Neoklassische Art durch Rosangela Vig

Sie können auch hören, dieser Artikel in seiner eigenen Stimme Künstler Rosangela Vig:

Ich sage, dann, Dies dient als Ausgangspunkt und Basis, wenn ich zugeben, dass es eine Schönheit in dir und für dich, eine Freundlichkeit, eine Größe in dir und für dich, und das gleiche passiert mit allen. (…) Durch die nach diesem Prinzip scheint mir nicht Gefahr ausweichen: Sicherheit zu beantworten, andere, dass wegen der schönen Dinge schön sind! Nicht so zu denken? (PLATO, 1999, p. 168)

Die Philosophie von Plato transzendiert Zeit, Es ist so aktuell wie tief. Ihr Denken führt uns in die schöne Welt der Ideen, Was verbindet das gesund ist, Wahrheit und Vollkommenheit. Na Kunst, Das schöne ist das Ergebnis von Farben und Formen, in perfektes arrangement, so harmonisch kombiniert wie die Noten eines Liedes. Bei der Betrachtung, die Belo bewegt sich das Feld der Empfindungen, ist eine Quelle der unendlichen Freude und führt das Herz bis zur Ekstase.

Es ist immer noch in den Klassikern Modernität gierige Suche wissen und Zutaten für die neue. Es war so mit der klassizistischen Kunst. Der Antike, die in anderen Zeiten der als Vorbild diente Kunstgeschichte, Dies gilt als eine Quelle der inspiration, aber dieses Mal, mit Ernsthaftigkeit behandelt, mit Hilfe der genauen Begründung der Geschichte, Dank der Entdeckungen von Pompeji und Herculaneum. Die beiden italienischen Städte wurden in begraben. 79 G. "., durch den Ausbruch des Vesuvs. Bei Ausgrabungen, die begann in 1738, Objekte gefunden wurden, Möbel, Porzellane und Wandmalereien. Solche Artefakte diente als Vorbild für viele Künstler. Die Mythologie hat einen neuen Ansatz erworben., Das war die Rokoko. Die Darstellungen der Liebe, Amor, Die Nymphen und die bukolische Bilder gab Platz zu den heroischen Szenen. In der Form, die dramatische und die Übertreibungen des Barock wurden außer acht gelassen., sowie die Oberflächlichkeit des Rokoko.

Das Format hatte seinen Höhepunkt 1830; zwischen dem 18. und 19. Jahrhundert blühte, unter starkem Einfluss der Aufklärung gedacht; während des 18. Jahrhunderts philosophische Erbe; die französische Revolution; und die industrielle Revolution. Die Bewegung hatte einen kulturellen Hintergrund, als ein Spiegelbild der sich wandelnden Zeit, der Aufstieg des Bürgertums und des Rationalismus der Aufklärung.

Architektur

Sie diese Dinge einfacher Zuflucht, sicherer, höchsten! Was trägt die schwerste Körper in der Mitte dieser Welt, die Aussetzung der Feuerzeug, nehmen Sie die höheren Regionen des Feuers, zeigt die Astros ihre Rotation und, so, viele andere Phänomene noch schöner (SENECA, 2006, pp. 80 und 81)

In der Architektur, die klassizistische links zeigt ein Treffen zwischen der Präzision der griechischen und römischen Modelle und Rationalität der Aufklärung. Klassische Architektur, die Periode erbte die Verwendung edler Materialien, wie Granit, Marmor, Das Holz, und fortschrittliche Technologie. Die Größe und Monumentalität kamen aus Römer; die Anmut und Leichtigkeit, von der Griechen. Der Aufklärung, habe die neoklassische Architektur, die Einfachheit und Logik, in der Konstruktion.

Die Kirche von St. Madeleine, Frankreich, unter den Gebäuden dieses Stils. Die Website ist der aktuelle Pfarrei des Erzbistums Paris und seinen Portikus wurde inspiriert von einem der am besten erhaltenen römischen Tempel, die Maison Carrée. Ihre 52 Spalten, bei 20 Meter hoch, entlang des Gebäudes ähneln eines römischen Tempels. Wie eine Konstruktion des klassischen Altertums, das Pantheon von Paris (Feige. 1), auch folgte die neoklassische Linie. Als eine Mission gebaut., die Struktur arbeitet derzeit als mausoleum, Wo liegen die Überreste von mehreren Persönlichkeiten in der Geschichte von Frankreich. Das grandiose Gebäude hatte seinen Portikus, basierend auf dem Roman Pantheon, Was ist klar in seiner 22 Säulen im korinthischen Stil. Auf sie, die dreieckige Giebel komplettiert die Hauptfassade. Die Schönheit des Ortes ist komplett mit Inneneinrichtung, Das versöhnt die Genauigkeit und die Leichtigkeit des Klassikers, mit ernst und Nüchternheit der neoklassischen.

Skulptur

Leben ist in drei Perioden unterteilt.: Was war, Was ist und was sein wird. Was wir tun ist kurz, Was tun wir, zweifelhafte, Was wir getan haben, einige. Tatsächlich das Schicksal verlor die Kontrolle über die Vergangenheit, Niemand kann es abrufen möchten. (SENECA, 2006, pp. 49 und 50)

Es kann betrachtet werden, na Skulptur, die klassizistische unterzeichnet zwei Phasen. Zunächst, der Ansatz mit der klassischen Kultur, Es wurde klar in den Referenzen zu Philosophen und Mythologie. Mit dem Alter von Napoleon, die geschnitzten Bilder begann, die Figur des Kaisers zu loben, erschienen bei Pferden, Nachweis ihrer Pracht und macht.

Die Klarheit und strenge sind die Markenzeichen der neoklassische Skulptur. Das Material der Statuen, ohne Bilder, war auf dem display. Ohne Übertreibung, die Bilder bleiben die Ausdruckskraft der dargestellten Szenen. Die italienische Antonio Canova (1757-1821) Es war eine der größten und renommiertesten Vertreter der Skulptur aus dieser Zeit. Maler, der Künstler zeigte sein können mit der Skulptur von der 16 Jahre, Wenn wir Aufträge erhalten. Seine Vorliebe für Antike war scharf in seiner umfangreichen Produktion.

Die verschiedenen Versionen des Werkes, Eros und Psyche (Feige. 2), vom Künstler selbst gemacht, in der Metropolitan ausgesetzt sind, em Nova York,; in der Eremitage, in Sankt Petersburg, Russland; und im Louvre, Paris. Ohne die Auswüchse der Barock und das Rokoko, der Künstler hat den klassischen mythologischen Durchgang produziert., Wenn Amor Psyche weghaut, mit dem Kuss der Liebe. Vertretung der Liebe sublime, in der Szene, die Liebenden sehen, nähern sich die Gesichter, aber nicht berühren, verlassen die shows, raffinierte Sinnlichkeit. Amors Flügel sind unterwegs, als wäre er bereit, Flug und nehmen Ihre liebsten, sich ihnen anzuschließen. Sie, andererseits, Heben Sie die Arme, für Ihre liebsten, Ihre Einladung.

Malerei

Genie ist das Talent, das Kunst-Regel gibt. Seit sein eigenes Talent während produktive College zu angeborenen Natur des Künstlers gehört, auch wenn Sie auf diese Weise zum Ausdruck bringen könnten. Genie ist die angeborene Neigung des Geistes, durch die Natur von Kunst-Regel gibt. (SIDE, 1998, p. 211)

Und das Genie in Farbe auch ihre Spuren hinterlassen. Die Inspiration in den Klassikern führte Künstler zur Praxis Genauigkeit, die Symmetrie und proportion. Der Kontext des 19. Jahrhunderts und der Aufklärung, flossen in den Intellekt und Idealismus. Und es war wunderschön, erhalten neue Funktionen, Desvencilhou Kunst des Rokoko Laxheit und kleidete sich von Vernunft und Moral. Zwischen den Attributen der Malerei sind die Suche nach Kontraste zwischen hell und dunkel und das Interesse an der Natur.

Und diese Attribute sind in dem Werk Parnassus (Feige. 3), VON 1761, von Anton Raphael Mengs (1728-1779). Viel von allen bewundert, Das Fresko wurde im zentralen Teil des Daches der Villa Albani, ein Palast in Rom, für Kardinal Alessandro Albani. In der Arbeit, Mengs klargestellt, dass sein Rücktritt barocken Traditionen und zur Schau gestellt, das Stipendium und die Rückkehr in die Mythologie, deutliche Spuren der Neoklassik. Die Mitte des Bildes, repräsentiert die Harmonie, Perfektion und Poesie, ist Apollo, der protagonist, Gott der Jugend, Kunst und Musik. Die Musen sind rund, Jedes Symbol für seine wichtigsten Attribut. In der Malerei sind Spuren stammen aus der Arbeit von Rafael, der Renaissance, Maler, der seinen eigenen Vater von Mengs bewundert. Durch die Porträts von Reisenden, die Tat, Mengs in Rom bekannt wurde und seine Arbeit war von großer Bedeutung für die Verbreitung des neoklassischen Stils.

Unter den renommiertesten Malern des Zeitraums ist Jacques-Louis David (1748-1825). Beeinflusst durch den Historiker Johann Winckelmann und Mengs (1717-1768), David war ein Schüler von einem anderen großen Künstler der Zeit, Joseph-Marie Vien (1716-1809); diente als offizielle Hofmaler und der französischen Revolution, Bewegung, die unterstützt; und er kam, verhaftet zu werden. Zwischen den Attributen seiner Arbeit, sind die historischen Themen; die Fakten im Zusammenhang mit dem Leben von Napoleon; und die Spuren der Antike, klar in der Perfektion der form, in ernsten Themen und Charaktere. Seine Arbeit, Der Schwur der Horatier, VON 1784, ist das berühmteste Gemälde in der neoklassischen und etablierte den Namen David als den wichtigsten und einflussreichsten Künstler Frankreichs. Dramatisch, die Arbeit stellt die edlen Eigenschaften der Stärke, der Patriotismus, der Mut und Opferbereitschaft, durch ein Ereignis in der Geschichte des antiken Roms.

Im Auftrag von Prinz Nikolai Yusupov und Kunstsammler (1750-1831), Sappho und Phaon der Arbeit (Feige. 4), von David, eine Anspielung auf das antike Griechenland. Im Zimmer, klassisch gestaltet sind junge Sappho; seine Geliebte, der mythische Charakter, Phaon; und Amor, kniend. In der Szene, eines der Gedichte von Sappho ist in einer Rolle, Entspannen am Bein und sie scheint zu versuchen, Ihre Lira nehmen, Amors Hände. Die Einfachheit der Natur, in der äußeren Umgebung, um den Kontrast mit den reich geschmückten Innenraum scheint, mit Marmorboden, mit Pilastern und Stoffe in Hülle und Fülle, voller Falten und Falten, an der Spitze des Bettes. Die Lyrik der Szene, zwei Tauben küssen das Fenster; und der Wollust der Protagonisten. Im wurde deutlich die Qualität der Arbeit von David, als Porträtmaler. Ausgewogene Zusammensetzung, die Farben und Formen harmonisch zusammenpassen, enthüllt die Inspiration in der Renaissance von Raphael. Caravaggio ist Barock, die Lichteffekte wurden, in der Arbeit.

Unter den Malern der Periode ist es auch die Franzosen erinnern., Dominique Ingres (1780-1867) (Feige. 7); Élisabeth Vigée-Lebrun (1755-1842), Anne-Louis Girodet (1867-1824) und Jean-Baptiste Regnault (1754-1829); Schotte Gavin Hamilton (1723-1798); und die russischen Karl Briullov Pawlowitsch (1799-1852).

Final Thoughts

Lernen Sie von den Menschen des Altertums, Natur zu sehen… Sie selbst sind der Natur; müssen von ihnen gefüttert werden. (Ingres in TROMPETER, 2014, p. 221)

Und zwar die Kunst über wiedergeboren Klassiker, Ideale der Aufklärung nahmen Stärke, mit Montesquieu (1689-1755) und Voltaire (1694-1778). Na Literatura, entstand die erotischen Romane des Marquis de Sade (1740-1814); Robinson Crusoe von Daniel Defoe (1660-1731); Gullivers Reisen, von Jonathan Swift (1667-1745). Mitten in der Effervescences Periode zu schaffen, die Kunst war, Stellung zu nehmen, demonstriert die unersättliche Suche nach schönen.

UND, Noch einmal, der menschliche Geist ließ sich von Klassikern verführt, wirklich verzaubert durch das Vermächtnis dieser antike links. Seine Zauber Kunst nahm robuste Aspekt, mit neuen Perspektiven, mit neuer Kleidung und schönen, von selbst. Für Schiller (1759-1805),

In den körperlichen Zustand leidet der Mensch die Kraft der Natur; bricht frei dieser macht in dem ästhetischen Zustand; und Domina im moralischen Zustand. Das ist der Mann, bevor die Schönheit erwecken ihre Lust frei und ruhig Verlangsamung seiner Tierwelt? Ewig in ihre Zwecke einheitliche, ewig abwechselnd in seinen Urteilen, aber selbst egoistisch, befreit, ohne frei zu sein, Slave ohne dienen in der Regel. (SCHILLER, 2002, p. 119)

Der Philosoph glaubte an moralische Entwicklung, durch künstlerische Veranstaltungen. Für Sie, der Mensch wird zu unbegrenzten angetrieben., Annäherung an Freiheit, Lockerung den wilden Zustand. Die Kunst spricht, denn der Geist und Ansatz der Person in der ethischen Zustand. Und um das ganze abzurunden,

Ein Mann sollte ein wenig Musik hören., Lesen Sie ein wenig Poesie und sehen ein schönes Bild zu, jeden Tag Ihres Lebens. (Goethe in TROMPETER, 2014, p. 221)

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