Los primeros rastros de arte moderno-impresionismo por Rosangela Vig

También se puede escuchar este artículo en su propia voz artista Rosangela Vig:

Nada se parece tanto a lo que llamamos inspiración como la alegría con la que el niño absorbe la forma y el color. Atrévete a ir más allá: Afirmo que la inspiración tiene algo que ver con la congestión y que cada pensamiento sublime es acompañado de un estremecimiento nervioso, más o menos intenso, que se hace eco al cerebelo. El hombre de genio tiene los nervios sólidos, en los niños son débiles. En eso, la derecha ganó un lugar considerable; en este, la sensibilidad ocupa la mayor parte de su ser. (BAUDELAIRE, 2007, p.19)

La sensibilidad que nos dice sobre el entusiasmo de Baudelaire, propio corazón de artista, en sus trascendental emociones. Es como si la naturaleza cuestión de hacen alarde de sus colores y sus formas, inducir al artífice para la seducción. Violadas, Él se excita y se pierde en todo lo que ves, como un niño con rapto a descubrir el mundo. La imagen presenta cruza el campo sutil de la imaginación y se convierte en real para sus manos, en su poética forma de mostrar lo que se ve. Es por estas líneas que la Arte las conversaciones y, por el momento, se ha demostrado ser fructífero.

Y si el tiempo ha producido buen fruto, fue en la modernidad Arte abrió sus puertas al espíritu creativo. Al final del siglo XIX fue testigo de muchas de estas innovaciones y novedades que se señalaron y que luego se convertiría en parte de la estética que se mantuvo hasta el siglo de mid-20th.

Durante este período, el mundo fue testigo de la aparición de maquinaria y producción a gran escala ¹. La invención del cinematógrafo, a finales del siglo XIX, por los hermanos Lumiere, que se veían las imágenes en movimiento, dar a luz al séptimo arte ², el cine. Las nuevas tecnologías lo permiten aunque el ser humano volar, de principios del siglo XX. Y cabe duda de la invención de la fotografía, por el francés Joseph Nicéphore Niépce (1765-1833), en 1826, fue de gran valor para la pintura moderna ampliar en significado y en formas. Mientras que la realidad sería la tarea de la fotografía, el arte podría acercarse al mundo de las ideas, manera autónoma.

Pittura

Todo se ve maravilloso ahora mismo y la luz es impresionante. (MONET en HOLMES, 2001, p. 100)

En la estética, París fue la cuna de las tendencias innovadoras del siglo XX. Ali, un grupo de artistas, en el último 1860, con ganas de realismo desvencilharem, se han reunido para compartir ideas. Entre los participantes de estas reuniones, destacan los nombres de Frédéric Bazille (1841-1870), Paul Cézanne (1839-1906), Edgar Degas (1834-1917), Edouard Manet (1832-1883), Claude Monet ³ (1840-1926), Camille Pissarro (1830-1903), Auguste Renoir (1841-1919), Alfred Sisley (1839-1899) y la pintora Berthe Morisot (1841-1895) (BUGLER, 2014, 276 P.). Se unió a ellos, escritores, críticos y otros intelectuales de la época. Las reuniones de este grupo, Rose no sólo el anhelo de mostrar las obras fuera de las salas y oficial muestra, pero también surgió el deseo de liberarse de la beca. Los escenarios deben ser la vida cotidiana, que muestra la influencia del realismo y naturalismo, los años 1840, por Gustave Courbet (1819-1877). Los escenarios deben ser urbanos, recogido de un primer vistazo, en ciertos momentos del día, bajo la influencia de la luminosidad solar, a través de puntos, sin mezcla de colores, como si la luz fueron capturada en su tiempo para impregnar la naturaleza, personas y objetos. Los artistas estaban fuera de sus talleres, hecho de escenarios rurales y urbanos, su lugar de trabajo. Su propuesta revolucionaria y liberal, floreció un estilo pictórico único que valoraba la luz natural, proporcionar la mirada, la impresión final de la sensación de brillo.

Y alumbrada por luz natural que Madame Monet paseando con su hijo, en medio de la maleza (Fig. 2). Ambos se protegen del sol. El niño con sombrero, su madre con el paraguas, amenaza con volar con la brisa. La intensa claridad deja calor obvio, tal vez atenuada, el viento que parece agitar la vegetación, el vestido y el pelo de la primera esposa de Monet. La luz viene desde detrás del horizonte y de los personajes de la escena, proyección de las sombras al frente de ellos. La falta de nitidez de contorno, refuerza la idea de movimiento y la luz de la impresión en cualquier imagen. Esta impresión se acentúa por el uso de colores puros que puede pasar desapercibida, un primer vistazo, pero son los que proporcionan el resultado final de la mezcla para el observador, principal objetivo de los impresionistas. En el juego de punto de vista, los protagonistas parecen estar en una pequeña colina y el observador parece encontrar debajo de ellos.

El mismo efecto de perspectiva es también en la Catedral de Rouen (Fig. 4), cuyo sentido de la grandeza si acentúa con la posición del observador, a continuación se. Monet pintó la misma construcción en diferentes momentos del día, en distintos momentos del año, Haciendo hincapié en los efectos diferentes que la incidencia de la luz.

Una tarde es el protagonista en la figura 5. Las casas del Parlamento están poco iluminadas y casi nada ver sus datos, ya oscurecido, bajo el sol, ya se puso detrás de la torre más alta. La construcción contrasta con el cielo gris, irradia los colores más bellos de una final de la tarde. Puedes ver la gama tonal de más oscuro a más claro, teñir la pantalla azul, Lila, rosa, rojo, naranja, amarillo y blanco. Los colores reflejan las aguas del río Támesis con los mismos matices. Es posible observar cada movimiento y, A pesar de ser una tarde, la pantalla brilla en luz.

A diferencia de los otros impresionistas, Edgar Degas prefería los ambientes interiores. Sus temas eran sobre todo los bailarines, se muestra en el, la ópera y los conciertos. Sus obras se pueden ver como el acto de un momento cuando las personas no se dan cuenta que están siendo fotografiados. Aunque los ambientes son, muchas veces, pasantes, sus obras están llenas de luz, de movimiento y ligereza. En sus composiciones, es la luz artificial que ilumina y efecto sobre los cuerpos y caras, en el instante de un movimiento o una expresión. En su clase de baile (Fig. 8), Es posible notar que el dibujo es más valorado y los detalles de la escena son más evidentes. No se describen completamente los vestidos y sus vínculos revoloteo coloridos, Una vez que la tela es translúcida y está en completo movimiento. La luz que ilumina la habitación está muy bien, pero no oscurecer el ambiente. Usted puede oír los sonidos de pisadas en las escaleras y en pisos de madera.

La última exposición impresionista en 1886, en Francia, Cuando el grupo se dispersa y el estilo fue abandonado. Dos artistas que fueron parte de la muestra, Georges Seurat (1859-1891) y Paul Signac (1863-1935) investigación profundizada sobre las técnicas de los impresionistas y modificado para la yuxtaposición de colores. Así floreció el puntillismo, como una evolución del impresionismo. Y el movimiento todavía parte de la obra de Van Gogh, Aunque el artista ha pasado por varios estilos, en su pintura y ser considerado post-impresionista.

Escultura

Los efectos fugaces de luz y sombra, causadas por golpes con colores intenso y la falta de nitidez de las imágenes fueron las principales marcas de pintura impresionista y sirvió de inspiración para Auguste Rodin (1840-1917).

El escultor era considerado realista, Simbolista y expresionista, pero su estilo también pasaron por el impresionismo. El artista cree que las imperfecciones y la sensación de aspereza de la escultura podrían dar la impresión de que la imagen brotes o aumento, de una piedra. Además, el brillo en la superficie imperfecta sería proporcionar una sensación de dinamismo, de fuerza y emoción. El escultor, muchas veces, Que gran parte de la escultura, en medio del sillar áspero, como si la imagen estaban tratando de salir de una roca.

El trabajo “El hombre con la nariz rota” llegó a ser considerada inacabada por los críticos de la época. Así como los impresionistas de la época, el escultor buscó a desprenderse de la realidad. Tal noción es clara en la obra mujer con un niño (Fig. 14), parece estar en adiestramiento, saliendo de las entrañas de una roca en bruta. Los protagonistas de la escena están en medio de la piedra, y parecen jugar. La superficie no es lisa, tiene la dureza de la piedra. El efecto de la luz en los huecos es lo que fomenta la sensación de dinamismo. La imagen final está compuesta por la mirada del espectador.

Su obra principal, El pensador, representa a Dante, frente a las puertas del infierno. Aunque la escultura original se han realizado en 1880, el artista tiene que hacer más 20 copias. Influenciado por el renacimiento, el escultor se refirió al interior y el alma, el hombre que piensa, refleja, va así, Además del mundo físico. Realizado en bronce, la escultura presenta proporción y detalles del cuerpo humano. Puedes ver los huesos, músculos, características y movimiento, pero la superficie tiene salientes, que presupone no sólo la idea de áspero, como la impresión de movimiento y de la escultura con la misma roca donde ella emerge.

Separado de la realidad, Rodin llegó dejando marcas evidentes de sus dedos, en medio de los huecos de sus esculturas buscando solamente la esencia, de las imágenes. A menudo el escultor dejaría a gran parte de la roca en su forma cruda, recoger sólo una parte de las figuras y personajes, tomando el aspecto de una búsqueda de la imagen completa. Para ele, la falta de cumplimiento podría promover la imaginación.

Consideraciones finales

Ahora yo no puedo descansar; los colores me siguen como negocio en marcha, incluso en mi sueño. (MONET en HOLMES, 2001, p. 145)

Clasificados muchas veces, por la crítica, como los rebeldes, los impresionistas se atrevieron a modificar los conceptos de escultura pintura y figuración, dejando las impresiones lo que vieron. La luz llegó a ser tratado como parte de la obra, por sus efectos sobre personas y cosas.

Cuando se aplica a la literatura, el estilo impresionista atrevió a describir los Estados del alma, las emociones y las impresiones sensoriales, Valoración de los aspectos psicológicos. En Francia, Marcel Proust (1871-1922) publicados entre 1913 y 1927, su trabajo en busca de tiempo perdido. En Portugal, Florbela Espanca (1894-1930) demostró sensibilidad extrema, expuestos los sufrimientos y el erotismo; trajo a los Estados superficiales del alma, a menudo morbo, lleno de figuras retóricas. El drama de sus textos, casi imagísticos, llegó a ordenar el escritor portugués con un estilo único, transitó las corrientes impresionistas, simbolistas, romántica, y moderno.

Cabe duda de las nuevas tecnologías, incluyendo la foto, eventualmente, modificar los conceptos que hasta entonces tenía sobre el Arte. A los artistas, Se dejó para explorar estos recursos y transformar el arte en arte, pasando por su imaginación y su entusiasmo ante la libertad ofrece lo. La inspiración se sintió libre extrapolar y artista trascendió.

Mi alma, Soñando-que perdió.
Mis ojos son ciegos para ver!
Usted no es incluso la razón de mi vida,
Desde ya eres mi vida!

No veo nada tan loco…
Paso en el mundo mi amor para leer
El libro misterioso de tu ser
La misma historia tantas veces leído!

Todo en el mundo es frágil, todo pasa…
Cuando digo que toda la diversión
Una boca divina habla en mí!

Y, mirarte, decir las pistas:
Ah puede volar mundos, mueren estrellas,
Eres como Dios: principio y fin!
(AZOTES, 2007, p. 17.)

¹ La Revolución Industrial tuvo lugar entre 1760 y 1840, con los motores de vapor. La segunda fase, entre 1860 y 1900, incluye nuevas tecnologías usando motor y energía eléctrica; con el uso de combustibles y materiales, Incluyendo, el acero. Algunos eruditos, el 20 y el siglo XXI son el testimonio de la tercera fase de la Revolución Industrial, del que forman parte, los equipos de, Ingeniería celular y genética.

² El término séptimo arte fue dado por el crítico de cine italiano Ricciotto Canudo (1877-1923), en 1911, en un manifiesto de las siete artes y estética del séptimo arte. Para el intelectual, las artes en la arquitectura, Escultura, Pittura, Música, Danza, Poesía y cine.

³ Película de 1915 En las plantas acuáticas de la pintura de Monet:
www.youtube.com/watch?v = Mt17zgixo78

Referencias:

1. BAUDELAIRE, Charles. Sobre a Modernidade. São Paulo: Editora Paz e Terra, 2007.
2. BAYER, Raymond. História da Estética. Lisboa: Editorial Estampa, 1993. Tradução de José Saramago.
3. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; BUGLER, Caroline; MACK, Lorrie. História Ilustrada da Arte. São Paulo: Publifolha, 2014.
4. AZOTES, Florbela. Antología de poemas para la juventud. São Paulo: Editora de Peirópolis, 2007. (Organización de Scarpetta Canterbury)
5. FARTHING, Stephen. Tudo Sobre a Arte. Rio de Janeiro: Sextante, 2011.
6. GOMBRICH, E.H. A História da Arte. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
7. HAUSER, Arnold. História Social da Arte e da Literatura. São Paulo: Martins Fontes, 2003.
8. HOLMES, Caroline. Monet en Giverny el. Reino Unido: Weidenfeld & Nicolson, 2001.
9. POE, Edgar Allan. La filosofía de la composición. Rio de Janeiro: 7 Letras, 2008. Traducción: LEA Viveiros de Castro.
10. PROENÇA, Gratis. Descubriendo la historia del arte. São Paulo: Routledge, 2005.
11. VIG, Rosangela Araujo Pires. ARTE COMO COMUNICACIÓN A LA COMUNICACIÓN COMO ARTE. Comunicación, Cultura y Medios de Comunicación, Uniso, Sorocaba: 2010. Disponible en:
    comunicacaoecultura.uniso.br/prod_discente/2010/pdf/Rosangela_Vig.pdf

Las figuras:

Fig. 1 – Bazille y Camille, Estudio de vacaciones en el campo, Claude Monet, 1865. National Gallery of Art, Washington. AILSA Mellon Bruce colección.

Fig. 2 – Mujer con sombrilla, Madame Monet y su hijo, Claude Monet, 1875. National Gallery of Art, Washington. Colección Sr.. y Sra.. Paul Mellon.

Fig. 3 – Jardín del artista en Vétheuil, Claude Monet, 1880. National Gallery of Art, Washington. AILSA Mellon Bruce colección.

Fig. 4 – Catedral de Rouen, Fachada oeste bajo la luz del sol, Claude Monet, 1894. National Gallery of Art, Washington. Colección de Chester Dale.

Fig. 5 – Las casas del Parlamento, Sunset, Claude Monet, 1903. National Gallery of Art, Washington. Colección de Chester Dale.

Fig. 6 – Palazzo da Mula, Venecia, Claude Monet, 1908. National Gallery of Art, Washington. Colección de Chester Dale.

Fig. 7 – La pasarela Japon, Claude Monet, 1899. National Gallery of Art, Washington. Regalo Victoria Nebeker Coberly, en memoria de su hijo John W. Mudd, y Walter H. y Leonore Annenberg.

Fig. 8 – Clase de baile, Edgar Degas, 1873. National Gallery of Art, Washington. Colección Corcoran (Guillermo el. Colección Clark).

Fig. 9 – Antes el Ballet, Edgar Degas, 1890-1892. National Gallery of Art, Washington. Colección Widener.

Fig. 10 – La hermana del artista, EDMA, sentado en un parque, Berthe Morisot, 1864. National Gallery of Art, Washington. AILSA Mellon Bruce colección.

Fig. 11 – Jóvenes campesinos descansando en los campos cerca de Pontoise, Camille Pissarro, 1882. National Gallery of Art, Washington. Colección Sr.. y Sra.. Paul Mellon.

Fig. 12 – El ferrocarril, Edouard Manet, 1873. National Gallery of Art, Washington. Regalo de Horace Havemeyer en memoria de su madre, Louisine W. Havemeyer.

Fig. 13 – Primera Blizzard en Veneux-Nadon, Alfred Sisley, 1878. National Gallery of Art, Washington. Donado por Lolo Sarnoff en memoria de su abuelo, Louis Koch.

Fig. 14 – Mujer con un niño, Auguste Rodin, 1885. National Gallery of Art, Washington. Regalo de la señora. John W. Simpson.

Fig. 15 – El pensador, Auguste Rodin, modelo 1880, muere el molde 1901. National Gallery of Art, Washington. Regalo de la señora. John W. Simpson.

Fig. 16 – El beso, Auguste Rodin, modelo 1880-1887, fundido entre 1896-1902. National Gallery of Art, Washington. Regalo de la señora. John W. Simpson.

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