Milton Dacosta gana retrospectiva en la galería de Almeida y Dale

exposición reúne 54 empleos artista Río, las diversas etapas de su recorrido, de 1930 la década de 1980

Reflexiva, disciplinado y silencioso, mientras llena de emociones densas. Así es la obra de Milton Dacosta (1915 – 1988), Río pintor que logró conciliar las tradiciones a un proceso creativo potente y fértil. De día 18 de agosto, el público puede comprobar de cerca las diversas etapas del artista El color de silencio, exposición celebrada por la galería de Almeida y Dale. El pintor vuelve a tener su trabajo firmado por un individuo en Sao Paulo después de una pausa 12 años.

Curada por Denise Mattar, la muestra reúne 54 obras del artista, hecha la década de 1930 hasta el final de su vida, en los años 1980. En el camino, Dacosta no estaba limitado por ninguna escuela, asumiendo diversas influencias. “Sin dar importancia al elogio o crítica del artista siempre ha seguido el camino que le interesaba, metafísica figurativo impresionista, CUBISMO la simetría de la luz y la sensualidad forma concreta de la curva”, punctuates el curador.

En la vida, el artista fue aclamado por el público y también por los críticos. Su trabajo ha sido reconocido por los nombres de las zonas más importantes, Sergio Milliet a Mario Pedrosa, Samson Flexor Waldemar Cordeiro. En 1955, el jurado de la III Bienal le dio el premio al mejor artista nacional.

Así que con 40 años de edad, recibido el más alto reconocimiento a su trabajo en medio de la feroz lucha entre la figuración y la abstracción que era en el momento. Dacosta fue uno de los pocos que contexto unanimidades. Por Denise Mattar, la aceptación de su trabajo fue el resultado de una ruta particular de un pintor excepcional, Yo sabía establecer un diálogo con las obras de artistas que le interesaban y mantener, siendo original.

Siguiendo un camino cronológico, exposición El color de silencio Se inicia con las primeras obras del joven pintor. Paisaje urbano (1937) y la icónica Autorretrato (1938) este período es. Con una fuerte influencia del movimiento en París y el naturalismo con acentos impresionistas, pantallas ya se enunció una de las principales características de su obra: mientras que el realismo expresionista carácter nacionalista predominante de artistas como Di Cavalcanti y Portinari, permaneció fiel a sus predilecciones.

En los años 1940, Dacosta de nuevo a la imagen de búsqueda orgánica, pisando una fase de descubrimientos. En este período, está interesada en las figuras longilíneas y metafísico de Chirico, cuya influencia es evidente en obras como Ciclistas (1941) y Carrusel (1945). A diferencia del artista italiano, sin embargo, las pantallas brasileñas son el tiempo solar, no se asocia con problemas, pero la lúdica, tema constante durante toda su vida.

Después de una temporada de viajes y estudios en los Estados Unidos y Europa, el pintor vuelve a Brasil a fines de 1940 y, al principio, cifras que incorpora los alargados realizaron previamente. Entonces, inicia una fase geométrica, llena de oposiciones. “El curso se enmarca en la oscuridad, la parte delantera también es el perfil, la luz se define por la sombra. El artista distorsiona cabezas, caras decupa y órganos en triángulos y círculos y, de ellos, elabora contrastes marcados por líneas ortogonales estructurales o curvilínea, una construcción casi musical.

En 1952, Ya casado con el también pintor María Leontina, el artista comienza a (de), composiciones figurativas geométricas. ¿Es esta la serie con la que recibió el premio en la Bienal 1955. En sobre Horizontal (1954), representa una naturaleza muerta única entrevista, construcción y líneas ortogonales, descompuesto en figuras geométricas pintado y revenido, en azul, ocre suave y de color blanco brillante, intensa sobre fondo negro.

Poco a poco, Dacosta abandona las alusiones figurativas, llegar a un constructivismo lírica y único, cada vez más concisa. trabajos como En blanco (1956), en púrpura (1957) y en verde (1958) Pertenecen a este momento y muestran la precisión de composición cromática exacta y pintor. Los críticos consideran esta etapa como la cúspide de su carrera. El Artista, sin embargo, Yo no compartía esta opinión. “Nunca se dejó seducir por el movimiento de hormigón e incluso por neoconcreto, Fue fiel sólo a sí mismo y su búsqueda interior”, puntajes Denise Mattar.

El artista entonces hace un camino de retorno a la figuración, proceso de recuperación que atravesó los años 1960. Las líneas rectas comienzan a relajarse y curvas arrastran al espectador, muestra Mujer con la cara apoyada en la mano, Figuras (década 1950) y el conjunto de cuatro obras titulado Figura con el sombrero (1958 – 1961).

En la tarde 1960, y hasta sus últimos años, el artista realiza atractiva Venus, siempre marcado por líneas sinuosas, creado por el diseño libre y no hay amarres recién descubiertos. Y la Figura Bird, 1964, Venus y Bird, 1969/70, Figura, 1964, Son ejemplos de esta fase, que se convirtió en un éxito en el mercado principiante de arte de la época.