Arte Moderno - Expresionismo por Rosangela Vig

También se puede escuchar este artículo en su propia voz artista Rosangela Vig:

Fin del mundo

El sombrero vuela desde la cabeza del ciudadano,
En todo el aire a viva voz si estruendos.
Los instaladores de techos caen y se rompen
Y en la parte posterior - se lee - la marea sube.

La tormenta llegó, saltar al suelo
mares salvajes de trituración grandes presas.
La mayoría de la gente tiene una nariz que moquea.
Los trenes se precipitan los puentes.
(HODDIS en HOMBRE DURO, 2009, p.256)

La escena descrita en la poesía es preocupante, traduce la idea de la desintegración, la muerte y la destrucción. El escenario aterrador despierta sentimientos de miedo en medio del caos y la tragedia. Weltende era el nombre, en alemán, para el Expresionismo poema más significativo. autor, Jacob Van Hoddis (1887-1942) Que era judío y murió en un campo de exterminio nazi.

Escrito en 1911, el poema hojas expuestas a la desorientación y el terror, un momento apocalíptico. El lenguaje figurado y el pesimismo son las características de este texto y eran las principales características del Expresionismo. Oponerse al positivismo de los impresionistas, el movimiento refleja un aspecto de poetas en la sociedad moderna de la época, en las guerras y en la industrialización. Estaba claro que el carácter político y el contenido social revolucionaria.

La medida fue uno de la vanguardia europea de principios del siglo XX y se originó en Alemania, entre 1904 y 1905, na Pintura. Cuatro estudiantes de arquitectura formaron un grupo llamado la Brüke (el Puente). Como reacción a Impresionismo, inspirado en el arte africano y el arte de Oceanía, el grupo se atrevió a exponer sus obras en las preocupaciones del ser humano. Y nada era más inquietante que la primera mitad de este siglo, en medio de un contexto histórico turbulenta marcada por dos grandes guerras mundiales, la revolución rusa, por el fascismo en Italia y el nazismo en Alemania.

Fue en este escenario inquietante que Expresionismo manifiesta en el campo de las artes, cambiante y la reordenación de las formas conocidas, dando prioridad subjetividad de la realidad.

Arquitectura

La idea de la grandeza fue la gran huella del modernismo en la arquitectura. Influenciada en gran medida por los arquitectos Henry van de Velde (1863-1957), Antoni Gaudí (1852-1926) e Joseph Maria Olbrich (1867-1908) y también por movimiento Artes y manualidades de William Morris (1834-1896), La arquitectura de este periodo ¹ Fue con motivo de la excentricidad.

Los materiales como el ladrillo, vidrio y acero fueron ampliamente utilizados en la construcción y se le dio relevancia al subjetivismo y funcionalidad. A los efectos de la producción a gran escala de estos materiales y también para integrar las artes decorativas y manualidades, los profesionales, empresarios, arquitectos y diseñadores fundada en octubre 1907, la Federación Alemana de Trabajo, Deutsche Werkbund, primer movimiento inspirado en el Art Nouveau (Art Nouveau) popular en Alemania de la época. El grupo tenía como objetivo poner a la industria de Arquitectura, a través del trabajo, profesionalización y educación. La modernidad se debe insertar en el diseño arquitectónico. Eran parte de que los arquitectos del grupo Peter Behrens (1868-1940), Walter Gropius (1883-1969) e Mies van der Rohe (1886-1969). Otros grupos formaron más adelante como la conocida Escuela de Amsterdam, en 1915.

Fundada en 1919, Alemania, por Walter Gropius, la Bauhaus fue la escuela de vanguardia de la primera y más influyente del mundo, en el campo de las bellas artes, Diseño y Arquitectura. Gran parte de lo que se producía en la escuela se vendió en el período de la Segunda Guerra Mundial. Que sirve como referencia para un gran patrimonio arquitectónico del mundo, Bauhaus vino a cambiar la dirección debido a cuestiones políticas y se cerró en 1933 a causa de las persecuciones nazis. Grandes y conocidas de artistas y arquitectos de la época llegaron a dar clases en la Bauhaus, incluyendo a Paul Klee (1879-1940), Wassily Kandinsky (1866-1944) e Mies Van Der Rohe (1886-1969).

Entre los edificios más significativos en las plantillas Expresionismo es el Pabellón de Cristal ² (1914), arquitecto Bruno Taut (1880-1938), hecho especialmente para la exposición de la Federación Alemana Trabajo, en Colonia, Alemania. La construcción de hormigón y cristal tenía la cúpula ovalada y ornamentada fachada con placas de vidrio de colores como espejos, con variaciones de color que van desde azul oscuro, el verde y terminó en amarillo, no topo. Iluminado por vidrios coloreados, la escalera y la cascada dentro de la torre que lleva los efectos de color que provocaron emociones en el espectador, principal objetivo del trabajo que, poco después de la exposición, que fue destruida, dejando sólo las imágenes en blanco y negro.

Diseñado por el arquitecto Erich Mendelsohn (1887-1953), una Torre Einstein ³ (Fig. 1) es un observatorio astrofísico y de laboratorio, los moldes construidos Expresionismo. El trabajo, ubicada en el Parque Albert Einstein Ciencia, en Potsdam, Alemania, Fue utilizado para los experimentos validaría la teoría de la relatividad de Einstein (1879-1955). Es posible reconocer el dinamismo de la gran científico en la construcción, con su forma de espiral asimétrica, movimiento completo. A pesar de que no estaba conectado con el futurismo italiano, la característica atrevida construcción está vivo y enérgico. La torre alcanzado impacto exotismo en el momento.

Todavía conforme con el estilo, arquitectos Hans Poelzig (1869-1936), Hermann Finsterlin (1887-1973), Fritz derecho (1877-1949), Hans Scharoun (1893-1972) e Rudolf Steiner (1861-1925).

Escultura

El arte recoge la vida de las materias primas, hacerlo de nuevo, refunde a nuevas formas y, absolutamente indiferente al hecho mismo, inventa, pensar, Sueños y mantiene entre ella y la realidad una barrera infranqueable de bello estilo, método decorativo o ideal. (WILDE, 1994, p. 39)

Fue el espíritu inventivo y soñador el que acabó llevándose a tantos historias para el arte. Fue él quien permitió la forma laberíntica las veces que crean tanta diversidad de formas. Las manos de artífice exponen gradualmente esta trayectoria que pasa a lo figurativo y el arte moderno fue el encargado de dar la autonomía. Y esta libertad el atributo más notable de la escultura expresionista.

Entre los nombres que se destacan en este campo, Son las de Rudolf Belling (1886-1972), Oskar Schlemmer (1888-1943), Otto Freundlich (1878-1943), Ernst Barlach (1870-1938) y Käthe Kollwitz (1867-1945).

Aunque el estilo se ha diversificado artista artista, todo el mundo era común y era evidente la emancipación de la forma y figurativa, con una marcada tendencia a la distorsión y el movimiento. Estas características también se encontraban entre los mayores atributos de la obra de Wilhelm Lehmbruck (1881-1919). Sus personajes son estilizados, de forma simple, que simbolizan el abandono y la tristeza, a menudo en medio de la locura y el éxtasis; Ellos parecen retorcerse, pedir y seguir con entusiasmo. Sus figuras alargadas y solemnes se refieren al estilo gótico y son casi siempre desnuda, a veces con tejidos caer pies, revelando gran parte del cuerpo, ahora es muy delgada, con los huesos que sobresalen; ora obesos. Sentado a su juventud (Fig. 2) reflexivo y apático, parece consternado, en el estado de renuncia. En lento gesto, dramática, la impresión es que la imagen fue capturada en un momento dado y la persona se moverá, o se está moviendo. Inspirado por las ideas del filósofo alemán Friedrich Nietzsche (1844-1900), No es raro ver el trabajo de Lehmbruck la influencia de escultores Aristide Maillol (1861-1944) e Auguste Rodin (1840-1917). Las obras de Lehmbruck llegaron a ser considerados como degenerado y fueron tomadas de colecciones públicas por el régimen nazi. Actualmente forma parte de las colecciones de los principales museos del mundo.

Pittura

El artista es y sigue siendo libre para combinar elementos abstractos y elementos objetivos, hacer una elección entre la serie infinita de formas abstractas u objetos materiales que proporcionan - en otras palabras,, él es libre de elegir sus propios medios. Al hacerlo, que sólo obedece a su deseo interior. (KANDINSKY, 1991, p.133)

El asombro y la sensación apocalíptica se encuentran entre las impresiones que a principios del siglo XX dejó en pensamiento. La humanidad se enfrenta a los horrores de dos guerras mundiales y el nazismo, No podía tener otra interpretación del mundo que no era el caos y el desorden. Y esto se refleja en la vida atormentada Arte por la expresión y la subjetividad. Si la pintura final del siglo XIX ha sido testigo de un alejamiento de la realidad, Expresionismo consolida esta tendencia en los comienzos del siglo XX. La libertad del espíritu, mencionado por Kandinsky, en su texto anterior, Arte permitido acercarse aún más a la luz del pensamiento y de las emociones. distorsiones predominado; el rechazo de la perspectiva y la luz; y, en particular, una reorganización de las formas conocidas.

El grupo de la Brüke (el Puente) Fue la primera manifestación, el molde expresionista, en 1905, con los pintores Ernst Kirchner (1880-1938), Karl Rottluff (1884-1976), Emil Nolde (1857-1956), Oskar Kokoshka (1886-1980). Posteriormente se sumaron más artistas al grupo que apuntaban a rechazar el academicismo. influenciado por fauvismo, el movimiento llevó a cabo varias exposiciones a 1913, año en el que terminó oficialmente. Entre los que formaron grupos, Todavía le siguió Der Blaue Reiter (El jinete azul), de 1911, Franz Marc (1880-1916), Wassily Kandinsky (1866-1944), Paul Klee (1879-1940) e Lyonel Feininger (1871-1956). También se involucró con los artistas del movimiento Marc Chagall ⁴ (1887-1985), Nacido en Rusia, Chaim Soutine (1893-1943), Lituania; Amedeo Modigliani (1884-1920), de Italia; Diego Rivera (1886-1957), José Orozco (1883-1949) y David Siqueiros (1896-1974), protagonistas do Muralismo Mexicano; Constant Permeke (1886-1952), Bélgica; e Georges Rouault (1871-1958), de Francia.

Como precursores del movimiento expresionista también incluyen los nombres holandeses Vincent Van Gogh (1853-1890), el carácter distintivo de su trabajo, el uso de colores puros y la fuerza de los golpes; y el noruego Edvard Munch (1863-1944), que también pasado Simbolismo.

La melancolía y la depresión, común en las obras de Munch, acento en el grito (Fig. 4). celebrada en 1893, la obra recibió tres versiones y la primera fue pintado incluso antes Expresionismo fue reconocido como un movimiento. En la esquina inferior izquierda de la pintura, tres personas caminando sobre un puente; dos de los cuales un plano más distante y más cerca, destacado. Con las manos en la cabeza, la expresión de este carácter es la desesperación o angustia, como se afirma por Ayuda. Los colores cálidos del cielo y gran parte de la imagen parecen contrastar con el color azul del agua de un lago que es parte del paisaje. A lo largo de la escena, colores serpentean, que están terminando, Ellos no han salido de movimiento y mezclar. Las formas conocidas se deforman, las personas son angulares y distorsionada. La simplificación de las líneas y el abandono de las formas realistas denotan una preocupación del artista con la expresión. Y la desesperación que exterioriza el carácter refleja la vida del artista, debido a problemas psicológicos y familiares que pasó. estilo expresionista de Munch resume el espíritu y ha inspirado a los artistas del siglo XX.

Para algunos estudiosos, estilo autónoma de Amedeo Modigliani le hizo lejos de cualquier movimiento de las veces. Sin embargo, es posible reconocer rasgos expresionistas en su forma refinada de distorsión de la realidad. Los colores puros, intensa y la reducción de sus caracteres angulares son algunos de los atributos significativos de su trabajo artístico. Y esta es la característica más notable de su Madamme Kisling (Fig. 7). La mujer pelirroja angustiado, pelo corto, lleva un lazo, jersey y la camisa. Su rostro delicado y muy fina contrasta con la mirada melancólica. Mujer en el disco azul (Fig. 9) Es uno de varios desnudos del artista pintado. reclinada, con la mirada triste, se toca la barbilla con gesto pensativo. Su cara larga, languidez y postración parecen repetirse en otros personajes que el artista pintó (Fig. 6 y 8). En expresionista moldes, la simplificación de sus líneas es lo que mejora el aspecto y los gestos para la visualización en interiores. El artista tiene el dominio figurativa, pero su trabajo es la esencia, la exteriorización de sentimientos.

Para mí, por lo tanto, el campo del arte ha separado cada vez más el dominio de la naturaleza, hasta el día en que llegué a sentir cada una de estas áreas como totalmente independiente. (KANDINSKY, 1991, p.94)

Consideraciones finales

Lo sublime es ser siempre grande; la hermosa también puede ser pequeña; lo sublime es ser siempre simples; la hermosa puede blasonadas. A gran altura es tan sublime como una profundidad, pero esto va acompañado de una sensación de emoción y que es una maravilla (…) (KANT, 1942, p.9)

Para Kant (1724-1804), el hermoso trabajo se asocia con deleite, promueve la sensación de tranquilidad, internada por; la obra sublime, por su vez, molestar, persigue y es inquietante. Y el expresionismo consistente con la sublimidad, el impacto que causó la presentación de los formularios; con asombro intensa demostración de emociones. También se debe a la sublimidad de su naturaleza; el uso de colores vibrantes; distorsiones; y escapar de la realidad, características que estaban entre los principales atributos del movimiento.

En rasgos expresionistas se expusieron más de la visión interior del artista, pero, especialmente los sufrimientos de un período apocalíptico que enfrentó a los horrores de dos guerras mundiales. El movimiento impregnaba el campo de la música, danza, El cine y la fotografía y también pasaron la Literatura, los moldes de la poesía comienza este texto. En los años 30, radicalismo nazi puso fin a la Expresionismo, Alemania, pero su influencia es innegable que los artistas y los movimientos que siguieron después de la segunda mitad del siglo XX.

vibraciones, es decir, es que Arte debe jugar su propio papel, descomprometida, libre de la manera. La única responsabilidad del artista es a su interior; se ajuste a dejar que las emociones salgan a la superficie en la forma que más le convenga, para que el arte que su historia. Y es un texto para la reflexión,

Lejos de la realidad, (…) Arte revela la perfección misma, y la multitud se abría, observando el maravilloso brote de rosa de innumerables pétalos, Admite que es su propia que narran y ser su mente que a continuación se expresa de una manera nueva! (WILDE, 1994, p. 54)

¹ Vídeo sobre la arquitectura expresionista:
www.youtube.com/watch?v = FO3ToFMGQns

² Video del Pabellón de Cristal 1914:
www.youtube.com/watch?v = 1VeNxaHivHQ

³ Vídeo sobre Einstein Torre Valter Gropius:
www.youtube.com/watch?v = nZsbmkGAZ_0

⁴ Museo Marc Chagall - Sitio web oficial:
en.musees-nationaux-alpesmaritimes.fr/chagall

Referencias:

1. BAYER, Raymond. História da Estética. Lisboa: Editorial Estampa, 1993. Tradução de José Saramago.
2. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; BUGLER, Caroline; MACK, Lorrie. História Ilustrada da Arte. São Paulo: Publifolha, 2014.
3. FARTHING, Stephen. Tudo Sobre a Arte. Rio de Janeiro: Sextante, 2011.
4. GOMBRICH, E.H. A História da Arte. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
5. GRIMM, Reinhold; CAZAR, Irmgard. Alemán poesía del siglo 20. Nueva York: el Continuum International Publishing Group Inc., 2001.
6. HOMBRE DURO, Francisco pie. La venganza de Hiléia, da Cunha, Amazon y Literatura Moderna. São Paulo: Editora UNESP, 2009.
7. HAUSER, Arnold. História Social da Arte e da Literatura. São Paulo: Martins Fontes, 2003.
8. KANDINSKY, Wassily. Olhar sobre o Passado. São Paulo: Ed. Martins Fontes, 1991.
9. KANT, Immanuel. El Bello y lo Sublime. Pôrto:Librería Education Ltd. 1942.
10. PROENÇA, Gratis. Descubriendo la historia del arte. São Paulo: Routledge, 2005.
11. WILDE, Oscar. La decadencia de la mentira. Rio de Janeiro: Imago Editora Ltda, 1994.

Las figuras:

Fig. 1 – Torre Einstein, Erich Mendelsohn, 1924. Fotos: Kate Peeples Brown.

Fig. 2 – sentada, Wilhelm Lehmbruck, 1917, compuesto de yeso coloreado, 103.2 x 76.2 x 115.5 cm. National Gallery of Art, Washington. Fundo Andrew W. Mellon.

Fig. 3 – Permanente mujer, Wilhelm Lehmbruck, 1910, Bronce, 191.2 x 54 x 39.9 cm. National Gallery of Art, Washington. Fondo Bruce Mellon Ailsa.

Fig. 4 - Edvard Munch: El grito, 1910, Temple y óleo sobre cartón, 83,5 x 66 cm. Museo Munch, Oslo. Foto © Museo de Munch.

Fig. 5 - Edvard Munch: Virgen, 1895/1902, Litografia, 605 x 442-447 mm. Museo Munch, Oslo. Foto © Museo de Munch.

Fig. 6 – Mujer gitana con bebé, Amedeo Modigliani, 1919, óleo sobre lienzo, 115.9 x 73 cm. National Gallery of Art, Washington. Colección de Chester Dale.

Fig. 7 – Madamme Kisling, Amedeo Modigliani, 1917, óleo sobre lienzo, 46,2 x 33,2 cm. National Gallery of Art, Washington. Colección de Chester Dale.

Fig. 8 – Adrienne (Mujer con explosiones), Amedeo Modigliani, 1917, El aceite de linaza en, 55.3 x 38.1 cm. National Gallery of Art, Washington. Colección de Chester Dale.

Fig. 9 – Desnuda en el amortiguador azul, Amedeo Modigliani, 1917, El aceite de linaza en, 65.4 x 100.9 cm. National Gallery of Art, Washington. Colección de Chester Dale.

Fig. 10 – salón Bellevue, Ernst Ludwig Kirchner, 1909/1910, óleo sobre lienzo, 56 x 90 cm. National Gallery of Art, Washington. Ruth y Kainen Colección Jacob, Regalo en honor del 50 aniversario de la Galería Nacional de Arte.

Fig. 11 – Perros siberiano de la nieve, Franz Marc, 1909/1910, óleo sobre lienzo, 80,5 x 114 cm. National Gallery of Art, Washington. Sr. regalo. e señora. Stephen M. Kellen.

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