Zeitgenössische Kunst, Pop Art von Rosangela Vig

Sie können auch hören, dieser Artikel in seiner eigenen Stimme Künstler Rosangela Vig:

Ich hatte so etwas, im Lauf des Lebens, viele Kontakte mit vielen ernsthaften Menschen. Ich habe viel unter den großen Leuten gelebt. Ich habe sie ganz genau gesehen. Es wurde nicht besser, andernfalls, meine alte meinung.
Als ich eines fand, schien es ein wenig klar zu sein, Ich habe sie genutzt, um meine erste Zeichnung zu erleben, das habe ich immer bei mir behalten. Ich fragte mich, ob sie wirklich verstand. Aber ich habe immer geantwortet: „Es ist ein Hut“. Also habe ich nicht einmal mit dir über Boa Constrictors gesprochen, noch von Urwäldern, nicht einmal Sterne. Legen Sie mich an Ihre Fingerspitzen. Ich erzählte ihm von Bridge, des Golfsports, Politik, von Krawatten. Und die große Person freute sich, einen so vernünftigen Mann kennenzulernen. (SAINT-EXUPÉRY, 1977, S.11)

Der kleine Prinz inspiriert seit langem und bringt jene kindliche Einfachheit zum Vorschein, die in der hektischen Welt von heute vergessen ist.. Wir bemerken Menschen oft gar nicht., Freunde oder achten Sie sogar auf unsere eigenen Gefühle, inmitten der täglichen Hektik. zum Menschen, Wir müssen innehalten, um diese Einfachheit zu beobachten und uns der sensiblen Seite bewusst werden, was uns zu Wohlbefinden und Sättigungsgefühl führt. Und die Kunst Dies ist eine gute Möglichkeit, diesbezüglich ein Bewusstsein zu entwickeln.

Kunst zu genießen bedeutet, die Arbeit als Kind zu sehen, offen, Buch, große Emotionen aus ihr herauszuholen, diejenigen, die die Seele berühren, die durch die Empfindungen wandern. Vielleicht kann dann die Intelligenz das gleiche Feld durchwandern, auf dem der Künstler seine Ideen gesät hat.. Vielleicht haben die heutigen Menschen den dünnen Faden verloren, der das wirkliche Leben und die göttlichsten und inspirierendsten Urteile verbindet.. Vielleicht wird die Menschheit diesen wahren Weg doch wiederentdecken und weniger die Zahlen als vielmehr die sehen Belo das die Welt umgibt, und die künstlerischen Vorführungen. Das leichte Spiel mit der Sensibilität ist eine Möglichkeit, die Stimmung für gute Eindrücke zu heben. Ist das das Kunstspiel.

Und die Art-Demos kamen diesem Spiel noch nie näher, wie in Jahren 1950, als man begann, den Alltag als Spiel zu betrachten und Bewegungen fröhlich und entspannt zu integrieren. Die gesamte Technologie der Zeit, die Reise zum Mond, Werbung, in der Massenkultur, Das Kino und seine Berühmtheiten sowie der amerikanische Lebensstil wurden mit dem aufmerksamen Blick des Künstlers betrachtet, als Witz, Spiel. Dann kam die Pop-Art., mit lebendigen Farben und vereinfachten Designs. Die Kunst wurde wieder figurativ, aber auf ungewöhnliche Weise. Gleichzeitig begann man, die Symbole des Konsumismus zu verspotten und zu kritisieren, Künstler durchbrachen die Grenze zwischen Gelehrtem und Populärem, Wir bringen Kunst in eine innovative und einzigartige Kategorie.

Pop Art

Der Begriff Pop Art entstand im Jahr 1952, kommt aus dem Englischen und bedeutet Volkskunst, denn die Grundlage war Massenkultur, aber dieser Stil wurde keineswegs als populär bezeichnet. Der Name wurde von einem Kunstkritiker geschaffen Lawrence Alloway (1926-1990), in London, während eines Künstlertreffens, die Unabhängige Gruppe (Unabhängige Gruppe), nicht Institut für zeitgenössische Kunst (ICA), Institut für Zeitgenössische Kunst. Die Künstler debattierten über die Auswirkungen von Fortschritten in Wissenschaft und Technologie auf die Kunst, und bei einem dieser Treffen weckten die Mitglieder ihr Interesse an der Massenkultur.. Bestehend aus Richard Hamilton (1922-2011), Eduardo Luigi Paolozzi (1924-2005) und Peter Blake (1932-), Die Gruppe begann einen Stil, der bis zum Jahr andauerte 1960 und erreichte seinen Höhepunkt in New York, kommt auch nach Brasilien. In den Vereinigten Staaten, markierte die Namen von Andy Warhol (1928-1987); Roy Lichtenstein (1923-1997); Claes Oldenburg (1929-2022); James Rosenquist (1933-2017); Tom Wesselmann (1931-2004); Wayne Thiebaud (1920-2021); und Jasper Johns (1930). In Brasilien wurden Künstler bekannt Antonio Dias (1944-2018); Rubens Gerchman (1942-2008); und Claudio Tozzi (1944).

Einflussnahme auf modebezogene Designs und die Welt des Designs, Pop Art wurde stark von Comics inspiriert, vorausgesetzt, dass Siebdruck und Serienreproduktionen desselben Themas verwendet werden. Pop Art ernährte sich von der Kulturindustrie, und ironisiert gleichzeitig den verschärften Konsumismus der Zeit und des Kapitalismus.

Vollgepackt mit verführerischer Verpackung, Supermärkte waren ein häufiges Pop-Art-Thema, bringt Werke wie Andy Warhol in Galerien und Museen. Campbells Dosensuppe war die Inspiration für diese Serie des Künstlers., VON 1962, die insgesamt erreichten 32 Stoffe (Feige. 1)¹, jeweils für einen Geschmack des damals weit verbreiteten Lebensmittels. Allerdings ging Campbell sogar so weit, einen Anwalt zu entsenden, der die Verwendung der Marke anfechtete, Das Unternehmen akzeptierte und unterstützte schließlich den Künstler, Partnerschaft und sogar Sponsoring einer Ausstellung von Andy Warhols Werken im Metropolitan Museum of Art. Die Wiederholung des Bildes verweist auf die Idee eines organisierten Supermarktregals, mit mehreren Dosen verschiedener Geschmacksrichtungen. Zu Ehren des zwanzigsten Todestages von Andy Warhol, Der Eingang der Royal Scottish Academy (Königlich Schottische Akademie) wurde mit Bildern des bekannten Werks Warhols geschmückt (Feige. 4). In 1976 um Schädel zu bearbeiten (Schädel) (Feige. 2) folgte der Idee der Massenproduktion und der Künstler nutzte die Siebdrucktechnik, um sechs Leinwände mit demselben Design anzufertigen, jedes mit unterschiedlichen und lebendigen Farben. Das gleiche Farbprinzip wurde auch in anderen Werken wie Marilyn verwendet (Feige. 3), in dem der berühmte Filmstar mit einem sinnlichen Lächeln und reinem Farb-Make-up auf der Leinwand erscheint. Die Bilderserie der Filmkünstler verdeutlichte die Frivolität dieser Berühmtheiten.

Roy Lichtenstein² scheint einen Rundgang durch die bunten Zeitungskioske gemacht zu haben. Die Sammlung des Künstlers umfasst Comicfiguren in ungewöhnlichen Momenten oder auf dem Höhepunkt ihrer Erzählungen. Action und Dynamik sind in seinen Werken präsent., als ob die Zeit stehen geblieben wäre, um nur eine Sekunde zu bewahren. Na figura 6, Das Bild eines fallenden Flugzeugs wird in zwei Sequenzen erzählt, wenn sich der Höhepunkt der plötzlichen Bewegung verstärkt und die Bestätigung des Sturzes durch Lautmalerei bestätigt wird, Titel des Werkes. Die Farben Gelb und Rot verstärken das Feuer durch den Herbst. In der Figur erscheint der Kuss eines offensichtlich leidenschaftlichen Paares 7. Sie, Unter Tränen und mit geschlossenen Augen erinnert er sich gemeinsam nicht nur an die Comics, sondern auch die großen Kinoerzählungen, Konstantes Pop-Art-Thema.

Pop-Art in Brasilien

In Brasilien erhielt die Pop-Art-Ästhetik einen politischen Ton und konzentrierte sich auf die Kritik am damaligen System.. An diesem Modell hielt der Künstler und Architekt Claudio Tozzi bis heute fest 1969 als er von der Gesellschaftskritik zur Formenforschung überging. Dieser Gedanke veranlasste ihn, seine Astronautas-Serie zu produzieren, Klammern und Schrauben. Na figura 10, Der Protagonist ist der Astronaut von vorne und hinten, in zwei Bildern, ein Diptychon, Inspiriert von der Landung des Menschen auf dem Mond, was passierte in 1969. Der Künstler arbeitete mit der Verwendung von Schwarzweiß, mit scharfen Linien für die Konturen, Was erinnert dich an Comic-Helden?. Reich an Details, Ihr Charakter hat Ausdruck und scheint unter ihren Roben zum Leben zu erwachen. Das Monochrom ermöglichte es, Details hervorzuheben und hervorzuheben Licht- und Schatteneffekte, was das Werk näher an die Idee der Realität bringt.

Von 1970 Der Künstler entwickelte eine Forschung mit Farbe und als Ergebnis dieser Phase, Das Zebra-Panel fällt auf (Feige. 12), VON 1972, das Kunst und Farbe ins Zentrum von São Paulo brachte, auf der Praça da República. Das einfarbige Tier kontrastiert mit dem Blau des Himmels und dem Braun der gestampften Erde, Wohin gehst du?. Das Bild der Kunst von Claudio Tozzi, Inmitten der traurigen Gebäude ist es wie ein Atemzug anzusehen, aus einer Stadt, die nicht aufhören will. Es ist, als ob die Vision eine Weile ruht, den bewölkten Himmel vergessen, der Aufruhr von Autos und Schritten. Vielleicht ist dies der beste Grund für die Existenz der Kunst..

ein Spiel gemacht, Das Auge durchläuft die Werke auf der Suche nach einem Atemzug, von der Kraft, den Ansturm wieder fortzusetzen.

Spätnachmittag.
Im bleiernen Himmel
der trübe Mond
sehr kosmografisch
Satellit.

Entmetaphorisiert,
Entmystifiziert,
Ohne das alte Geheimnis der Melancholie,
Es ist jetzt nicht die Kluft der Spaltungen,
Der Star der Verrückten und Liebenden,
aber nur
Satellit.
(FLAGGE, 2008, S.136)

Final Thoughts

Das Objekt des spielerischen Impulses, in einem Gesamtschema dargestellt, kann live aufgerufen werden, ein Begriff, der dazu dient, alle ästhetischen Qualitäten von Phänomenen zu bezeichnen, das alles verstehen wir kurz gesagt im weitesten Sinne unter Schönheit. (…) Erst wenn seine Form in unserer Sinnlichkeit lebt und sein Leben in unserem Verständnis Gestalt annimmt, ist der Mensch eine lebendige Form., und das wird immer der Fall sein, wenn wir das Schöne beurteilen. (SCHILLER, 2002, Seiten 77 und 78)

Von der Aufklärung inspiriert, Der Gedanke des großen deutschen Philosophen legt nahe, dass das Schönheitsideal mit einem spielerischen Impuls verbunden ist. Kunst passt in diesen Kontext, durch das Spielen mit Sensibilität durch die Farbspiel und in gewisser Weise, Stimulierung des sensiblen Impulses.

Die zeitgenössische Kunst brach definitiv mit den Avantgarden der modernen Kunst. Solch ein Bruch, der in den Jahren begann 50 hielt mit den neuen Technologien Schritt, die große Fortschritte machten. das Weltraumrennen, die Wissenschaft, die Kino, das Fernsehen, Die Lebensweise und der Konsum inspirierten Künstler dazu, ein neues Sichtfeld zu skizzieren, Wir öffnen die Arme der Kunst für neue Dimensionen. Die Ästhetik hat diesen spielerischen Ton angenommen, die Formen der fortwährenden Realität annehmen, aber trotzdem klarstellen, von zwei Künstlern, die durch Werbung geförderte Kritik am Massenkonsum und Kapitalismus. Die Werke bewegten sich unter Verwendung alltäglicher Symbole von der Massenkultur zur gelehrten Kultur. Gleichzeitig, wie in einem Spiel, Die Werke regten das Auge an und ermöglichten die Verbreitung der Symbologie einer Epoche in der Kultur. Durch das Spiel mit Farben und Formen wurden dann neue Perspektiven und neue Sichtweisen vermittelt., das Auge erfreuen.

Auf der Ebene die Tänzer
Geh weg wie Pilger
Im Herrenhaus der grauen Herbergen
Durch Dörfer ohne Kirche
Und die Kinder machen weiter
Die anderen folgen träge
Die Bäume passen sich an
Wenn sie aus der Ferne winken
Sie haben quadratische runde Gewichte
goldene Bogentrommeln
Bär oder Affe nicht wild
Bitten Sie um Geld für Ihr Ticket.
(APOLLINAIRE, 2005, S.63)

O Paris, sieh uns lebendige Getränke an
Die männlichen Städte, in denen sie schreien und singen
Die metallischen Heiligen unserer heiligen Fabriken
Unsere Schornsteine ​​imprägnieren schwarze Wolken
Wie es einst der mechanische Ixion tat
Und unsere unzähligen Hände
Produktionsanlagen Fabriken Hände
Wo die nackten Arbeiter Finger mögen
Sie stellen das Echte mit so viel pro Stunde her
Das alles geben wir Ihnen.
(APOLLINAIRE, 2005, S.112)

¹ Video der Arbeit Latas de Sopa Campbells, von Andy Warhol:
youtu.be/HqvELc2FSfE

² Roy Lichtenstein Stiftung:
lichtensteinfoundation.org

Referenzen:

1. ANDRADE, Mario. komplette Gedichte. Sao Paulo: Editora Itatiaia, 1987.
2. FLAGGE, Manuel. Tasche-Flagge. Porto Alegre: Die&PM Taschen, 2008.
3. BAYER, Raymond.Geschichte der Ästhetik. Lissabon: Editorial Stamp, 1993. Übersetzung von José Saramago.
4. Bilać, Olav.Poetische Anthologie.Porto Alegre: Und. Die & PM Taschen, 2007.
5. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; TROMPETER, Caroline; MACK, Lorrie. História Ilustrada da Arte. Sao Paulo: Publifolha, 2014.
6. FARTHING, Stefan.Alles über Kunst. Rio de Janeiro: Sextant, 2011.
7. GASSET, Jose Ortega und.Die Kunst der Humanisierung. 5 ein. Ausgabe. Sao Paulo: Ed.Cortez, 2005.
8. GOMBRICH, E.H.Die Geschichte der Kunst. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
9. GUILLAUME, Apollinaire. Alkohole und andere Gedichte. Sao Paulo: Martin-Claret-Verlag, 2005.
10. HAUSER, Arnold.Sozialgeschichte der Kunst und Literatur. Sao Paulo: Martins Fontes, 2003.
11. MOSES, Massaud. Brasilianische Literatur durch Texte. Sao Paulo: Herausgebera Pensamento Cultrix Ltda., 1971.
12. MATHEW, Vinícius. Poetische Anthologie. Sao Paulo: Companhia das Letras, 2009.
13. ENKEL, João Cabral de Melo. Museum für alles. Rio de Janeiro: Livraria José Olympio Editora, 1975.
14. PROENÇA, Kostenlose. Entdecken die Geschichte der Kunst. Sao Paulo: Routledge, 2005.
15. SAINT-EXUPÉRY, Antoine de. Der kleine Prinz. Rio de Janeiro: Verlag Act, 1977. SCHILLER, Friedrich. Die ästhetische Erziehung des Menschen. Sao Paulo: Herausgeber-Miniaturen, 2002.

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Rosangela VIG
Sorocaba - Sao Paulo
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Kolumnist bei Obras de Arte Site
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