Moderne Kunst - Abstraktion von Rosangela Vig

Sie können auch hören, dieser Artikel in seiner eigenen Stimme Künstler Rosangela Vig:

Alumbramento
Ich sah den Himmel! Ich sah den Himmel!
Ah diese Engels Weiße
Keine pejos traurig und ohne Schleier!

Nicht eine Wolke von Bitterkeit
Kommt die Seele unsettle.
Und ich fühle mich schön… und das Gefühl der reinen…

Eu vi nicht! Eu vi nicht!
Ach, Kristallisation des Nebels
Ein amortalhar, blinkend!
(FLAGGE, 2008, S.51)

Vielleicht, wenn der Künstler den Blick schließt dringt die Kunst in die Tiefen seiner Seele. Das ist, wenn dein Geist wandert. es löst dann einen Zusammenstoß zwischen der realen Welt, dass die Entmutigungen, Melancholie und rau; und die Welt der comprazimento und Begeisterung, die nur der Traum ist bekannt. Vielleicht wird diese geboren reine Kunst, freie Verbindungen des wirklichen Lebens und das Wetter und Stürme, die Laien bestehen auf unsere Seelen. Nur reine Kunst führt den Geist in einen Rausch, eine Klippe von Emotionen oder ein Anstieg von Eindrücken, die oft in der Seele verborgen waren. Der Künstler ist derjenige, der den Weg für diese geheimen Anschläge entdeckt. Der freie Geist schwebt durch diese Aussparungen und erfreut sich an Emotionen und Freude. Vielleicht ist dies die größte Rolle der Kunst.

Diese Reinheit der Ideen können in Form oder Farbe sein; unter realistischen Darstellungen, surrealistisch oder abstrakt und stellt die Wirklichkeit unter dem Blick des Künstlers. Die abstrakte Kunst geht durch diese Pfade, jenseits der realen, auf die Realität des Auges der Seele und der intrinsischen Bedeutungen. Diese Form des Ausdrucks desrealiza die bekannte Welt; frei schwebt in den Bereichen Form und Farbe, wie die Noten eines Liedes spielen; als ob in einer Dämmerung Bildschirm, um die Formen und Farben in reinem Zustand stehen. Ali Nuancen entstehen, es mischen, verblassen wie die Blütenblätter von blühenden Blumen, ein endloser und interessanter Witz.

Im Rahmen der modernen Kunst, in den frühen zwanzigsten Jahrhunderts nahm Abstrakte Kunst Form und weiter bis in die Gegenwart, als revolutionäre Art und Transformator. Vor dem Ersten Weltkrieg, die abstractionism dämmern in mehreren Ländern, als eine Möglichkeit, das gesamte Potential von Farbe und Form zu erkunden, von der Realität.

Wichtige historische Episoden markiert die erste Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts. Europa sah die Geburt der Sowjetunion Kommunisten; die Welt gelitten aus dem Ersten und Zweiten Weltkrieg; der Absturz der New Yorker Börse, in 1929, Sie führte zu der Großen Depression. Zu den Änderungen der Periode, Europäische Gesellschaft hat sich in großem Umfang mit den Frauen in den Arbeitsmarkt verlassen, die Männer zu ersetzen, die in dem Krieg genannt wurden. Das Familiensystem für so viele Jahre war hart und modifizierte, auch nach dem Krieg, Frauen weiterhin arbeiten. A Kunst Es hat sich zu diesem neuen Lebensstil angepasst und stehen bei der Förderung der Moderne.

Architektur

Unsere eigene Zeit benötigt seine eigene
Form… seine eigene Manifestation.
(Gerrit Rietveld in Glancey, 2012, p. 177)

Die moderne strode und brachte Innovationen in der Architektur, für das Jahrzehnt 30. Im Anschluss an die Gesellschaft der Zeit die wichtigsten Veränderungen aufgrund der Einfachheit halber auf die Suche waren, von Funktionalität und durch ein Lösen der Ornamentierung. Die Geometrie und Abstraktion, die zum Aufmalen kamen von großen Interesse in der Innendekoration zu sein, mit einfachen Formen und geraden Linien.

Allerdings sind diese neuen Architekturmodelle waren zugänglich nur für vermögende Kunden. die Massen, noch vor dem Zweiten Weltkrieg, Sie neigten eher konservativ zu sein. Aber die Tatsache ist, dass die unkalkulierbaren Zerstörung in ganz Europa, während der Kriege, Sie führte zu der Notwendigkeit, Häuser in der Menge zu bauen, schnell und effizient. Architekten passen immer noch die Herausforderung Gehäuse des Gebäudes für die Arbeitnehmer, dass angebotenen Lebensqualität, mit Gärten und Sonnenschein.

Neue Konzepte für Design und Architektur waren auch in der Zeitschrift verbreitet De Stijl (Der Stil), in Gründung 1917, por Theo van Does (1833-1931); Piet Mondrian (1872-1944); e Georges Vantongerloo (1886-1965). Der Zweck des Magazins war ein ästhetisches zu verbreiten, die Perfektion und geistige Harmonie genähert; zusätzlich zu der Verwendung von neuen Formen und Grundfarben für die täglichen Aufgaben der Förderung.

Der niederländische Architekt und Designer Gerrit Rietveld (1888-1964), Gründer der modernen Architektur International Congress, Wir kamen Teil des Magazins zu sein, für die sogar schrieb 1928 und es war die erste, die Prinzipien des Magazins in seinem Stil anzuwenden. Seine wandte sich Sorge um die soziale, mit einem Produktionsmedium zugänglich, standardisiert, das macht den Einsatz von neuen Materialien. Beispiel für Lockerung Wohnräumen ist das Rietveld-Schröder-Haus ¹ (Zahlen 1 und 2), Architekt, Baujahr 1924, in der Stadt Utrecht, Holland, nach den Konzepten der Bewegung De Stijl. Der Bau, Modernes Symbol in der Architektur, Er erhielt in 2000, Status des Weltkulturerbe der UNESCO.

Es kann sein, dass die Fassade des Hauses zunächst ein Kunstwerk oder einen Mondrian erinnert, mit seinen geraden Linien, Quadrate und Rechtecke überlagert, in Grau und Weiß, gerade Linien, von denen stehen in schwarz und rot. Mildernde die Geometrie der Konstruktion, die Pflanzen scheinen diese Verschmelzung von Farben zu ergänzen, die korrekte Messung. Einen Würfel, zweigeschossige, Haus steht, unter der anderen Straße. Und wenn das Äußere des Hauses erinnert an ein Kunstwerk, Sein Innenraum ist nicht anders. Die Farben und Geometrie sind in jeder Umgebung und ist die spürbare Nutzung der jeden Raum und jede Ecke, ziemlich, die korrekte Messung.

Das bekannteste Werk ist das Rietveld Red and Blue Chair, das "Rot-Blau-Stuhl" ² auf dem Display im MoMA, in New York City. Das Deko-Objekt schlägt die Verwendung von geraden Linien, Linien und Farben auch in Möbel. Mit blauer und roter Sitzlehne, Der Stuhl hat Rahmen und Arme Holzbalken aus dünnen schwarz lackiert. Die sinnvolle Nutzung von blauen und roten Leben mit der Schwere der strukturellen Linien kontrastiert, was verbessert irgendwie die Verbindung mit der Moderne und der Kunst.

ich Wien, zwischen 1919 und 1933, Sie wurden gebaut 66.000 Gehäuse, unter der Leitung des Architekten Karl Ehn (1884-1959). Viele dieser Häuser waren klein, in den Vororten mit Garten gebaut, das Modell von England gebracht. Mit kühnen Vorschlägen, Niederländischen Städte Amsterdam und Rotterdam auch in die Massenwohnungsbauprogramme.

Auf dem Gebiet der Architektur ist es immer noch wichtig, das Konzept der Vereinfachung und einige Details zu erinnern, das Werk von Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969); die Sorge, mit dem Licht von Le Corbusier (1887-1965); oder die Funktionalität der Werke von Walter Gropius (1883-1969), Gründer des Bauhauses ³ und Pionier der modernen Architektur.

Die größere Außen Unähnlichkeit wird die größte Ähnlichkeit innerhalb.
(KANDINSKY, 1991, p. 125)

Skulptur

Große Freiheit, unbegrenzt in den Augen einiger, dass erlaubt uns, die Stimme des Geistes zu hören, wir sehen, manifestieren sich in Dinge mit einer bestimmten Stärke, wird nach und nach nutzen, und nutzt bereits alle geistigen Domänen als ihre Instrumente (…).
(KANDINSKY, p. 125, 1991)

Die Entfernung des Realismus war die Hauptmarke der abstrakten Ästhetik. Im Bereich der Skulptur, unbegrenzt und Freiheit wurden auch mit einfachen Linien verbunden sind, Rationalismus, Die organischen Formen und die Verwendung von unterschiedlichen Materialien.

Sie gehörten zu den großen Namen der Zeit, die Bildhauer Constantin Brancusi (1876-1957), Henry Moore (1898-1986) und Jorge Oteiza ⁴ (1908-2003).

Mit Werken in mehreren Ländern, Britischer Henry Moore arbeitet in großen produziert und kam durch verschiedene Aspekte der modernen Kunst beeinflusst werden, die Anfang des zwanzigsten Jahrhunderts und Constantin Brancusi. Die Zusammenfassung Moore erhielt realistische Razzien, durch Verzerrungen modifizierte, als ob die Bilder waren organisch, offen, mit Bewegungen, Gesten und Wellen. Die Leichtigkeit seiner Arbeit kam von der Inspiration in den Formen der Natur und Pflege der Anpassung an die Umgebungen, in denen ein Teil waren. Sein Stil wurde auf seinem Reclining Figures gedruckt ⁵, durch die Art und Weise bekannt skizzierte der Künstler den Körper, ohne sie zu drucken Details. Die Arbeiten scheinen still, mit langsamen Gesten, wie an imaginäre Fläche ruhen.

Autodidakt, Jorge Oteiza (1908-2003) in Skulptur begann, unter dem Einfluss des Expressionismus, aber sein Stil erworben abstrakte Razzien in den nächsten Jahren 50, nach dem Kontakt mit der Arbeit von Henry Moore. Die Inspiration in dem abstrakten Maler führte zu der Idee von Oteiza leerer geometrischer Formen. Seine Serie „Empty Boxes“ entstand in diesem Zusammenhang, zwischen den Jahren 1957 und 1958. Zu den Auszeichnungen der Künstler, war in São Paulo Biennale, in 1957. Halten Sie die Volumengenauigkeit, der Künstler skizzierte die bekannten Formen, Reduzieren sie ihre äußeren Linien, als ob sie hohl.

Die Popularität von escultures und Händler kamen mit der Besetzung des öffentlichen Raums, wie Parks und Gehwege, als dekoratives Element ähnlich dem, was in der Renaissance geschah.

Malerei

Blau, die blaue rose, Rose und fell.
Der starke, oder bis sibilou und fez-wenn Eindringling, aber nicht durchbohrt.
In allen Ecken und enden, was Resonanz.
Die dicke braune ausgesetzt war, anscheinend für alle Ewigkeit
Anscheinend. Anscheinend.
(KANDINSKY, 1991, s. 163)

Nichts ist mehr berauschend als die Zeit, wenn die Arbeit erzeugt wird,. Diese Begeisterung ist spürbar im Angebot Kandinsky (1866-1944) und zeigt, dass, neben der Malerei, Der Künstler war auch geschickt im Umgang mit Worten. Seine Werke zeigen eine starke Verbindung mit Musik, woher es kam viel von seiner Inspiration. Für Kandinsky Farben und die Bewegung einer Arbeit an Musik verknüpft. Aus Melodie suchen, seine Bilder distanzierten sich von der figurativen als künstlerische Konsistenz und Reife demonstriert. Und das Feld der Abstraktion war, wo Kandinsky Kunst-Musik angesiedelt.

Die Realität Distanzierung Idee, die seit dem späten neunzehnten Jahrhundert von Künstlern erlebt wurde, mit der Fauvismo und die Expressionismus, Es wird konsolidiert mit Kubismus, dass die Türen geöffnet zu Abstrakte Kunst. Das Gemälde kam eine subjektive Darstellung der Idee, dass der Künstler die Dinge hatte und die Welt. Die ersten Arbeiten entstanden aus 1910 und, bis zum heutigen Tag, die abstrakte Kunst trotzt Blick, nach innen und auf das Gebiet der Empfindungen zu drehen.

Noch unter dem Einfluss des Expressionismus, in den ersten Jahrzehnten des zwanzigsten Jahrhunderts, entstehen in wichtigen Bewegungen Deutschland, die in der abstrakten Kunst gipfelte. Einschließlich der Brücke (Die Brücke), in 1905; und The Blue Knight (Der Blaue Reiter) in 1911, das war Teil Wassily Kandinsky (1866-1944), juntamente com Alexej von Jawlensky (1864-1941, Franz Marc (1880-1916), August Macke (1887-1914), Paul Klee (1879-1940), e Marianne Von Werefkin (1860-1938). Unter dem Einfluss des Expressionismus und der Gruppe Der Blaue Reiter, wurde der Wunsch nach einer Kunst geboren, dass die Künstlerseele und Empfindungen Feld genähert. Die Lyric Abstraction oder Informal dann platzen, vom Expressionismus beeinflusst, von Fauvismus und mit Kandinsky als seine Vertreter. Starke Inspiration in mathematischer Strenge und Rationalität des Kubismus und Futurismus, Es ist auch eine zweite Gruppe gebildet, Geometrische oder Abstracionismo. Im Anschluss an den rationalen Denken, verzweigt die Gruppe in verschiedenen Aspekten rund um die Welt aus, einschließlich Suprematismus mit russischer Kazimir Malevich (1879-1935); oder Neoplasticismo, Magazin verbunden De Stijl, wie Piet Mondrian (1872-1944) e Theo van Does (1833-1931), na Holanda; Konstruktivismus, Auch in Russland; oder Concretismo, mit dem Schweizer Max Bill (1908-1994); und Neoconcretism, no Brasil, mit Hélio Oiticica (1937-1980) und Lygia Clark (1920-1988).

Es ist nicht schwer zu Kandinsky Kunst der Musik zu verbinden. Na figura 5, Sie können die Töne der musikalischen Noten von seiner bunten Orchester wahrnehmen, das Zentrum eines imaginären Bühne. Von Scheinwerfern beleuchtet, die schwarzen Linien schneiden Raum, Einrollen in farbigen Kreisen, translúcidos, die auch zur Umsetzung. Die Szene sieht heikles Thema Geräusche, jede Bewegung. Es ist verständlich, dass seine Kunst einen internalisierten Inhalt nähern, mit Blick auf den Geist, zu einem tieferen Verständnis.

Mit einer Palette von Farben kleiner, die Karte für die Ausstellung des Bauhaus (Feige. 6) auch mit geraden Linien dargestellt, als zu farbigen Kreisen gegen. Ihr Gelenk, entstehen neue Formen gefüllt oder leer, jeder ist mit dem anderen nebeneinanderliegenden. In seiner Selbstzufriedenheit, das Bild zum Leben erweckt und es klingt ausgehend von Glocken ausgerichtet sind, um Zeit und Bewegung.

Die Grüntöne der Natur drängen sich in der Stadt von Paul Klee (Feige. 10). Sie können Äste und Wipfel inmitten der städtischen erkennen, als ob die Farbfelder waren in einem anstrengenden Versuch ihre Arme weit zu verlängern. Es ist nicht definierte Formen scheinen auf weißen Hintergrund zu komprimieren.

Noch von der Realität Feld weiter, die Suprematistische Bewegung erforschten die reinen geometrischen Formen, wie war die Arbeit von Malevich ⁶. Die Logik in seinem Job war Kreise zu entsorgen, Dreiecke, Quadrate und Rechtecke in der klaren, auf weißen Hintergrund. manchmal überlappende, manchmal untergebracht getan Puzzle, die Formen passen in kohärenter Weise in dem leeren Raum zusammen, Einstellen, um es.

Es ist wahrscheinlich, dass die Künstlerseele jedes Werk durchdringt und Reisen, nicht dort vorgibt zu sein. Schweigsam und compenetrado, es passt Sie persönlich Bilder, stille Beerdigung. Das einzige Geräusch hört man das Läuten der Möglichkeiten, in Kontakt mit Farben.

Abschließende Überlegungen

Die Freiheit ist im Geist der Anstrengung zum Ausdruck frei von den Formen zu brechen, die bereits ihre Rolle erfüllt haben - die alten Wege - und von ihnen zu schaffen, neue Formen, unendlich viele.
(KANDINSKY, p. 121, 1991)

In dem fruchtbaren Boden des Morgenröte Bildschirm, zu handeln, wird die Autonomie des Künstlers erlaubt und für sie, was zu haben war reinste, Kunst auf dem Gebiet. Dort arbeitete er mit den Farben und Formen der emanzipierte Art und Weise, reif und intelligente, wie nie zuvor. Kreativität in den verfügbaren Raum gegangen, erlaubt für sich zu sprechen, Zusammenbauen, was im Geist schönsten war. Die intensive Begeisterung damals ausgelöst erlaubt die Kunst seine eigenen Eigenschaften erworben. Kandinsky zur „größten äußeren Unähnlichkeit wird die größte Binnen Ähnlichkeit“ (p. 125, 1991).

Das Ergebnis einer solchen Freiheit, solche innere Suche ist die Erforschung neuer Felder, Es ist der Verkehr für unbestimmte Richtungen, und, besonders reisen, wo nur der Geist bestimmen, zwischen den Farben, die geboren werden und Fading; Schwellen- und spill faceiras, jetzt Rückzug, vorrückenden entweder, ein lustiges Spiel, das nie endet. Es muss Art rein sein; Es muss die Seele der Taten rein und erleuchtet sein; und sollte frei sein Geschmack.

Treat passiert, wenn der Platz auf dem Bildschirm Ziel wird einladend und einschmeichelnd. Das ist, wo die Kunst spricht für sich, Es hebt sich von der unmenschlichen Realität und Transite neue Wege. Es ist möglich, dass in diesem Moment die gleichen Emotionen auslösen wie der Künstler die intensive Begeisterung für seine Schöpfung fühlte. Genießen Sie durchdringt die Arbeit, ihre innere Welt zu sehen, dass es gedruckt wurde, Er fühlt es riecht, seinen Geschmack genießen und ihre Töne hören Echo.

Auf der Bühne, dunkelblaue Dämmerung, zu off-Prinzip, nach einem intensiven dunkelblau. Nach einer Weile, man beginnt, in der Mitte der Bühne zu sehen, ein kleines Licht, das wird lebendiger, wenn die dunkelblau. Nach einer Weile, Musik Orchester. Pause.

Hinter der Bühne angeordnet ein Chor zu hören beginnt, so dass es nicht den Platz finden kann, wo die Ecke hat. Hören Sie die Stimmen vor allem Low. Singen ist regelmäßig, disruptive durch Punkte angedeutet.
(KANDINSKY, p. 145, 1991)

¹ Video von außen und innen des Hauses Rietveld Schröder:
www.youtube.com / watch?v = r0tvx6rA1os

² YouTube-Videos von Rietveld Stuhl:
www.youtube.com / watch?v = VocMPhETkdM
www.youtube.com / watch?v = GsyaaG_95bg

³ Link am Bauhaus, Besuchen UNESCO, von Yaromir:
visitunescobyyaromir.blogspot.com/2016/06/bauhaus.html

⁴ Jorge Oteiza Museum:
www.museooteiza.org/

Jorge Oteiza Video:
www.youtube.com / watch?v = vjhgJOJfDYg

⁵ Liegende, Henry Moore, kein Tate Museum:
www.tate.org.uk/art/research-publications/henry-moore/henry-moore-om-ch-reclining-figure-r1172012

⁶ Malevich Video über die Royal Academy of Arts:
www.youtube.com / watch?v = e3YS6uZ87Ec

Referenzen:

1. FLAGGE, Manuel. Tasche-Flagge, Eine poetische Anthologie. Porto Alegre: Die&PM Taschen, 2008.
2. BAYER, Raymond. Geschichte der Ästhetik. Lissabon: Editorial Stamp, 1993. Übersetzung von José Saramago.
3. Bystrina, Ivan. Semiotik der Kultur-Themen, Klassenzimmer Yvan Bystrina. PUC - SP,CISC (Zentrum für interdisziplinäre Forschung in Semiotik der Kultur und Medien). Sao Paulo: PRE-PRINT. Übersetzung Norval Baitello Junior und Sonia B.Castino, 1995.
4. CALVINO, Italo. Warum Clássicos lesen. 2^ein. Ausgabe. Sao Paulo: Companhia das Letras, 1993. Nilson Moulin Übersetzung.
5. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; TROMPETER, Caroline; MACK, Lorrie. História Ilustrada da Arte. Sao Paulo: Publifolha, 2014.
6. Eagleton, Terry. Die Idee der Kultur. Sao Paulo: Editora UNESP, 2005.
7. FARTHING, Stephen. Alles über Kunst. Rio de Janeiro: Sextant, 2011.
8. GASSET, José Ortega y. Die Kunst der Humanisierung. 5 ein. Ausgabe. Sao Paulo: Und. Cortez, 2005.
9. Glancey, Jonathan. Die Geschichte der Architektur. Sao Paulo: Loyola, 2012.
10. GOLDING, John. of Modern Art Concepts. Rio de Janeiro: Jorge Zahar Editor, 1991.
11. GOMBRICH, E.H. Die Geschichte der Kunst. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
12. HAUSER, Arnold. Sozialgeschichte der Kunst und Literatur. Sao Paulo: Martins Fontes, 2003.
13. KANDINSKY, Wassily. Blick in die Vergangenheit. Sao Paulo: Buchhandlung Martins Fontes Editora Ltda. 1991.
14. SIDE, Immanuel. Die Schöne und das Erhabene. Pôrto: Buchhandlung Education Ltd.. 1942.
15. MEIRELES, Cecilia. Spektren. Sao Paulo: Globale Publisher, 2013.
16. PROENÇA, Kostenlose. Entdecken die Geschichte der Kunst. Sao Paulo: Routledge, 2005.

Wie figuras:

Feige. 1 - Casa Rietveld Shroder, Yaro Mir, Besuchen UNESCO von Yaromir.

Feige. 2 - Casa Rietveld Shroder, Yaro Mir, Besuchen UNESCO von Yaromir.

Feige. 3 - Rietveld Shroder Haus, @holandesando, Webseite: holandesando.com/casa-rietveld-schroder/.

Feige. 4 - Vasily Kandinsky, Kleine Malerei mit Gelb (Improvisation), 1914, Öl auf Leinwand, 31 x 39 5/8 Zoll (78.7 x 100.6 cm) gerahmte: 32 3/4 x 41 1/2 x 2 1/2 Zoll (83.2 x 105.4 x 6.4 cm). Philadelphia Museum of Art, Die Louise und Walter Arensberg-Sammlung, 1950-134-103.

Feige. 5 - Vasily Kandinsky, Kreise in einem Kreis, 1923, Öl auf Leinwand, 38 7/8 x 37 5/8 Zoll (98.7 x 95.6 cm) gerahmte: 44 1/4 × 43 1/8 × 2 3/4 Zoll (112.4 × 109.5 × 7 cm). Philadelphia Museum of Art, Die Louise und Walter Arensberg-Sammlung, 1950-134-104.

Feige. 6 - Vasily Kandinsky, Postnummer 3, Die Exposition gegenüber dem Bauhaus, Weimar, Juli-September 1923, Farblithografie, Bild: 5 3/8 x 3 3/4 Zoll (13.7 x 9.5 cm) Blatt: 5 15/16 x 4 1/4 Zoll (15.1 x 10.8 cm). Philadelphia Museum of Art, Anwesend Carl Zigrosser, 1974-179-100.

Feige. 7 - Paul Klee, Komposition mit Figuren, 1915, Und Aquarell Feder und Tinte auf Papier auf Karton montiert, Blatt: 10.16 × 12.7 cm (4 × 5 im.) montieren: 10.8 × 13.02 cm (4 1/4 × 5 1/8 im.). National Gallery of Art, Washington. Herr Sammlung. und Frau. Paul Mellon.

Feige. 8 - Paul Klee, Ludwig, 1912, Feder und schwarze Tinte mit Wäsche auf Creme Papier, in Karton platziert, Allgemeine: 9.9 x 19 cm (3 7/8 x 7 1/2 im.). National Gallery of Art, Washington. Presente de Benjamin und Lillian Hertzberg.

Feige. 9 - Paul Klee, Nachtigallen Perser, 1917, Gouache, Aquarell, Stift und schwarze Tinte über Graphit auf Papier, auf Karton aufgezogen; gestickte Blatt auf der Oberseite mit gelben Papierstreifen befestigt zu unterstützen, Allgemeine: 22.8 x 18.1 cm (9 x 7 1/8 im.). National Gallery of Art, Washington. Presente de Catherine Gamble Curran und Familie, zu Ehren des 50. Jahrestages der National Gallery of Art.

Feige. 10 - Paul Klee, Baum Architektur – Ritmos, 1920, Öl auf Papier, Allgemeine: 27.9 x 38.3 cm (11 x 15 1/16 im.). National Gallery of Art, Washington. Presente de Benjamin und Lillian Hertzberg.

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