cabello sigue la línea sinuosa del viento parece soplar. Se puede reconocer, en la imagen, rastros de Art Nouveau, líneas sinuosas, los contornos simplificados y el uso de colores.

Entre los artistas que también pasaron el valor corriente simbolista también mencionar los nombres de Paul Gauguin (1848-1903), Gustave Moureau (1826-1898), Arnold Böcklin (1827-1901), Ferdinand Hodler (1853-1918), Odilon Redon (1940-1916) e Fernand Khnopff (1858-1921).

Consideraciones finales

El arte es en sí misma perfección. No sé
Usted debe juzgar por un modelo externo. Es más
un velo que un espejo. Tiene flores y pájaros
desconocido en cualquier bosque. inventa y
y destruye mundos, con un hilo de grana, Usted puede tomar
la luna del cielo. (…) Por su naturaleza no tiene leyes.
(WILDE, 1992, p. 45)

Oscar Wilde (1854-1900) Fue parte del movimiento europeo llamado esteticismo, con características muy similares a la simbología. Para el escritor Inglés, la Feria sería un antídoto a la frialdad de la industrialización. Se opone al realismo y cree en el arte por el arte. Sus palabras y sus pensamientos se hacen eco hoy. Y puede ser que el arte de carreteras mitigar la frialdad y la dureza del mundo real.

El ingeniero de formas y colores puede engendrar un nuevo mundo, sueños arquitecto, levantar universos y vislumbrar escenas que sólo la imaginación y el arte son capaces. Una es posible concebir mundos surrealistas, tan hermosa como la de Gaudí; suscitar en el espectador los asombros más intensos, como nas Pinturas de Munch; o fomentar sentimientos inefables, como nas pinturas de Klimt.

Esta diversidad que se habla en las últimas décadas del siglo XIX llevó permitir suficiente evidencia para que el arte de hablar por sí mismo, manos libres de la realidad, sin las distorsiones de la vida. Y el arte de los caminos están muy cerca de aquellos en los que la pista de Poesía. La parte posterior es profunda, producto de la alma en éxtasis. Y el arte es el bálsamo del alma.

El objetivo de la vida es el auto-desarrollo.
Cumplir perfectamente la naturaleza –
esa es la razón por la que estamos aquí.
(WILDE, 1986, p.13)

¹ Sitio oficial de William Morris Sociedad:
www.morrissociety.org

^² Vídeo da Sagrada Familia de Gaudí:
www.youtube.com/watch?v = UrKSk4xFVLw

³ Parque Güell de Gaudí vídeo:
www.youtube.com/watch?v = HP_bOvoUr90&t = 35s

⁴ Sitio web oficial, Casa Batlló:
www.casabatllo.es

De vídeo con comentarios:
www.youtube.com/watch?v = j31eZTrW0Ss

⁵ Emile Antoine Bourdelle - Sitio do Museu Bourdelle:
www.bourdelle.paris.fr

⁶ Vídeo del trabajo nocturno Ferdinand Hodler:
www.kunstmuseumbern.ch/en/see/collection/videos-higlights-collection/ferdinand-hodler-the-night-271.html

Referencias:

1. BAUDELAIRE, Charles. Sobre a Modernidade. São Paulo: Editora Paz e Terra, 2007.
2. BAUDELAIRE, Charles. Las flores del mal. São Paulo: Martin Claret, 2006.
3. BAYER, Raymond. História da Estética. Lisboa: Editorial Estampa, 1993. Tradução de José Saramago.
4. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; BUGLER, Caroline; MACK, Lorrie. História Ilustrada da Arte. São Paulo: Publifolha, 2014.
5. FARTHING, Stephen. Tudo Sobre a Arte. Rio de Janeiro: Sextante, 2011.
6. GOMBRICH, E.H. A História da Arte. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
7. HAUSER, Arnold. História Social da Arte e da Literatura. São Paulo: Martins Fontes, 2003.
8. MOISÉS, Massaud. La literatura brasileña a través de Textos. Sao Paulo Ed.Cultrix, 2000.
9. PROENÇA, Gratis. Descubriendo la historia del arte. São Paulo: Routledge, 2005.
10. VERLAINE, Pablo. Novecientos uno poemas de Paul Verlaine. Chicago: La prensa de la Universidad de Chicago, 1999. Traducido por r. Norman Shapiro.
11. VIG, Rosangela Araujo Pires. ARTE COMO COMUNICACIÓN A LA COMUNICACIÓN COMO ARTE. Comunicación, Cultura y Medios de Comunicación, Uniso, Sorocaba: 2010. Disponible en:
    comunicacaoecultura.uniso.br/prod_discente/2010/pdf/Rosangela_Vig.pdf
12. WILDE, Oscar. La decadencia de la mentira y otros ensayos. Rio de Janeiro: imago Editora, 1992.
13. WILDE, Oscar. O Retrato de Dorian Gray. São Paulo: Editora Scipione, 1986.

Las figuras:

Fig. 1 – lámpara de mesa de lirio de agua, Louis Comfort Tiffany, 1904, cristal y latón, 67,31 x 48,26 cm. Virginia Museum of Fine Arts, Richmond. Presente de Sydney e Frances Lewis. Foto: Katherine Wetzel. © Virginia Museum of Fine Arts.

Fig. 2 – lámpara de escritorio Begonia, Louis Comfort Tiffany, 1900, cristal y latón, 41,9 x 33 cm. Virginia Museum of Fine Arts, Richmond. Presente de Sydney e Frances Lewis. Foto: Katherine Wetzel. © Virginia Museum of Fine Arts.

Fig. 3 – museo de interior Hector Guimard, en París. Fotos: Le Cercle Guimard.

Fig. 4 – Interior y el techo del Museo Hector Guimard, en París. Fotos: Le Cercle Guimard.

Fig. 5 – Fachada Museo Hector Guimard, en París. Fotos: Le Cercle Guimard.

Fig. 6 – Fachada de la Casa Batlló, Francisco Benavides.

Fig. 7 – Fachada de la Casa Batlló, Francisco Benavides.

Fig. 8 – thais, Emmanuel Villanis, 1890, Bronce, 55 cm. Hickmet Bellas Artes ©.

Fig. 9 – Lucrezia, Emmanuel Villanis, 1890, Bronce, 53 cm. Hickmet Bellas Artes ©.

Fig. 10 – Descanso, Pierre Puvis, 1863, óleo sobre lienzo, 108,5 x 148 cm. National Gallery of Art, Washington. Colección Widener.

Fig. 11 – Trabajo, Pierre Puvis, 1863, óleo sobre lienzo, 108,5 x 148 cm. National Gallery of Art, Washington. Colección Widener.

Fig. 12 – El Hijo Pródigo, Pierre Puvis, probablemente de 1879, El aceite de linaza en, 106,5 x 146,7 cm. National Gallery of Art, Washington. Colección de Chester Dale.

Fig. 13 - Edvard Munch: Vampiro II, 1895-1902, litografia, 380-387 x 550-560 mm. Museo Munch, Oslo. Foto © Museo de Munch.

Fig. 14 - Edvard Munch: separación, 1896, óleo sobre lienzo, 96,5 x 127 cm. Museo Munch, Oslo. Foto © Museo de Munch.

Fig. 15 – Pandora, Odilon Redon, 1910-1912, óleo sobre lienzo, 143,5 x 62,9 cm. National Gallery of Art, Washington. Colección de Chester Dale.

Fig. 16 – San Sebastián, Odilon Redon, 1910-1912, óleo sobre lienzo, 144 x 62,5 cm. National Gallery of Art, Washington. Colección de Chester Dale.

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