Romantik von Rosangela Vig

Sie können auch hören, dieser Artikel in seiner eigenen Stimme Künstler Rosangela Vig:

Diesem Sinne schuldig, in Ihrem Wald trevoso,
Sie hören nicht, Dieses Lied, die überraschende Berufung?
Zwei nur; fiel, wie der Himmel gibt keine Vergebung
Wer nur das schlagen seines Herzens hören.
Angelica Burgfräulein und der seraphischen geliebt…
Aber wo war die Liebe, die blinde Liebe
Immer getreu strenge Pflicht? (Aufwand wird
Ist ihm auf Célica Amplitude).
Ohne Führer, Liebe fiel verwirrt,
Durch "Tears of perfekt Schmerzen".
(POE, 1999, S.42)

Al Aaraaf ist das längste Gedicht von Poe (1809-1849). In diesem kurzen Auszug können Sie verstehen, warum der Autor wurde Generalbevollmächtigter der Romantik, US-uns, und Ihre Arbeit, weltweit anerkannt. Sein Stil war einzigartig, Schreiben Sie Ihre Links zeigt das drama, Das Geheimnis und die Aufregung. Seine Romantik übertrieben war, oft, pessimistisch, dunkel und aus Referenzen ins Jenseits. Ein phantasievoller Geist der Schriftsteller trafen noch, in diesem Gedicht, mythologischen Elementen und historische Fakten.

Die industrielle Revolution und der französischen Revolution, am Ende des 18. Jahrhunderts, verändert die Landschaft Europas, 19. Jahrhundert. Na Kunst, eine Reihe von Bewegungen, die entstanden, ermutigt durch diese Transformationen, zwischen Ls, Romantik, das kaufen und transit-Kräfte in der Politik, von der Philosophie, durch Musik, Literatur und Kunst. In der Form, Sie zeigten die Eigenschaften der Empfindung, der hype, der Subjektivismus, der Leidenschaften und Begierden der Virtuosität. A Kunst Es verengt ihre Verbindungen mit Poesie und Literatur, durch die mittelalterlichen heroischen Geschichten; und nationalistische ideale wurden bewertet.

Für einige Gelehrte, Besteht ein Zusammenhang zwischen Klassizismus und Romantik, Einmal, auf unterschiedliche Weise, gilt für beide, die Suche nach einem ideal. Wie, der romantische Stil war unvereinbar mit dem Rationalismus und gegen Konservatismus und Zahlungsbilanz Neoklassische. Geöffnet, mit diesem, Raum für den Ausdruck der Gefühle des einzelnen, die Förderung der Kreativität und Phantasie. Es war dem Künstler links, Freiheit ermöglichen deinen Geist zu überholen und ihn zu einem unabhängigen erstellen.

Was ich vorhin sagte, kann malen, sicherlich, gelten für Poesie. Es hat einfach das Gefühl, was ist exquisit und gewagt, sie auszudrücken, Und das ist, um genau zu sein, in wenigen Worten viel sagen. (GOETHE, 2009, S.30)

Die Architektur

Diese Liebe, Diese Treue, Diese Leidenschaft ist nicht, als eine Fiktion des Dichters! Sie lebt, Es existiert, und in Ihrem reinen Zustand, unter der Kategorie der Männer, dass wir manchmal ungebildet und so Gross sind. (GOETHE, 2009, s. 121)

Die Autonomie gab Flügel der Phantasie des Architekten und des 19. Jahrhunderts zeichnete sich durch die ästhetische Wiederbelebung. Der Eklektizismus und Freiheit linken Künstler frei, Perambularem für andere Zeiten, die Genauigkeit bringen zurück Griechisch und Romana im klassizistischen. In der Romantik, die ideale, Nationalismus und die Übertreibungen wurden im Zusammenhang mit der Mittelalter, Rückkehr zu, die romanischen und gotischen Stile. Architekten, Passform wandern die Straßen von Traum und Phantasie, große romantische Attribute.

In Frankreich, die Bücher von Victor Hugo ¹ (1802-1885), Der Glöckner von Notre Dame und Les Misérables, als Inspiration für die Bauten der Zeit gedient haben. Das Ambiente der Werke des Schriftstellers nahm der Architekt François-Christian Gau (1790-1853) der Bau der Basilika St. Clotilde, Paris, nach beendet, von Théodore Ballu (1817-1885). Die Kirche, errichtet zwischen 1846 und 1857, Es war eines der ersten Gebäude-neogóticas, Feature, das ist klar in der Form der Bögen, die Türen, und Windows; die Türme von fast 70 Meter hoch, das vermitteln ein Gefühl von Ende Vertikalität. Im Inneren, die Glasfenster und die Orgel, erbaut von dem berühmten französischen Organisten, Cavaillé-Coll (1811-1889) zu anderen Zeiten führen scheinen.

Unter den verschiedenen Neogóticas Konstrukte von Deutschland, der erste war der Friedrichswerderschen Kirche, Karl Friedrich Schikel (1781-1841), zwischen gebaut 1824 und 1830, in Berlin. Es ist auch in Berlin, das Neo-gotische Viertel, der Architekt Friedrich Waesemann (1813-1879). Der Stil ist noch heute in der Kathedrale von Köln, in der deutschen Stadt, mit dem gleichen Namen, deren Bau begann im 1248 und endete nur in 1880.

Eine der wichtigsten Kirchen von New York, die Kathedrale von Saint Patrick (Feige. 1), James Renwick, Jr.. (1818-1895) Gotik und auch sticht in mitten der Großstadt, umgeben von modernen Gebäuden. Erbaut zwischen 1858 und 1878, Das Gebäude bietet Platz für 3000 Personen und nimmt einen ganzen Block der Stadt. Das Gefühl und den Aufstieg zu Gott aufrecht ist die riesige Türme, Übergang von der 100 Meter hoch; oder das Dach in Form eines Kreuzes. Beziehen sich auf die Religiosität, die spitzbogigen Bögen Medien (Zahlen 3 und 4), Ich erinnere mich an seine Hände im Gebet und machen einen Verweis auf den Stil, der aus dem Mittelalter kam, und füllen Sie die Schönheit in Glasmalerei, am Boden und in den Skulpturen.

Aber Freiheit und Eklektizismus der Architektur trat der Bewegung, trat der organischen Formen und exotisch. Die neugotischen Stil ist noch heute in England, in der Burg von Westminster (1840-1888); in Bayern, Deutschland, Das Schloss Neuschwanstein (1870-1892) ist neuromanischen Architektur; Frankreich, Paris Opera, von Charles Garnier (1825-1898) ist Neo-Barock; in Portugal, Pena Nationalpalast, die gotischen Stile geerbt, Neoislâmico und neorrenascentista.

Die industrielle Revolution ermutigt die Verwendung neuer Technologien und neue Materialien, als Eisen und Glas. Die Gebäude aus dieser Zeit, die Verwendung von Metall-Struktur, demonstriert die Vielseitigkeit dieses Materials und dem Jugendstil zu erwarten. Aber vielleicht, die größte der Periode, wurde die Spontaneität, die die Architekten Kreativität frei navigieren erlaubt, macht Platz für die moderne.

Eine Skulptur

Der Gang der Ereignisse hat das Genie der Saison, eine Richtung, die droht, ihn zu halten, mehr und mehr ideale Kunst. Dies muss Realität und Aufstieg verlassen., mit Hemden Kühnheit, Neben den Entzug, denn die Kunst die Tochter von Freiheit ist und will durch die Notwendigkeit des Geistes gesetzlich geregelt werden, nicht durch Entzug der Materie. (SCHILLER, 2002, S.21)

Die übertriebene Romantik in Ausdruckskraft und Dramatik. Die Fantasie, Heldentum und Literatur ging hand in hand, und das Ergebnis könnte nicht schöner sein. In den Schlitz, die Skulpturen in Emotion übergelaufen, voller Ausdruckskraft und das Gefühl war, dass die Bilder materialisieren. Na forma, die Skulpturen wurden in Bewegung noch verschlimmert.; und das Touring fantasy-Themen, Sie bestätigte der Held, die Natur und der Phantasie des Architekten. Die Materialien waren die bronze, Marmor und Holz.

Unter den führenden französischen Bildhauer Antoine-Louis Barye (1796-1875), gefolgt von Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875) und François Rude (1784-1855), Es hatte die Teilnahme im Hochrelief vom Arc de Triomphe in Paris, mit dem Ausscheiden der freiwilligen.

Na figura 5, Barye links klar die große Eigenschaft von Ihrer Arbeit, Es war die Darstellung von Tieren, Obwohl Ihre Arbeit auch die Anatomie bestanden hat. Der Adler mit offenen Flügeln, scheint bereit, die Flucht ergreifen oder für einen Angriff. Bei Ihrer weiteren Arbeit macht ein Pferd von einem Tiger angegriffen nutzlosen Versuch, zu erhöhen. Er windet sich vor Schmerzen, Realisierung der Todeserfahrung. Die Betonung der Ausdruck Befreiung details, Wie war der Gedanke des Bildhauers der Periode.

Bereits das Mädchen mit der shell, in Abbildung 7, von Carpeaux, stellt einen Ausdruck lebhaften und Jugendlichen, Displays mit Anmut und Leichtigkeit. Komplette Unschuld der Szene, ein Lächeln der Mädchen, Das scheint Spaß zu haben spielen, Ihre locken, Wellen der Schale zusammenführen, die den Kopf hält. Unter den berühmten Werken von Carpeaux, sind Hugolino und seine Söhne, ausgesetzt in der Metropolitan, Nova Yorker; und Tanz, Das Museum von Orsay, Paris. Mit wenigen Habseligkeiten, der Bildhauer kamen mehrere Aufträge und Zahlen für Kurse zur Verbesserung. Ihre Freiheit und die Möglichkeit, Ihre Kreativität jedoch zu, kam erst mit der Anerkennung Ihrer Arbeit.

Die Malerei

Was mir das Herz verbraucht ist diese dominierende Kraft, die unter der Gesamtheit der Natur lauert und dass nichts produziert, die nicht zerstören, was ihn umgibt und, Schließlich, selbst… Und also ich wandere herum geplagt. Himmel, Erde und seiner aktiven Kräfte um mich herum! Ich sehe nichts, sondern ein Monster, das für immer schluckt und für immer zurück zu kauen und zu schlucken. (GOETHE, 2009, s. 82)

Die romantische Literatur pries die Leidenschaft, die platonische Liebe und Natur, die Moderation abgelehnt und lassen Sie sich mitreißen von Hype. In der Malerei, Dies war aufgrund der Descomedimento Räume, die große geworden sind, Offen, in der Nähe von Natur und Exotik. Die Gefühle haben geschätzt und wurde belegt. Die Lyrik der bukolischen Szenen waren eine Ablehnung des Konservatismus. Habe das deutliche Gefühl der Spiritualität, der Farbe, Sehnsucht nach Unendlichkeit (BAUDELAIRE in BLUGLER, 2014, p. 235). Romantik war weit entfernt von der neoklassischen.

Antizipation der modernen Kunst, die Farbe kam mit größerer Intensität verwendet werden, durch Flecken, mit gewundenen Linien, was darauf hindeutet, die Dramatik und Dynamik, ohne Rücksicht auf die Genauigkeit der Formen. Aber die Romantik trieb noch durch mehrere Länder, mit verschiedenen Funktionen. In Frankreich, Eugène Delacroix (1798-1863) und Théodore Géricault (1791-1824) Sie betonten, Farbe und Heldentum. Religiosität und Genauigkeit sind die Markenzeichen des Stils, Deutschland, mit Caspar (1774-1840). In England, William Turner (1775-1851) hob die Farbe Fleck und William Blake (1757-1827) übertrieben Exzentrizität. Und die düsteren Bilder von Francisco de Goya (1746-1828) waren die großen romantischen Darstellungen in Spanien. A Kunst sublime wurde.

Kurz vor dem Tod von Delacroix malte, die arabische Arbeit kämpfen in den Bergen (Feige. 8), linken Clara Dramatisierung eines Kampfes. Im Vordergrund der Szene, windet sich ein Pferd, auf dem Boden; der Ritter und die Last gefallen, zeigt einen Kampf. Im Hintergrund, Es gibt Leute, die, mit Waffen und Pferde. In der dritten plan, der felsige Boden führt zu einer Burg, am Ende der Szene. Das Bild ist komplett mit tadellosen Farbe Nutzung, in den blauen Himmel, die rote und weiße Kleidung der Charaktere, im Gegensatz zu den Pastelltönen des Bodens und des Berges.

Als Vorläufer des Impressionismus, Turner vertreten sehr gut die Romantik. Seine Art zu arbeiten mit Farbe, in den Flecken, Erinnere mich an Bilder verschwommen, bewegte Wolken, Verkündigung von Stürmen und, vor allem, menschliche Kleinheit im Angesicht der Erhabenheit der Natur. Na figura 11, das Meer und den Himmel scheinen zu verschwören sich gegen die Boote unterwegs. Die Störung der Wolken und der Agitation des Wassers sind Vorboten von den gewaltigen Kräften der Natur. Pauschal sind, in Venedig Turner (Feige. 12) die Richtigkeit der das Blau des Himmels und Ihre Reflexion im Meer. Das ist, wo Geist der Arbeit; Das treibt den Blick in die Szene und lädt zu erkennen, auch die Wärme, die Sonne strahlt, in Ihrem Versuch, zu entlarven, in der Mitte die verdammten Wolken. Die Szene der Segler mit Kohle (Feige. 13) ist verschwommen und der Protagonist ist der Mond. Sein Licht ist allmählich, absorbiert, nach und nach, die Landschaft, in der Mitte zusammenlaufen. Das Meer ist nur ein Spiegel der Klarheit, die Boote und das Leben. Einwandfrei mit den Techniken der Perspektive und Fluchtpunkt durchgeführt. Die Ungenauigkeit der Bilder, die Intensität der Farbe, geschwungene Linien und die Wirkung des natürlichen Lichts, sind die markanten Merkmale des Turner, wurden später von Impressionisten ausgenutzt..

Und sie hätten mehr schockierende Bilder Goya der Romantik. Die ästhetische Freiheit verdeutlichte die Empörung des Künstlers, über die Ungerechtigkeit und Unterdrückung, Wann wurde Spanien durch die Truppen Napoleons besetzt., das geschickt die Rebellen erschossen, in 1808. Seine Revolte gegen die Unterdrücker führte ihn zu produzieren die drei arbeiten kann 1808 ² (Feige. 20), das Thema wurde von Picasso inspiriert., in Guernica, VON 1937. In der Arbeit von Goya, wurde gedruckt, den Schrecken und die Angst der Zivilisten, gefangen, inmitten der Dunkelheit der Nacht, Neben gestapelten Körper. Intensivieren Sie den expressiven Charakter des Werkes, die Blut sprudelt aus auf den Boden und unbewaffneten Mann, in die Mitte, mit offenen Armen, Angst und Schrecken versetzt. Durch drama, der Künstler stellte klar Ihre Stimmung und Ihre Abneigung gegen Tyrannei. Goya arbeitete mit Lichteffekten, mit chromatischen Intensität, und mit der Farbe in Flecken; aber vor allem geschätzt und erhabene Gefühle, Hauptfigur der Romantik.

Ich sehe nicht, Linien oder details, Es gibt keinen Grund
Mein Pinsel mehr ich sehe..
(GOYA in BUGLER, 2014, p. 245)

Abschließende Überlegungen

Warum haben die Dinge auf diese Weise sein, und was macht das Glück der Menschen werden auch in deine Quelle Schmach.
Voll und mein Herz für die Empfindlichkeit mit der lebenden Natur warm, Ich überflutet so viele Leckereien, der Punkt, die Welt um mich herum wurde Paradies, Jetzt wurde, für mim, eine unerträgliche carrasco, ein Genie-Folterer, Das folgt mir überall. (GOETHE, 2009, s. 79, 80)

Es ist die Freiheit, dass Kunst des 19. Jahrhunderts, aber vor allem den Idealismus und ethische Werte, weil Sie Emotionen, Werte und Prinzipien. Für Schiller (1759-1805), die ästhetische Freiheit wäre in der Lage, eine Verbesserung der Ethik und Moral zu fördern. Der deutsche Schriftsteller, die glaubten, dass,

In den körperlichen Zustand leidet der Mensch die Kraft der Natur; bricht frei dieser macht in dem ästhetischen Zustand; und Domina im moralischen Zustand. Das ist der Mann, bevor die Schönheit erwecken ihre Lust frei und ruhig Verlangsamung seiner Tierwelt? Ewig in ihre Zwecke einheitliche, ewig abwechselnd in seinen Urteilen, aber selbst egoistisch, befreit, ohne frei zu sein, Slave ohne dienen in der Regel. (SCHILLER, 2002, p. 119)

Und Schiller hatte Recht. Für ele, die Ausbildung wäre eine Form des Gleichgewichts der Gesellschaft und so war es in Kunst und Ästhetik. Das ist, weil die Betrachtung eines Werkes bringt uns in Kontakt mit den Gefühlen des Brunnens und erweicht die wild. Durch Belo, der Geist fährt in Freiheit, und damit, der ethische Zustand.

Romantik in der Literatur noch ihre Spuren hinterlassen und, in 1774, Goethe (1749-1832) erschüttert von der deutschen Gesellschaft, mit den Leiden des jungen Werther. Die platonische Liebe, die zerstörerische Leidenschaft und tiefe Trauer des Werther können Selbstmorde inspiriert haben, die in Deutschland aufgetreten, zum Zeitpunkt. In England, Lord Byron (1788-1824) produziert das Gedicht Don Juan (1818-1823); und Horace Walpole (1717-1797) angefangen mit dem gotischen Roman das Schloss von Otranto (1764). In Frankreich, Schöne und das Biest, die ältere Version für die schöne und das Biest war in 1756, von Jeanne-Marie LePrince de Beaumont (171-1780) Ich passte die traditionelle Märchen von Gabrielle-Suzanne Barbot (1695-1755). Noch in Frankreich, Victor Hugo (1802-1885) Besetzung, in 1831, Der Glöckner von Notre-Dame und in 1862, Les Misérables, Ich hatte 7000 Exemplare verkauft 24 Stunden. In den Vereinigten Staaten, Poe wurde zu einem der größten Vertreter der dunklen Romantik, durch die Melancholie und Irrationalität.

Aber inmitten von so viel Reichtum aus dieser Zeit, Das wichtigste Erbe war der freie Geist und in der Liebe mit dem wahren und guten. Die Kunst des 19. Jahrhunderts wurde ein Mittel des Aussetzens ideale, aus ethische und moralischen Fragen gestempelt. Solche Bedingungen haben Spuren hinterlassen, das würde für immer ändern, den Sinn für Ästhetik und das würde schließlich ihren Höhepunkt in der modernen Kunst, im 20. Jahrhundert.

Und Poe das Gedicht, das dieser Text endet.

In einer wilden Mitternacht, Wenn ich lese, langsam und traurig,
Vagos, alten Bücher neugierig Wissenschaft,
Und ich fast einschlafen, Ich habe gehört, was Klang
Der Klang von jemandem leicht an meine Tür klopfen.
“Ein Besuch”, Ich erzählte mir, “schlägt meine Tür.
Es ist gerade diese, und nichts mehr.”

Ah, dass daran, dass erinnern! Es war im kalten Dezember,
Und das Feuer, sterbende negro, ungleiche Schatten urdia.
Wie sehr wünschte ich die Morgenröte, ganze Nacht der Bücher gegeben
Zu vergessen (vergebens!) der Geliebte, heute zwischen himmlischen Heerscharen –
Dies dessen Namen Sie die himmlischen Heerscharen kennen,
Aber keine Namen hier jemals!

Wie, schütteln, kalt und lose, Jeder Bildschirm lila
Erfüllte mich, Urdia seltsame Schrecken nie zuvor so!
Aber, selbst infundiert Stärke, Ich wollte zu wiederholen,
“Ein Besuch fordern ist hier in meiner Kammertür Eingang;
Ein späten Besuch fordert Einstieg in meine Kammertür.
Es ist gerade diese, und nichts mehr”.
(POE, 2008, s. 45)

Es ist sicher in jedem Fall, dass in dieser Welt ist nichts wichtiger als die Liebe zu Menschen. (GOETHE, 2009, s. 78)

¹ Victor Hugo war Schriftsteller und diente in der Politik. Seine bekanntesten Werke, Der Glöckner von Notre Dame (1831) und Les Miserables (1862).

² Video über die Hinrichtung von 3 Mai, Francisco de Goya, das Museo del Prado: www.museodelprado.es/Coleccion/Obra-de-Arte/El-3-de-Mayo-en-Madrid-o-los-fusilamientos/5e177409-2993-4240-97fb-847a02c6496c

Referenzen:

1. BAUDELAIRE, Charles. Auf der Moderne. Sao Paulo: Verlag Frieden und Erde, 1997.
2. BAYER, Raymond. Geschichte der Ästhetik. Lissabon: Editorial Stamp, 1993. Übersetzung von José Saramago.
3. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; TROMPETER, Caroline; MACK, Lorrie. História Ilustrada da Arte. Sao Paulo: Publifolha, 2014.
4. COSTA, Cláudio Manuel da. Ausgewählte Gedichte. Rio de Janeiro: Editora Saraiva, 2014.
5. Eagleton, Terry. Die Idee der Kultur. Sao Paulo: Editora UNESP, 2005.
6. FARTHING, Stephen. Alles über Kunst. Rio de Janeiro: Sextant, 2011.
7. GOETHE, Johann Wolfgang. Die Leiden des jungen Werther. Porto Alegre: Und. Die & PM. 2009.
8. GOMBRICH, E.H. Die Geschichte der Kunst. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
9. HAUSER, Arnold. Sozialgeschichte der Kunst und Literatur. Martins Fontes, Sao Paulo, 2003.
10. Massaud, Moses. Die brasilianische Literatur durch Texte. Sao Paulo Ed.Cultrix, 2000.
11. PERSON, Fernando. Anzeige-poetischen arbeite ich. Porto Alegre: Und. Die & PM. 2006.
12. POE, Edgar Allan. Die Philosophie der Komposition. Rio de Janeiro: 7 Letters, 2008. Übersetzung: LEA Viveiros de Castro.
13. POE, Edgar Allan. Gedichte und essays. Sao Paulo: Editora Globo, 1999.
14. POE, Edgar Allan. Die komplette Poesie. New York: Penguin-Gruppe, 2008.
15. SCHILLER, Friedrich Von. Die ästhetische Erziehung des Menschen. Sao Paulo: Und. Iluminuras, 2002.
16. SCHILLER, Friedrich Von. Fragmente das Preleções auf Ästhetik. Belo Horizonte: Und. UFMG - Institut für Philosophie, 2004.
17. VIG, Rosangela Araujo Pires. Kunst als Kommunikation an die Kommunikations AS ART. Kommunikation, Kultur und Medien, Uniso, Sorocaba: 2010. Verfügbar in:
    comunicacaoecultura.uniso.br/prod_discente/2010/pdf/Rosangela_Vig.pdf

Wie figuras:

Feige. 1 - Church of Saint Patrick, Nova Yorker, US, Miguel Vig Sohn.

Feige. 2 - Church of Saint Patrick, Nova Yorker, US, Miguel Vig Sohn.

Feige. 3 - Church of Saint Patrick, Nova Yorker, US, Miguel Vig Sohn.

Feige. 4 - Innenraum der Kirche von Saint Patrick, Nova Yorker, US, Miguel Vig Sohn.

Feige. 5 - Adler mit Flügel und Schnabel offen, Antoine-Louis Barye, Datum unbekannt Modell, nach zusammengeführt 1862, in bronze. National Gallery of Art, Washington. Geschenk von Elizabeth L. Klee.

Feige. 6 - Dromedar in Algerien, Antoine-Louis Barye, Datum unbekannt Modell, wahrscheinlich nach geblasen 1862, Bronze. National Gallery of Art, Washington. Herr Sammlung. und Frau. Paul Mellon.

Feige. 7 - Mädchen mit einer Schöpfkelle, Jean-Baptiste Carpeaux, geschnitzte zwischen 1863 und 1867, in Marmor. National Gallery of Art, Washington. Samuel H. Kress-Sammlung.

Feige. 8 - Araber kämpfen in den Bergen, Eugène Delacroix, 1863. National Gallery of Art, Washington. Chester Dale Fonds.

Feige. 9 - Nackten Krieger mit Speer, Théodore Gericault, 1816. National Gallery of Art, Washington. Chester Dale Collection.

Feige. 10 - Frühlingslandschaft im Norden, Caspar, 1825. National Gallery of Art, Washington. Schirmherren’ Permanent Fund.

Feige. 11 - Die Fähre nach Rotterdam, Joseph Mallord William Turner, 1833. National Gallery of Art, Washington. Ailsa Mellon Bruce Collection.

Feige. 12 - Venedig: Zoll- und San Giorgio Maggiore, Joseph Mallord William Turner, 1834. National Gallery of Art, Washington. Widener Sammlung.

Feige. 13 - Segler mit Kohle im Mondschein, Joseph Mallord William Turner, 1835. National Gallery of Art, Washington. Widener Sammlung.

Feige. 14 - Die Entführung der Proserpina, Joseph Mallord William Turner, 1839. National Gallery of Art, Washington. Gabe der Frau. Watson B. Walker.

Feige. 15 - Zoll- und Santa Maria Gesundheit, Venedig, Joseph Mallord William Turner, 1843. National Gallery of Art, Washington. Im Speicher der Gouverneur Alvan T gegeben. Fuller von der volleren Stiftung, Inc.

Feige. 16 - Das letzte Abendmahl, William Blake, 1799. National Gallery of Art, Washington. Rosenwald Collection.

Feige. 17 - Don Antonio Noriega, Francisco de Goya, 1801. National Gallery of Art, Washington. Samuel H. Kress-Sammlung.

Feige. 18 - Junger Mann mit Kopfschmuck und basquina, Francisco de Goya, 1800-1805. National Gallery of Art, Washington. Gabe der Frau. P.H. B. Frelinghuysen.

Feige. 19 - Lady Sabasa Garcia, Francisco de Goya, 1806-1811. National Gallery of Art, Washington. Andrew W. Mellon Collection.

Feige. 20 - Die Hinrichtung von 3 Mai, Francisco de Goya, 1814. Museo del Prado.

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