Zeitgenössische Kunst, Optische Kunst – Op-Art, von Rosângela Vig

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Die Vulgären glauben, dass es einfach ist, der Realität zu entfliehen, wenn es das schwerste der Welt ist. Es ist leicht, etwas zu sagen oder zu malen, das völlig bedeutungslos ist., das ist verständlich oder null: es wird ausreichen, unsinnige Worte in die Warteschlange zu stellen, oder ziehen Sie Gefahren nach dem Zufallsprinzip. Allerdings etwas konstituieren zu können, das keine Kopie des Materials ist und so, jedoch, haben eine gewisse Substanz, impliziert die erhabenste Gabe. (GASSET, 2005, s. 43)

Kunst regt die Fantasie an, stimuliert das Kognitive und öffnet den Weg zu unendlichen Formen der Sprache. Neugierig, das auge wird von den farben angezogen, durch Formen und Bewegung; und wandert interessiert am künstlerischen Objekt umher, Enthüllung der Codes, die der Künstler enthüllt hat. Mit jedem neuen Look, Eine neue Nachricht kann aufgedeckt werden, entschlüsselt werden kann. Vielleicht ist dies die größte Eigenschaft der Kunst.. Dein Verständnis, es ist jedoch nicht immer für die Spiegelung der Realität verantwortlich.. Beim Loslösen von der Welt der bekannten Dinge, Kunst nähert sich dem, was man von einer reinen Kunst sagen kann, vergeistigt, ohne die Beteiligung an den Leiden der realen Welt. Damit werden die Grenzen erweitert, wenn der Künstler es so will, wenn die Vorstellung damit einverstanden ist.

Um sich einer solchen Reise hinzugeben, genügt es, die Unendlichkeit zu betrachten, die das Innere der Seele bewohnt., des Denkens und verirren sich auf unbestimmte Zeit auf den Wegen, die zu diesen Haltestellen führen. Was die Vorstellungskraft zulässt, wird nur eine Darstellung dessen sein, was das wahre Selbst wagt. Nur so tritt die Kunst überlegen hervor, lebendig, im full-motion, von Mustern entkoppelt. So ging die Ästhetik der Moderne, immer mehr von der Realität entfernt, neue Formen hervorbringen und ein Feld für die zeitgenössische Ästhetik der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts öffnen.

Zeitgenössische Kunst

Obwohl es keinen Konsens über die Anfänge der zeitgenössischen Kunst gibt, es war nach dem zweiten Weltkrieg, um die Jahre 50 dass es einen Bruch mit der modernen Kunst gab, als die neuen Stile auftauchten und eine Welt voller technologischer und wissenschaftlicher Innovationen begleiteten. das Weltraumrennen, Die Idee des Wiederaufbaus der Gesellschaft nach dem Krieg und die Suche nach dem Unbewussten waren Themen, die Künstler inspirierten. Das Feld wurde um neue Sprachen erweitert, von Fragen im Stil von Kino und Fernsehen. Von der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts bis heute, Zeitgenössische Kunst folgte dem Gedanken, Weltneuheiten und Veränderungen.

Auch postmodern genannt, Die Kunst wurde von Veränderungen in der Malerei begleitet, für Bildhauerei und Architektur. Unter den verschiedenen Stilen, die die Produktionen der damaligen Zeit leiteten, waren Pop-Art und Op-Art.

Op-Art

Die Bewegung, die in entstand 1965, em Nova York,, Vereinigten Staaten und Europa, Die Op-Art wurde geprägt, Kurzform für Optische Kunst. Die erste Ausstellung fand im Museum of Modern Art statt (MoMA) und trug den Titel „Das reagierende Auge". Der Name kann mit „empfindliches Auge“ übersetzt werden., oder das „antwortende Auge“, wahrscheinlich unter Bezugnahme auf die Bilder von Werken dieses Stils, die das Auge mit der Idee kontinuierlicher Bewegungen geometrischer Formen einbeziehen.

Zum Nachdenken anregen und den Blick auf das künstlerische Objekt anregen, Op Art galt als Variation der Abstrakter Expressionismus; Annäherung an das Feld der Empfindungen, dissoziierende Formen, Farben und Muster. Im künstlerischen Objekt gibt es Dreiecke, Kreise und Quadrate, die sich schließen, in Spiralen öffnen, in Fraktale aufteilen, trennen und neu verbinden. Das Auge wird angezogen, sucht das bild und verliert sich darin, sucht wo die arbeit beginnt und wo sie endet. Als eine Form der Illusion, Kunst scheint lebendig zu sein und sich ständig zu verändern, als ob Nuancen und Linien die Saiten in Form von Musik vibrieren ließen. Hinzu kommt die Verwendung von Kontrastfarben., die in gewisser Weise die Bewegungen akzentuiert. Vielleicht ist dies die beste Beschreibung für den Op-Art-Stil, oder vielleicht gibt es keine Möglichkeit, ihn zu definieren, ohne sie anzusehen.

Unter den Namen, die den Stil repräsentierten, ist der des ungarischen Künstlers Viktor Vasarely (1908-1997), Vorläufer der Bewegung; und die Namen von Alexander Calder (1898-1976); Luis Sacilotto (1924-2003); Adolf Friedrich Reinhardt (1913-1967); Jesus Raphael Soto (1923-2005); Kenneth Noland (1924-2010); und Richard Allen (1933-1999).

Viktor Vasarely¹ studierte Kunst in Budapest, Ungarn, Geburtsland; hatte Kontakt und Einfluss der Bauhaus-Bewegung; und ließ sich von Kandinskys Werken inspirieren. Von 1930 ging nach Paris, wo er für Werbefirmen arbeitete. Kam zur Arbeit mit figurativer Kunst, entschied sich aber für einen Stil, dessen Protagonist die Geometrie war. Seine Linien wurden mit monochromen und allmählich erworbenen Bewegungen und Wellenbewegungen assoziiert.. Elemente, die mit der Tiefe verbunden sind, waren in seiner Arbeit vorhanden., zur Mehrdimensionalität u, vor allem auf die Dynamik, als würde sich das gesamte Universum seiner Arbeit nun erweitern, jetzt zurückziehen. Zellen gemacht, unorthodoxe Galaxien und Welten, Vasarelys Kunst pulsiert bei jedem Blickwechsel.

Alexander Calder² in Pennsylvania geboren, Vereinigten Staaten und wurde bekannt für seine Mobiles und für seine riesigen Skulpturen, zusätzlich zu Drahtbildern. Bereits in jungen Jahren zeigte der Künstler Interesse am Schaffen, ihr eigenes Spielzeug zu machen, ein kind. Zog nach Paris in 1926, wo er Kontakt zu den Künstlern der hatte Surrealismus. mehr als Skulpturen, Ihre Werke sind Kunst in Bewegung. volle Größe, Seine Werke werden in mehreren Ländern ausgestellt und bringen die Idee einer reinen Kunst ans Licht, verbunden mit der Verwendung von Farben und sich bewegenden Formen, was bei Ihrer Red Disk Folding auffällt (Feige. 1), VON 1973, auf dem Schlossplatz ausgestellt, in Stuttgart, eine der größten städte deutschlands. Em Metall, Seine riesige Konstruktion erhält durch die subtile und filigrane Bewegung eine unglaubliche Leichtigkeit. Wie Vögel, die fliegen, Seine farbenfrohen Formen bringen Freude in das Monochrom der Stadt, gleichzeitig scheinen sie Teil des Raumes zu sein. Wenn der Betrachter die Perspektive wechselt, das Werk des Künstlers (Zahlen 2, 3, 4) erhält durch das Spiel von Licht und Schatten neue Nuancen; und ordnet sich neu an, mit neuen Zahlen.

Geboren in Santo André, Sao Paulo, Luiz Sacilotto studierte Zeichnen am Universitätszentrum für Bildende Kunst; arbeitete als Publizist; fertigte Zeichnungen für die Architektur an. Auf dem Gebiet der Kunst, Sacilotto nahm an Ausstellungen und Biennalen in Brasilien und Ausstellungen im Ausland teil; und galt als einer der größten Vertreter der Betongeneration in Brasilien. Seine Arbeit hat Kontraste., Symmetrie und hat Bewegung. Dein riesiges Gemälde (Feige. 7) in der Lobby von Block B, von Universidade Federal do ABC verführt das Auge im Vordergrund durch die intensive Farbe. Diese Anziehungskraft nimmt mit zunehmender Bewegung der Arbeit zu., wenn die Augen von einer Seite zur anderen laufen, oder von oben nach unten. Die Formen scheinen eine Art konvexe Bewegung zu machen, wo geht das ganze bild unendlich hin. Der Zuschauer, der Eindruck ist, dass er selbst mit dem Werk konvergiert und in diese Unermesslichkeit der hin- und hergehenden Formen eindringt.

In der Figur 8, Sacilotto spielt mit der geometrischen Form und teilt sie, zwei neue Dreiecke bilden, die sich im Raum auszudehnen scheinen, als ob sie jedes seiner Enden streckten. Das Material ist Aluminium, auch verwendet in der Arbeit von Abb. 10. Dass, zusammen mit dem Holz, täuscht der Blick, der jetzt das Innere einer Pyramide wahrnimmt, Jetzt bist du draußen. Erinnerung an die Farben von Fauvismo, die grünen Linien heben sich hervor und überlagern die Orange, na Figura 11. Identisch große Linien, oben gezeichnet, andere unten, den Eindruck erwecken, größer oder kleiner zu sein. Vollendet wird die optische Täuschung noch durch die Vorstellung, dass sich das Werk von oben nach unten oder von unten nach oben bewegt.. Dieser brasilianische Künstler beherrschte wie kein anderer die Fähigkeit, Kunst in ein Spiel der Farben zu verwandeln, von Formen und Illusion des Aussehens. Ihre Arbeit zu beobachten ist wie Felder in Bewegung zu bemerken, expandierende und schrumpfende Formen.

Final Thoughts

Dann, nur dieses Gemälde
Farben laut,
Gerade Farben,
Nackt, heiße Farben.

Ihre nur Licht Malerei,
Clara-Bau,
Dieser Build natürlich
Hergestellt aus nicht.

Malen, das Sie gelehrt haben
Die Moral vom Sehen
(das Handgelenk weich lassen
dem Leben mehr Spannung geben).

Diese Farbe kann,
Mit ihren kalten blast,
Die Seele Rühren Withers,
Gleichgültigkeit oder acídia.
(ENKEL, 1975, S.19)

Die Reiserouten der Kunst. Seine Geschichte hat gezeigt, dass es nicht ausreicht, ein Objekt zu sein, auf das der verzauberte Betrachter seine Aufmerksamkeit richtet., sondern etwas, das ins Auge fällt und Sie einlädt, an einem unendlichen Spiel teilzunehmen; das gibt dir neue perspektiven, neue Sichtweisen, einen Witz gemacht. In der Tat die optischen und visuellen Effekte der Op Art, mit Formen und Linien, mit lebendigen und kontrastierenden Farben ermöglichen eine Art Spaziergang durch die Dreidimensionalität in Bewegung, als ob das Werk lebendig wäre, drücken.

Es ist angenehm, das künstlerische Objekt als integralen Bestandteil zu durchreisen, Genießen Sie Ihren ganzen Raum, durch ihn bewegen, aus allen erdenklichen Winkeln. Wie sehr gibt sich die Seele einer solchen Frucht hin, der Geist fliegt in Ekstase. Eine solche Verzauberung ermöglicht eine dauerhafte Freude am Sein.

¹ Video der Arbeit von Victor Vasarely
youtu.be/G_gOS_xwSiw

² Video von Alexander Calders Arbeit
youtu.be/fI5PRaTSMUI

Referenzen:

1. ANDRADE, Mario. komplette Gedichte. Sao Paulo: Editora Itatiaia, 1987.
2. FLAGGE, Manuel. Tasche-Flagge. Porto Alegre: Die&PM Taschen, 2008.
3. BAYER, Raymond. Geschichte der Ästhetik. Lissabon: Editorial Stamp, 1993. Übersetzung von José Saramago.
4. Bilać, Olavo. Poetische Anthologie. Porto Alegre: Und. Die & PM Taschen, 2007.
5. CHILVERS, Ian; ZACZEK, Iain; WELTON, Jude; TROMPETER, Caroline; MACK, Lorrie. História Ilustrada da Arte. Sao Paulo: Publifolha, 2014.
6. FARTHING, Stephen. Alles über Kunst. Rio de Janeiro: Sextant, 2011.
7. GASSET, José Ortega y. Die Kunst der Humanisierung. 5 ein. Ausgabe. Sao Paulo: Und. Cortez, 2005.
8. GOMBRICH, E.H. Die Geschichte der Kunst. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.
9. HAUSER, Arnold. Sozialgeschichte der Kunst und Literatur. Sao Paulo: Martins Fontes, 2003.
10. MOSES, Massaud. Brasilianische Literatur durch Texte. Sao Paulo: Herausgebera Pensamento Cultrix Ltda., 1971.
11. MATHEW, Vinícius. Poetische Anthologie. Sao Paulo: Companhia das Letras, 2009.
12. ENKEL, João Cabral de Melo. Museum für alles. Rio de Janeiro: Livraria José Olympio Editora, 1975.
13. PROENÇA, Kostenlose. Entdecken die Geschichte der Kunst. Sao Paulo: Routledge, 2005.

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